Sculpture / Arts décoratifs

Le métal, sous toutes ses formes, a inspiré les créateurs contemporains. Le musée Denys-Puech propose de découvrir ou redécouvrir certains artistes de sa collection

Artiste, peintre et sculpteur d'origine russe, Georges Artemoff (Ouriupinsk, 1892 - Revel, 1965) est issu de l'Ecole de Paris et baigne dans l'univers du Montparnasse des années 20. Son oeuvre porte l'empreinte de ses origines et de sa vie. Elle se caractérise par un équilibre entre la forme et le dessin maîtrisé, associé à un sens exceptionnel de la couleur. Témoignant d'une notoriété grandissante, ses réalisations sont présentées dans de nombreux musées - Beaubourg (toiles et sculptures), Toulouse, Montpellier (musée Fabre) ou encore Sète. L'exposition organisée par le musée Goya de Castres se propose de faire découvrir un aspect inédit de son travail autour de la sculpture. Cet ouvrage est structuré en deux parties : une biographie complète par Nicole Zimermann et une étude de l'oeuvre d'Artemoff par M. Jean-Louis Augé. Peintures, sculptures et arts graphiques structurent une oeuvre analysée au fil du temps. L'historien suit l'évolution de l'artiste et nous fait découvrir son style. Il en ressort une oeuvre très forte et structurée. 150 à 160 visuels où l'art animalier et la mythologie ont laissé leur marque. Une partie de ce livre constituera le catalogue du musée Goya à Castres pour l'exposition du 30 janvier au 11 avril 2010, qui, pour la première fois, exposera 80 pièces inédites de l'artiste russe.

Année où la tapisserie d'Aubusson a été inscrite par l'Unesco au patrimoine immatériel mondial de l'humanité, ce livre didactique mais aussi ludique par l'importance donnée aux illustrations, a l'ambition de faire découvrir tout le processus de création d'une oeuvre. A l'origine de l'ouvrage, les carnets de dessins de l'artiste, annotés de ses observations « sur le vif »

Lignes de vie Faire vivre la couleur dans l'espace, laisser la matière s'exprimer, donner à une oeuvre plusieurs formes : voilà, depuis plus d'un demi-siècle, outre le dépassement du modèle séculaire de la tapisserie, quelques-unes des caractéristiques majeures de l'art de Sheila Hicks. Des sculptures monumentales à la fascinante série des tissages miniatures, l'admiratrice des textiles précolombiens a édifié, au fil des années, une oeuvre ouverte, vivante et colorée. Publié à l'occasion de la rétrospective « Sheila Hicks. Lignes de vie » au Centre Pompidou, cet ouvrage éclaire l'esthétique et la trajectoire de cette artiste unique. Lifelines Infusing colour into space, granting matter its full expression, lending multiple forms to a single work : for over half a century, transcending the age-old template of tapestry, these characteristics have epitomised the art of Sheila Hicks. Over the years, from her monumental sculptures to a riveting series of miniature weavings, this admirer of Pre-Columbian textiles has honed an open, vibrant and colourful oeuvre. Published to coincide with the Centre Pompidou's retrospective « Sheila Hicks. Lifelines », this catalogue sheds light on the aesthetics and evolution of a unique artist.

De tout temps, les animaux dialoguent de façon ininterrompue avec les hommes.Dans la plupart des sociétés de l'afrique subsaharienne, la littérature orale s'appuie sur un large bestiaire où le lion, le léopard, l'éléphant, le buffle, le serpent, l'antilope, et bien d'autres encore, prêtent leurs qualités et leurs défauts aux humains. ces mêmes animaux, considérés comme des référents majeurs, investissent fortement l'univers du sacré. en effet, l'initiation, moyen privilégié de transmission des connaissances de génération en génération, les pratiques thérapeutiques, les activités de subsistance, chasse, pêche et agriculture, les fondements de l'organisation sociale, recourent sans cesse au monde animalLes relations étroites, directes ou symboliques, qui unissent bêtes et hommes constituent une source d'inspiration inépuisable pour les sculpteurs, les fondeurs et les ivoiriers. si les statues, figurines, insignes de dignité, objets usuels, intègrent des formes animales, ce sont surtout les masques qui offrent la plus grande diversité. de la figuration naturaliste aux compositions complexes et stylisées, la représentation animalière dans les arts africains bouscule souvent les repères et ébranle les certitudesAnthropologues, ethnologues, historiens de l'art, préhistorien et écrivain, auteurs connus, chercheurs émérites, se penchent sur les comportements, interrogent les systèmes de pensée, fouillent les imaginaires. cet ouvrage de référence, qui couvre de grandes aires culturelles, s'adresse à un large public. les spécialistes de même que les amateurs peuvent y trouver des éléments de réflexion et de découverte sur des univers où les frontières entre les animaux et les hommes s'abolissent.

- Depuis plus de sept siècles, le compagnonnage est l'incarnation d'une certaine conception de l'homme ouvrier, bâtisseur, créateur, indissociable d'une certaine idée de la formation et de la transmission des savoirs. Il est ainsi une invitation à un voyage, le fameux tour de France, au cours duquel le compagnon se forme professionnellement, mais aussi humainement.Pour ce livre, François Icher a choisi de mettre en relief les valeurs et les principes du compagnonnage : le voyage, la vie communautaire, la transmission, l'initiation, les lieux de mémoire, mais aussi une conception très originale du métier, qui attire aujourd'hui à nouveau nombre de jeunes. Il livre là les éléments fondamentaux d'une institution séculaire, en y intégrant les nouveautés liées à l'évolution du compagnonnage depuis une vingtaine d'années (acceptation de nouveaux métiers, ouverture aux femmes notamment).- Professeur agrégé d'histoire-géographie, docteur en histoire, François Icher est connu pour ses travaux sur les compagnonnages et le monde des cathédrales. Il est l'auteur de plus d'une vingtaine d'ouvrages dont, entre autres, La France des compagnons (La Martinière), Les Compagnons ou l'amour de la belle ouvrage (Gallimard), Petit dictionnaire du compagnonnage (Desclée de Brouwer) ou bien encore Les oeuvriers des cathédrales (La Martinière). Il a collaboré récemment à la rédaction du premier volume de l'encyclopédie Les Lieux du savoir (Albin Michel). Sa démarche d'historien l'amène également à aborder les grands moments du XXe siècle comme en témoigne son dernier ouvrage La Première Guerre mondiale au jour le jour (La Martinière).

Grâce à une collaboration fructueuse avec la fondation Annette et Alberto Giacometti, le musée de Grenoble présente une exposition exceptionnelle consacrée à l'artiste. Bien que considéré comme l'un des plus grands sculpteurs du xxe siècle, Giacometti (1901- 1966) - dont la recherche obstinée de la représentation de la figure humaine a trouvé dans l'art de ces trente dernières années un écho tout particulier - apparaît rarement dans les collections publiques françaises. Ainsi, c'est au musée de Grenoble que revient le mérite d'avoir acquis, le premier, en 1952, une oeuvre d'après-guerre du sculpteur intitulée La Cage. Cette oeuvre singulière et essentielle, qui s'appuie sur la juxtaposition, dans un même espace, d'un nu féminin debout et d'un buste masculin, synthétise bon nombre de préoccupations de l'artiste. Elle pose notamment les questions de la représentation de l'espace, du rôle du socle, de la relation de la figure humaine à l'espace ainsi que celle des figures entre elles.Autour de ces thèmes et grâce à un ensemble de plus de soixante-dix sculptures, peintures, oeuvres graphiques et photographies provenant pour l'essentiel de la fondation Giacometti mais aussi de collections publiques et privées, françaises et étrangères, cette exposition propose une approche précise et didactique de la démarche de l'artiste, tout en s'attachant, par une mise en espace rigoureuse, à restituer à chaque oeuvre toute sa part de mystère et son pouvoir de fascination.

Enfin une rétrospective complète de l'oeuvre d'Ousmane Sow, de l'atelier aux expositions.Cet ouvrage nous plonge dans l'univers d'Ousmane Sow - dans l'intimité de sa maison et de son atelier de Dakar, ou aux Fonderies de Coubertin, il nous propose de vivre la naissance des oeuvres, sculptures originales ou bronzes, et d'entrer ainsi au coeur de la création, tout au long d'un travail de mémoire initié par Béatrice SouléOn y retrouvera les oeuvres qui constituent ses séries les plus connues : les Nouba, les Masaï, les Zoulou, les Peul, et la Bataille de Little Big Horn, que plus trois millions de visiteurs purent découvrir à Paris, en 1999, sur le Pont des ArtsOn y découvrira également l'oeuvre de Victor Hugo, des oeuvres inédites, et celles de ses oeuvres en cours de réalisation : une re-création de petites sculptures Nouba, et les prémices de la naissance de la nouvelle série qu'il va consacrer aux hommes qui ont compté pour lui, de Nelson Mandela à Mohamed Ali, en passant par le Général De Gaulle ou Martin Luther KingComme elle a pu le faire dans les deux films qu'elle a réalisé sur son oeuvre (films réunis dans un DVD distribué par Actes Sud), Béatrice Soulé invite le lecteur à la suivre également dans l'atelier d'Ousmane Sow à Dakar et aux Fonderies de Coubertin où elle nous propose de vivre la naissance des oeuvres, originales ou bronzesC'est également la première fois que l'on poussera les portes de la maison de l'artiste à Dakar, une maison qu'il considère comme une oeuvre à part entièreAvec l'irruption de ses Noubas au milieu des années 1980, Ousmane Sow replace l'âme au corps de la sculpture, et l'Afrique au coeur de l'Europe. En passant d'un continent à un autre, il rend hommage, dans sa création sur la bataille de Little Big Horn, aux ultimes guerriers d'un même soleil. Des peuplades d'Afrique aux Indiens d'Amérique, il recherche le fluide de ces hommes debout. Comme s'il s'agissait pour lui d'offrir en miroir à ces ethnies nomades, fières et esthètes, cet art sédentaire qui leur fait défaut : la sculpture.Révélé en 1987 au Centre Culturel Français de Dakar, où il présente sa première série sur les lutteurs Nouba, l'artiste expose six ans plus tard, en 1993, à la Dokumenta de Kassel en Allemagne. Puis, en 1995, au Palazzo Grassi, à l'occasion du centenaire de la Biennale de Venise. Son exposition sur le Pont des Arts au printemps 1999 attira plus de trois millions de visiteurs. Depuis, son oeuvre a été exposée dans une vingtaine de lieux, dont le Whitney Museum à New York

Deuxième volume de la collection « Savoir et Faire », cette encyclopédie embrasse à travers six grands chapitres toute la diversité que recouvre le mot terre. Céramistes, plasticiens, designers, sculpteurs... introduisent cet ouvrage et montrent l'extraordinaire profusion formelle permise par la plasticité d'un matériau que l'homme commença à transformer il y a plus de 25 000 ans. Les deux chapitres suivants déploient les principales étapes de l'évolution historique, technique et esthétique des céramiques (histoire de la céramique, de la faïence, de la porcelaine, des émaux et de leur composition). Le quatrième volet est consacré aux architectures de terre à travers le monde. Lui succède un panorama des céramiques techniques et de leurs usages grandissants dans une gamme toujours plus importante de secteurs d'activité. Le chapitre final est dédié aux grandes thématiques qui lient l'avenir des soles à celui de notre planète : microbiologie des sols, concurrence foncière et étalement urbain, dépollution, évolution des pratiques culturales...Miquel Barceló, Maria Botta, Claude et Lydia Bourguignon, Pierre Charpin, Anna Heringer, Jean Girel, Andy Goldsworthy, Kristin McKirdy, Gilles A. Tiberghien... Plus de trente contributions ont été réunies pour aboutir à cette somme alternant articles de fond et entretiens avec les grands acteurs de notre temps. Abondamment illustrée, elle explore ainsi l'usage de la terre sur l'ensemble des continents d'un point de vue artistique, technique, environnemental et historique, afin de mieux donner à comprendre la beauté et la richesse tant d'un matériau que de notre planète.

Ce catalogue, accompagnant l'exposition du musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne, examine l'oeuvre de trois sculpteurs renommés : Alberto Giacometti, Marino Marini et Germaine Richier.Face aux atrocités de la seconde guerre mondiale et à l'effondrement des valeurs humanistes, la communauté artistique se trouve confrontée à l'impossibilité de persévérer dans une représentation traditionnelle de l'homme. Les trois artistes prennent position en proposant de nouveaux modes de figuration, à partir des formes classiques de la tête, du buste, de la figure en pied et du portrait équestre (Marini)Tout au long de leur carrière, Giacometti, Marini et Richier posent les questions de la représentation de l'espace, de la traduction du mouvement, de l'expression de l'échelle. Ils interrogent le rapport que les figures entretiennent entre elles, ou avec l'espace et le vide. Dans leur univers, les corps, entiers ou fragmentés, sont fragiles, illusoirement stables, vacillants et parfois en chute libre. Les contours disparaissent, les formes émergent d'une matière tourmentée, repoussée ou arrachée, qui conserve l'empreinte du doigt ou de l'outil. Les surfaces irrégulières et griffées sont animées d'aspérités et de rugosités. La question de la perception et de la représentation de la figure est centrale dans le travail de ces trois sculpteurs du XXe siècle. S'emparant de l'humaine condition, ils font des têtes et des corps l'objet obstiné de leurs recherches et donnent naissance à de « nouvelles images de l'homme » : une figure tourmentée.

Dom Robert est l'un des plus grands créateurs de la tapisserie du XXe siècle.Jeune dandy, il devient moine au monastère d'En Calcat, dans le Tarn, en 1932. Pendant cinquante ans, il se consacre à l'art. Cet ouvrage, de l'enluminure aux cartons destinés au tissage, vous offre une oeuvre dans sa totalité. Une soixantaine de tapisseries sont présentées, de la conception à la réalisation finale. Pour la première fois, toute l'oeuvre de Dom Robert vous est dévoilée. Une profusion de lumière et de couleurs tout en nuancesUn regard unique sur la nature entre harmonie et désordre. La Clef des champs vous convie à découvrir la vie d'un homme et son oeuvre intimement liées. L'une est tissée de l'autre...

a l'heure oú les pèlerins empruntent de plus en plus nombreux les routes qui mènent à compostelle, il a paru souhaitable d'attirer l'attention sur une forme d'art qui s'est développée d'abord sur le camino frances, pour s'épanouir ensuite dans tout l'espagne du nord-ouest, de l'aragon à la galice, et aussi bien en navarre qu'en castille et dans le léonl'art roman - car c'est de lui qu'il s'agit - y est omniprésent, et ses monuments, des plus modestes aux plus prestigieux, y présentent une parure de sculpture qui décuple la fascination qu'exercent déjà la qualité de l'architecture et la beauté des sites. ce livre procurera à ceux qui aiment l'art médiéval l'occasion de découvrir une foule de petits édifices rarement visités et pourtant merveilleusement enrichis par une sculpture qui prolonge avec beaucoup d'habileté, parfois avec naïveté, mais toujours de manière émouvante, les inventions plastiques et iconographiques de l'art des maîtres

Mieux conservée que les oeuvres monumentales parce que moins exposée aux ravages du temps, l'illustration des manuscrits constitue un véritable musée de la peinture médiévale légué à la postérité par des peintres et enlumineurs de grand talent. La richesse des collections de la Bibliothèque nationale de France a permis de choisir, pour évoquer la vie médiévale, un large éventail de ces oeuvres allant du xi¬ à la fin du xv¬ siècle. L'artiste médiéval y transpose presque toujours les événements du monde antique (la mythologie, l'histoire profane ou la Bible), à sa propre époque. Une époque profondément chrétienne, où chacun sait que sa vie n'est que passage : c'est le pèlerinage vers la Jérusalem céleste, le paradis qu'il atteindra s'il demeure en droit chemin avec l'aide de Dieu. Le roi reçoit son pouvoir de Dieu

Dix années de recherche et plus de trois ans d'enquêtes de terrain au Ghana, Togo, Burkina Faso, Mali et Côte d'Ivoire ont permis à l'auteur de suivre les différents aspects de la filière textile du pays. Wax, tissage, teinture sur basin, bogolan, adinkra et sérigraphie, Anne Grosfilley raconte l'histoire des étoffes, décrit les savoir-faire des artisans, largement réactualisés grâce aux matériaux industriels et revisités par des créateurs de haute couture inspirés. Loin d'une vision nostalgique sur les traditions figées en voies d'extinction, cet ouvrage propose un regard sur une identité en permanence redéfinie, qui s'exprime par un travail de création continue. Il montre aussi comment les rapports entre l'Europe et l'Afrique peuvent se lire à travers le textile et comment s'expriment dans la fabrication, le commerce et la transformation des étoffes en vêtements, la diversité des peuples africains, du Sahel aux régions côtières. C'est un portrait coloré, vivant et dynamique d'hommes et de femmes qui s'expriment à travers le textile et la qualité des photographies souligne toute la dimension ethnologique de ce témoignage.