Les musiciens de Klezmer sont réunis dans la maison d'une vieille dame. Il y a une grande fête et ils doivent jouer toute la nuit. C'est là qu'ils deviennent vraiment amis. Yaacov aimerait bien épouser Hava et lui faire plein d'enfants. Le Baron fait comme s'il n'était pas jaloux. Vincenzo casse son violon et se voit offrir un instrument extraordinaire. Tchokola le gitan continue de raconter des histoires juives, des histoires zaporogues, des récits édifiants sur la façon dont boxe Jesus-Christ, il raconte ce qu'on veut, pourvu qu'on lui paie à boire. L'Ange de la Mort rode autour de la maison en liesse.

« Dans les années 1970, la vie était douce en Côte d'Ivoire. Il y avait du travail, les hôpitaux étaient équipés et l'école était obligatoire. J'ai eu la chance de connaître cette époque insouciante, où les jeunes n'avaient pas à choisir leur camp trop vite, et ne se préoccupaient que de la vie courante :les études, les parents, les amours... Et c'est cela que je veux raconter dans Aya, une Afrique sans les clichés de la guerre et de la famine, cette Afrique qui subsiste malgré tout car, comme on dit chez nous, la vie continue... »

Comme son papa, Catherine Certitude porte des lunettes. Et comme sa maman qui vit à New York, elle aimerait devenir une grande danseuse. Contrainte d'enlever ses lunettes pour danser, Catherine découvre l'avantage de pouvoir vivre dans deux mondes différents : le monde réel, tel qu'elle le voit quand elle les porte, et un monde plein de douceur, flou et sans aspérité quand elle les ôte. Un monde où elle danse comme dans un rêve...

Il était une fois au Japon, au coeur du XIXe siècle... Tojiro, le petit vendeur des rues, rencontre un curieux vieil homme qui passe ses journées à dessiner des lions-dragons, des ponts suspendus, des saules qui pleurent. C'est Hokusai, le vieillard fou de dessin, le plus grand artiste japonais, le maître des estampes, l'inventeur des mangas. Fasciné par le talent du maître, Tojiro devient son ami et son apprenti.

Chaque jour, Edmond et Emile, deux petits vieux, s'installent au bord de la rivière pour pêcher.Le temps s'écoule paisiblement entre les chats, les jeux télévisés et les souvenirs. Mais ce n'est pas parce qu'on a passé l'âge de la gaudriole épicée qu'il faut faire maigre jusqu'au trou... Un album drôle et sensible, ode à la liberté et au plaisir. Meilleur Album 2006 selon le magazine Le Point et Grand Prix de la critique bandes dessinées 2007.

Quelle vie ! Potiche d'accueil dans les foires et salons, Zoé endure le soir un mec chômeur qui dort en chaussettes. Jusqu'à ce qu'elle croise la route de Thomas, écrivain à succès en manque d'inspiration. Par l'auteur de Ma vie est tout à fait fascinante et de Joséphine, une histoire d'amour et d'ambition... à l'héroïne inoubliable.

«Présenter Picasso à la fois au travail et parmi les siens.» Telle est la ligne directrice de cette exposition présentée à Rodez qui montre, à travers un important et rare ensemble d'oeuvres et de documents datés de 1907 à 1956, complétés par les photographies de David Douglas Duncan et de Michel Sima, un artiste dans son intimité, en famille, avec ses proches, mais aussi dans ses ateliers, où il travaille et joue. «Picasso au musée Soulages» présente au public les «Picasso de Picasso », c'est-à-dire des oeuvres que l'artiste a conservées dans ses différents ateliers jusqu'à la fin de sa vie. «Déshabillée», dépouillée de son caractère conventionnel et officiel, selon les propres termes de Soulages, cette exposition, qui associe au plus près natures mortes, portraits, nus et photographies vivantes, est celle d'un peintre à la fois célèbre et descendu sur terre. Cette manifestation a bénéficié du soutien exceptionnel du Musée national Picasso-Paris, du musée Picasso d'Antibes, ainsi que de la générosité de la famille du peintre. Soulages a souhaité dédier cet événement à l'historien de l'art Pierre Daix, son ami.

Année 1902, Tom Smith et Jerry Wesson se rencontrent aux pieds des chutes du Niagara.L'un passe son temps à rédiger des statistiques météorologiques

Un homme a écrit un énorme scénario sur la vie de Herman Melville : The Great Melville, dont aucun producteur ne veut. Un jour, on lui procure le numéro de téléphone du grand cinéaste américain Michael Cimino, le réalisateur mythique de Voyage au bout de l'enfer et de La Porte du paradis. Une rencontre a lieu à New York : Cimino lit le manuscrit. S'en suit une série d'aventures rocambolesques entre le musée de la Chasse à Paris, l'île d'Ellis Island au large de New York, et un lac en Italie. On y croise Isabelle Huppert, la déesse Diane, un dalmatien nommé Sabbat, un voisin démoniaque et deux moustachus louches - il y a aussi une jolie thésarde, une concierge retorse et un très agressif maître d'hôtel sosie d'Emmanuel Macron. Quelle vérité scintille entre cinéma et littérature ? La comédie de notre vie cache une histoire sacrée : ce roman part à sa recherche.

Avec des gouaches de Charlotte Salomon

La Crau, désert de pierres aux portes d'Arles. Pays ras, pays nu, abandonné au mistral et aux brebis. C'est là que vivent Nel et Matt, l'un, fils et petit-fils de bergers, aujourd'hui photographe, l'autre, constructeur de toilettes sèches publiques, réalisateur à ses heures perdues.Entre eux une amitié forte, belle. Jusqu'au jour où, travaillant à un nouveau film, Matt s'intéresse à la vie de deux cousins de Nel aujourd'hui disparus. Deux frères maudits, qui ont traversé comme des comètes ces mêmes paysages, se consumant à toute allure, en pleines années 1980Allers-retours à Madagascar, adolescence sans parents, fêtes, violence, liberté, insoucianceLa trajectoire des deux frères, aussi brève qu'intense, se recompose peu à peu. Échos et correspondances se tissent entre passé et présent, renvoyant Matt et Nel à leurs propres choix, nous interrogeant, à notre tour, sur notre place dans le monde.

Intellectuel majeur du XXe siècle, Michel Leiris (1901-1990) fut tout à la fois poète, écrivain autobiographe, ethnographe de métier et ami intime des plus grands artistes et écrivains de son temps.À travers près de 350 oeuvres, dont de nombreux chefs-d'oeuvre des artistes qui lui furent proches (Miró, Masson, Giacometti, Picasso, Bacon.), des objets et oeuvres d'art africains et antillais, ainsi qu'une riche documentation (manuscrits, livres, films et musique), l'exposition rend compte des multiples facettes de la figure de Leiris et souligne le caractère novateur de son oeuvre et la pertinence de sa pensée qui constituent, dans le contexte de la mondialisation et des études postcoloniales, une référence contemporaine essentielle.Influencé dès l'enfance par Raymond Roussel et se situant en marge du surréalisme, Leiris s'éloigne du mouvement pour rejoindre la revue dissidente Documents autour de Bataille. La quête de sa propre identité s'associe à une soif de dépaysements et d'altérité. Il s'initie aux méthodes de la recherche ethnographique en participant à la « Mission Dakar-Djibouti » (1931-1933), au cours de laquelle il écrit L'Afrique fantôme. Après la guerre, il se rend aux Antilles où il découvre les rites vaudou. Aficionado à la corrida, il est tout autant passionné de jazz, d'opéra et de spectacles qui sont pour lui des « terrains de vérité ». Devenu ethnographe professionnel, africaniste au musée de l'Homme, il est à l'initiative du premier ouvrage sur la création plastique de l'Afrique noire. Il est, par ailleurs, l'auteur de livres autobiographiques majeurs qui en révolutionnent le genre, parmi lesquels L'Âge d'homme ou La Règle du Jeu.L'exposition pluridisciplinaire et son catalogue offrent une lecture de l'histoire artistique et intellectuelle du XXe siècle, allant de Raymond Roussel à Pablo Picasso, en passant par l'Afrique, les Antilles, l'Espagne, Cuba et la Chine.Sous la direction de Denis Hollier, Agnès de La Beaumelle et Marie-Laure Bernadac

Pierre Soulages, qui continue avec une extraordinaire vigueur une oeuvre débutée en 1946, est un des artistes majeurs apparus dans l'après-guerre. Son oeuvre a très tôt été reconnue internationalement parmi les plus importantes de la seconde moitié du XXe siècle et ses développements récents la situent toujours au tout premier plan en ce début du XXIe siècle. En 2009, le Centre Pompidou lui a consacré une rétrospective qui a rencontré un extraordinaire succès auprès du public. Le 31 mai 2014, après des travaux de construction qui ont duré près de quatre ans, le musée Soulages a ouvert ses portes à Rodez, ville natale de l'artiste. Dessiné et conçu par les architectes catalans Rafael Aranda, Carme Pigem et Ramon Vilalta, unis sous le nom de RCR arquitectes, le musée accueille les oeuvres de la donation Pierre et Colette Soulages, ainsi que des expositions temporaires. Un ensemble extraordinaire d'oeuvres, pour la plupart inédites, est rassemblé dans cet ouvrage conçu et écrit par Pierre Encrevé, spécialiste et auteur du catalogue raisonné de l'artiste. L'ouvrage est préfacé par Benoît Decron, directeur du musée Soulages.

«Dans un placard dont on a fait un sanctuaire ne ressemblant en rien à un sanctuaire et qui abrite discrètement quelques âmes inoubliables et inoubliées, il y a une petite boîte en bois laqué pour le thé en poudre. Elle contient une toute petite portion des cendres de mon père que j'avais prélevée dans son urne avant qu'elle ne fût mise en tombe. Lorsque j'ai préparé cette boîte mortuaire il y a déjà dix-huit ans, j'ai osé prendre une pincée de miettes d'os pour en goûter. Bientôt, je crois que j'en ferai autant pour Mélodie dont je garde toujours l'urne près de moi sur l'emplacement exact de son matelas. Je me procurerai une autre boîte en bois laqué pour y mettre quelques cuillerées de poudre d'os et une partie de l'omoplate ou d'une côte. Le reste sera répandu dans le jardin ou ailleurs pour retourner à la terre.» Akira Mizubayashi

«Il ne s'y attendait pas. Et, à vrai dire, il n'y tenait pas. Toutes ces années à fuir, à se draper dans les brumes feutrées de Venise, dans des cathédrales vaporeuses, dans des femmes qui ressemblaient à des paysages. Et ils étaient là. Suppliciés, implacables. Un jour il avait pris son crayon et ils étaient là. Le trait s'était déployé, la mémoire avait repris le pouvoir, l'avait guidé, avait tenu sa main selon la logique impitoyable des cauchemars. Les visages grimaçant au-dessus de cordes de pendus, les corps décharnés, les presque squelettes, les déjà cadavres avaient surgi. Les fantômes avaient pris possession de son refuge, de son abri de papier blanc, et il y avait de quoi se mettre en colère. Mais il devait leur obéir. L'armée des ombres, des assassinés, des génocidés se levait sur le papier. Il retrouvait le coup de crayon halluciné de là-bas, cette possession, cette atroce fascination. La beauté inavouable de l'horreur. Là-bas, c'était aujourd'hui. Il n'avait pas le droit de retenir les fantômes qui tremblaient sous ses doigts.» Sophie Pujas.

Familière et pourtant étrange, la métropole moderne fascine et inquiète. Lieu de la modernité et de la création artistique, la ville se révèle bien plus qu'un simple décor. Dès la fin du XIX siècle, la ville, perçue comme lieu de tous les possibles, tous les plaisirs, et toutes les innovations, devient chez certains artistes le personnage principal de quelque conte fantastique. Après la Première Guerre mondiale, le phénomène se généralise et la ville moderne produit nombre de mythes, de New York à Paris, en passant par Berlin. Pendant quatre décennies, des artistes de tous horizons proposent leur vision de la métropole, tour à tour fascinante, étrange ou menaçante. Une inquiétante étrangeté hante les oeuvres de Giorgio de Chirico, René Magritte, Paul Delvaux, Edward Hopper, Georgia O'Keeffe, Victor Brauner, Anton Räderscheidt... et de la fine fleur de l'avant-garde photographique et cinématographique internationale (Brassaï, Ilse Bing, Louis Faurer, Heinz Hajek-Halken Raoul Hausmann, Lucien Hervé, André Kertész, Umbo... ainsi que René Clair, Fritz Lang, Walther Ruttmann, Charles Sheeler et Paul Strand, Dziga Vertov...). Cet ouvrage constitue un conte historique et fantastique en quatre chapitres, un voyage dans les profondeurs des grandes capitales du monde occidental.

En France, le nom de Robert Enke n'est guère familier aux amateurs de football.Pourtant, ce joueur allemand conserve dans son pays une étonnante aura, et son suicide le 10 novembre 2009, vingt ans jour pour jour après la chute du Mur de Berlin, l'a propulsé au rang de mythe. Gardien de but d'anthologie, Robert Enke, né en 1977 à Iéna, en Allemagne de l'Est, débute véritablement sa carrière de footballeur professionnel en 1998/1999. Il triomphe entre 2004 et 2007 sous le maillot de l'équipe de Hanovre, mais connaît une saison 2008 décevanteLe 10 novembre 2009, alors que son nom revient au premier plan, il est pressenti pour intégrer l'équipe d'Allemagne lors du Mundial 2010, il se jette sous un train. Qui était vraiment Robert Enke ? Quelle mélancolie, quelle fêlure secrète cachait cet homme dont le rôle, sur le terrain, était au contraire et par définition de toujours garder la tête froide ? Plonger est une enquête sur l'énigme Enke, à la recherche de ses traces dans les villes où il a vécu, de Iéna où il a grandi à Hanovre où il a connu la gloire, puis la mort à 32 ansUne reconstitution attentive et mélancolique, aussi, des dernières vingt-quatre heures de la vie de ce personnage fragile, dépressif depuis des années, hanté par la mort de sa petite fille de deux ans victime d'une malformation cardiaque

90 peintures sur toile « Si l'on regarde mes toiles dans leur diversité, me disait Soulages à propos de sa dernière rétrospective parisienne, leur succession apparaît non comme une fatalité, mais comme l'exercice d'une liberté : liberté du peintre, liberté de la peinture, liberté promise à celui qui désarme devant l'oeuvre son regard pour tenter de la voir.Nous avons choisi ensemble les quatre-vingt-dix peintures sur toile que voici parmi toutes celles qu'il a peintes en déjà soixante années de libre exercice. L'existence du catalogue raisonné de sa peinture sur toile de 1946 à 1997 donne à l'ensemble réuni ici un sens particulier : non pas tenter de faire découvrir l'oeuvre dans toute son ampleur, mais proposer une suite ordonnée de tableaux où le regard du peintre lui-même ressaisit le déploiement de son travail dans ses singularités, ses lignes de force, ses rythmes, sa diversité dans son unité, son renouvellement incessant dans la formidable permanence de l'affirmation d'une grandeur de la peinture et dans la peinture. » 90 peintures sur papier « Ce qui échappe aux mots, ce qui se trouve au plus obscur, au plus secret d'une peinture, c'est cela qui m'intéresse. Il y a une intimité des peintures sur papier de Soulages - pour le peintre, sans doute, qui ne les expose que rarement, comme pour conserver plus longtemps son lien de proximité, mais plus encore pour le regardeur : quand les immenses polyptyques sur toile l'obligent à se tenir à distance et à se déplacer devant eux, sans parvenir pourtant le plus souvent à en saisir l'ensemble d'un seul regard, les papiers, même les plus grands, incitent au contraire au regard rapproché, s'offrent à la saisie simultanée de toute leur surface, invitent à la méditation immobile. Ils proposent une émotion d'une autre nature, où la violence du tête-à-tête avec les signes verticaux des premières années, tout comme la luminosité apollinienne des champs colorés des années récentes ou le crépitement lumineux des derniers noir et blanc acquièrent une intensité incomparable. Dans les peintures sur papier, par contraste ou par transparence, concentrée ou dispersée, étale ou agitée, la lumière de Soulages, plus je me rapproche d'elle, plus je suis face à son secret. » Pierre Encrevé.

Peintre, sculpteur et graveur, Henry de Waroquier (1881-1970) est né à Paris. Il ne suit aucun cours de peinture mais travaille et rencontre de nombreux artistes à Montmartre, puis à Montparnasse où il habite de 1898 à 1919. Ses grands paysages d'Espagne de 1917 montrent qu'il n'a pas été insensible au cubisme. Il poursuit ensuite une démarche solitaire, indépendante, dirigée vers l'étude de la figure humaine. En 1937, il exécute son oeuvre la plus célèbre, La Tragédie, décoration pour le théâtre du Palais de Chaillot, et s'inspire de plus en plus de thèmes mythologiques.Pendant les années 1930 et 1940, Waroquier produit des sculptures tout à fait étonnantes, lyriques et angoissées, qui sont le sujet de cet ouvrage. De nombreux auteurs comme Alain, Gaston Bachelard et Paul Claudel ontr remarqué la véhémence de ces visages, avec les yeux tournés vers le ciel comme Le Verbe, ou les yeux crevés « entrés en ténèbre » de son oedipe et ont évoqué à leur propos l'île de Pâques, l'Égypte et d'autres civilisations lointaines. Aujourd'hui, ces sculptures paraissent d'une modernité étonnante, dignes de figurer parmi les grandes oeuvres de la première moitié du XXe siècle, à côté de celles de Picasso, Derain et Fautrier.

En mai 2006, Jan Fabre était invité par le Musée Royal des Beaux-Arts d'Anvers, sa ville natale, à imaginer un parcours de ses oeuvres au sein des collections. En avril 2008, le musée du Louvre l'invite à renouveler cette expérience dans les salles de peintures des Écoles du Nord. La tradition picturale flamande est pour lui une source d'inspiration constante et déterminante. Le parcours proposé par Jan Fabre est une sorte de dramaturgie mentale mettant en scène les figures et les thèmes majeurs de son oeuvre avec ceux des maîtres anciens. Cet ouvrage, qui réunit les oeuvres des deux expositions - photographiées in situ par Attilio Maranzano -, permet de confronter tableaux célèbres du passé et oeuvres contemporaines. Ce dialogue subtil et fructueux entre passé et présent se fonde sur des affinités électives, sur des rapprochements d'ordre stylistique, iconographique ou poétique, imaginés par l'artiste, véritable metteur en espace de ces confrontations. L'ouvrage comprend un entretien avec l'artiste, qui explique et justifie ses intentions, ainsi que des textes de spécialistes de son oeuvre. Il apporte ainsi un nouvel éclairage, tant sur l'oeuvre de cet artiste protéiforme que sur la spécificité des peintures flamandes et hollandaises des deux musées.

«Pourquoi le noir? La seule réponse, dit Soulages, incluant les raisons ignorées incluses au plus obscur de nous-même et des pouvoirs de la peinture, c'est : Parce que. Rencontrer la peinture de Soulages, s'offrir à sa singularité, se déprendre des habitudes du regard pour apprendre à la voir, cela demande de la disponibilité, du temps, de la solitude. Mais au sortir de la visite, alors, quel ébranlement de découvrir en soi qu'un champ mental insoupçonné s'est ouvert.».

Ernest pignon-ernest est né à nice en 1942.Depuis 1966 il fait de la rue le lieu même d'un art éphémère qui en exalte la mémoire, les évènements ou les mythes. il a ainsi préfiguré nombre d'expériences artistiques sollicitant l'espace du dehors. par la facture puissante, comme intemporelle, de ses images et l'acuité de leur inscription dans le réel (choix signifiant des sites et du moment), les interventions d'ernest pignon-ernest métamorphosent les lieux en espaces plastiques, poétiques, fictionnels, réminiscents, jusqu'à faire de ces lieux et du temps l'oeuvre mêmeDu chili à soweto, d'alger à naples, de charleville à paris, la confrontation des drames de notre temps comme l'exploration de destins individuels en rupture de norme ou de mythe à raviver font prendre à l'artiste un risque chaque fois inédit, celui-là même qui hantait rimbaud quand il s'acharnait à trouver le lieu et la formule. dans les années 90, lors de ses collages dans les rues de naples, un vers de nerval l'a mené à un dialogue très libre avec les grandes mystiques : marie madeleine, hildegarde de bingen, angèle de foligno, catherine de sienne, thérèse d'avila, marie de l'incarnation et madame guyonPour qui a toujours fait du corps l'objet et le sujet de ses explorations, la rencontre autour d'une thématique de cette nature relève autant d'une quête que d'un défi. comment représenter ce qui ne peut se voir ? comment faire image de chairs qui aspirent à se désincarner ? comment capter les traces, les effets, les lumières, les ombres, les soupirs ou les cris d'expériences ineffables ? comment restituer par des traits de tels transports, de tels excès, de telles effractions sublimées ?

Du 15 avril au 20 juillet 2008, le musée Rodin consacre une rétrospective exceptionnelle à Camille Claudel. Cette exposition rassemble l'essentiel de l'oeuvre de l'artiste avec plus de 80 sculptures en marbre, terre cuite, plâtre, onyx et bronze, ainsi qu'une dizaine de gravures et dessins provenant de collections publiques et privées. Certains documents, comme la correspondance de Rodin et Camille Claudel et des photographies d'époque, complètent cet ensemble. Cette rétrospective éclaire d'un jour nouveau le parcours artistique ponctué de chefs-d'oeuvre d'une artiste aujourd'hui plus connue pour sa vie privée que pour ses propres créations. Après avoir été longtemps jugé en référence à Rodin, l'art de Camille Claudel apparaît profondément original, intense et rayonnant.Cette exposition a pour ambition d'appréhender l'oeuvre de cette insoumise en dehors de la passion qui l'unit à Rodin. Le maître a certes inspiré l'élève, mais l'inverse est également vrai, à tel point qu'il est parfois difficile de déterminer le travail de chacun d'eux.

« Ce qui échappe aux mots, ce qui se trouve au plus obscur, au plus secret d'une peinture, c'est cela qui m'intéresse. Il y a une intimité des peintures sur papier de Soulages - pour le peintre, sans doute, qui ne les expose que rarement, comme pour conserver plus longtemps son lien de proximité, mais plus encore pour le regardeur : quand les immenses polyptyques sur toile l'obligent à se tenir à distance et à se déplacer devant eux, sans parvenir pourtant le plus souvent à en saisir l'ensemble d'un seul regard, les papiers, même les plus grands, incitent au contraire au regard rapproché, s'offrent à la saisie simultanée de toute leur surface, invitent à la méditation immobile. Ils proposent une émotion d'une autre nature, où la violence du tête-à-tête avec les signes verticaux des premières années, tout comme la luminosité apollinienne des champs colorés des années récentes ou le crépitement lumineux des derniers noir et blanc acquièrent une intensité incomparable. Dans les peintures sur papier, par contraste ou par transparence, concentrée ou dispersée, étale ou agitée, la lumière de Soulages, plus je me rapproche d'elle, plus je suis face à son secret. »Pierre Encrevé.