Sculpture / Arts décoratifs

Pour devenir sculpteur à la fin du XIXe siècle, le passage par l'atelier d'un maître enseignant à l'École des Beaux-Arts est une étape recommandée, ce dernier apportant à son élève conseils et caution afin de lui faciliter l'accès aux Salons où exposer et lui procurer des commandes.Catalogue de l'exposition Transmission/Transgression - Maîtres et élèves dans l'atelier, présentée au musée Bourdelle, Paris (3 octobre 2018 - 3 février 2019)Plongeant les visiteurs au coeur des processus de création, faisant surgir les visages de ceux qui peuplaient les ateliers de Montparnasse, l'exposition met en lumière les rapports complexes qui se nouent entre maître et élève, entre artiste et praticien, à travers la figure du sculpteur Antoine Bourdelle.

En Provence, on nomme calade la technique traditionnelle où la pierre brute locale est posée debout, sur chant. Certains villages conservent encore leurs aires de battage et leurs ruelles caladées, tandis que dans les villes, les hôtels particuliers et les cours privées déploient leur richesse en de précieux tapis de pierres. En Italie, les ciottolati, mélange de galets noirs et blancs, recouvrent le parvis des églises tout comme en Grèce où ils prennent le nom de chochlakia.Depuis quelques années, de nombreuses créations publiques ou privées remettent à l'honneur ce savoir-faire que ce livre aborde sous deux angles complémentaires : une découverte typologique et historique des plus belles calades méditerranéennes ainsi que les règles de base pour réaliser soi-même un sol de pierre. Des dessins techniques et des photos illustrent avec précision chacun des gestes du caladeur.

Dans un texte clair et parfaitement accessible, agrémenté de nombreuses photographies commentées et expliquées, ivan bargna conduit le lecteur à la découverte de l'art africain, qu'il permet de mieux saisir dans toute sa diversité.Il faudrait d'ailleurs parler d'art en afrique, tant il est vrai qu'il n'y a pas un, mais des arts africains : des témoignages préhistoriques aux royaumes africains, de l'architecture au foisonnement de l'art contemporain, c'est une mosaïque d'expressions artistiques qui s'offre à nous, et qu'il convient de ne pas enfermer dans une identité stéréotypée qui serait le seul fruit de notre regard occidentalCar si les arts d'afrique ont bien exercé une influence décisive sur l'art occidental du xxe siècle, ils n'en sont pas moins des arts à part entière, que ce livre nous permet de mieux comprendre.

Jephan de Villiers, sculpteur, poète et metteur en scène, a réinventé une civilisation : celle de l'Arbonie ou âge de l'arbre, antérieur à l'âge de la pierre. Il a ainsi réalisé à partir de bois, de plume, de feuille et de terre des individus et de animaux, une oeuvre qui rappelle la précarité de l'humanité.

Né en 1944 à Tunis, Jean-Luc Parant est essentiellement connu pour ses installations de boules en terre cuite, papier ou cire à cacheter, mais il est aussi écrivain et auteur d'un bestiaire singulier où se mêlent textes et dessins.Au musée Denys-Puech, à Rodez, il a organisé le retour des animaux : éléphant, tatou, cigogne, blaireau, kangourou, crocodile... surgissent d'un grand éboulement de cire noire. Plus loin, devant un désert de boules en terre où courent quelques lézards bizarres, les portraits de vingt-cinq animaux sauvages, au fusain et pastel sur papier, font face à leurs vingt-cinq portraits en boule (masse et contour)Des textes courent sur les murs d'un cabinet de curiosité où l'on peut découvrir des objets étranges : boules bibliophages, dessins, livres en boule, livres en cire et livres en papier qui racontent tous à leur manière l'univers de Jean-Luc Parant. Quand l'homme a peint les animaux, il a écrit qu'il n'était plus un animal... Le dessin du corps des animaux a tracé les contours de ses premiers mots.. Le temps d'un livre, les animaux et les mots se mêlent à nouveau pour réinventer le monde.

Dans l'immense musée que constitue l'iconographie religieuse, les vierges noires occupent une place singulière. statuaire riche, barbare et merveilleuse , elles fascinent, intriguent, attirent. de tout temps, on leur a prêté des pouvoirs miraculeux. l'origine de leur couleur reste énigmatique, malgré d'innombrables hypothèses avancées au cours des âges. sophie cassagnes-brouquet, maître de conférences en histoire médiévale à l'université de rennes, retrace l'histoire de chacune de ces statues, à travers les légendes qui leur sont attachées et les dévotions particulières dont elles font l'objetElle nous permet de mieux comprendre comment le culte vivace des vierges noires s'est développé à partir du bassin méditerranéen et des rites antiques dédiés à isis, cybèle ou artémis. ce livre très bien illustré nous invite à un voyage dans le temps et l'imaginaire, et nous propose des réponses à l'énigme des vierges noires.

Guy de Chaunac-Lanzac (Dom Robert) est né dans le Poitou le 15 décembre 1907. Après ses études aux Arts décoratifs puis son service militaire au Maroc où il développe sa technique de l'aquarelle qui fournira la matière à une exposition chez Bernheim Jeune, il entre à l'abbaye d'En Calcat en septembre 1930. Il est ordonné prêtre en 1937.Lorsque Jean Lurçat, de passage à l'abbaye bénédictine d'En Calcat dans le Tarn en 1941, découvre les aquarelles et enluminures de Dom Robert, il est touché par la puissance et l'originalité de ces oeuvres et le fait découvrir au monde de l'art. Il rencontre immédiatement le succès et devient un des cartonniers les plus féconds et les plus admirés du xxe siècleDom Robert a centré toute son oeuvre sur la nature : les chevaux, les fleurs, les poules, les herbes, les canards ..C'est particulièrement son travail sur les saisons (printemps, été, automne) que l'ouvrage met en lumière en présentant une cinquantaine de tapisseries auxquelles sont associées dessins préparatoires, aquarelles, cartons.

Le peuple des Origènes se niche partout : dans les pierres du chemin, les noeuds des troncs d'arbres, les buissons de ronces, les lichens des rochers... Depuis des millions d'années ils regardent en silence les hommes qui ne les voient pas. J'ai photographié le premier Origène dans les carrières antiques de marbre de l'île de Paros, dans les Cyclades, où les sculpteurs firent surgir de la pierre le visage de l'homme, à moins que ce ne soit sur les flancs du volcan Stromboli né des noces du feu et de la mer parmi les îles Eoliennes, ou encore dans les ruines de Pompéi, ou dans la nature exubérante du Brésil... Depuis lors, je les vois partout : ils crient, ils rient, ils pleurent, ils se moquent, ils éprouvent des sentiments comme des humains. Tout vit, tout est plein d'âmes : Victor Hugo n'était pas loin de penser que Dieu se cachait dans les coins et recoins de la nature. Monstres, fantômes ou dieux, ils sont arrivés sur terre bien avant nous. Ces Origènes, cousins des Aborigènes, sont devenus mes compagnons de voyage, ils jouent à me faire rire ou à me faire peur. Ils peuvent paraître froids comme le marbre, impassibles comme le bois. Mais à force de les regarder derrière mon objectif, j'ai pris goût à les fréquenter. Peut-être ai-je commencé à les apprivoiser. J'ai même surpris l'un d'entre eux me jeter un clin d'ail ! Faites comme moi : ouvrez l'oeil. Vous les verrez, ils vous regarderont, ils vous feront rêver, vous vivrez mieux. C.-C. M

Auguste Rodin (1840-1917) est sans aucun doute l'un des plus célèbres sculpteurs français. Artiste de génie, il renouvela en profondeur la représentation des corps et du mouvement, non sans susciter de nombreux scandales. Du magistral Penseur au mythique Baiser, chacune de ses sculptures, de bronze ou de marbre, montre un travail de la matière tout en sensation et finesse. Il fut également un mentor pour de nombreux artistes, parmi lesquels Bourdelle, Brancusi ou encore Camille Claudel. C'est donc un maître de l'art français que la collection L'Art et la Manière se propose d'aborder.

D'abord peintre, Maillol se tourne vers la tapisserie et les arts décoratifs. Mal connue, cette première partie de sa carrière, au cours de laquelle il regarde Gauguin et Puvis de Chavannes et tisse des liens étroits avec les Nabis, montre un artiste désireux de retrouver les principes du décor mural.Il découvre la sculpture vers 1895 seulement, d'abord sur bois et de petites dimensions : Octave Mirbeau et Ambroise Vollard entre autres en reconnaissent les qualitésLa Méditerranée réalisée pour le comte Kessler apparaît comme le manifeste du « retour à l'ordre », dont Maillol est un acteur majeur : proscrivant toute recherche d'expression, il instaure un nouveau classicisme et inscrit des corps féminins, à l'anatomie charpentée et sensuelle, dans des formes géométriques simplesMaillol passe avec aisance de l'esquisse au monumental, dans des allers-retours continuels. L'imposant Monument à Cézanne invite à plonger dans son processus créateur, avant les grandes figures, aboutissement d'un parcours dans lequel la recherche d'une perfection formelle tient une place essentielle.

Peintre, sculpteur et graveur, Henry de Waroquier (1881-1970) est né à Paris. Il ne suit aucun cours de peinture mais travaille et rencontre de nombreux artistes à Montmartre, puis à Montparnasse où il habite de 1898 à 1919. Ses grands paysages d'Espagne de 1917 montrent qu'il n'a pas été insensible au cubisme. Il poursuit ensuite une démarche solitaire, indépendante, dirigée vers l'étude de la figure humaine. En 1937, il exécute son oeuvre la plus célèbre, La Tragédie, décoration pour le théâtre du Palais de Chaillot, et s'inspire de plus en plus de thèmes mythologiques.Pendant les années 1930 et 1940, Waroquier produit des sculptures tout à fait étonnantes, lyriques et angoissées, qui sont le sujet de cet ouvrage. De nombreux auteurs comme Alain, Gaston Bachelard et Paul Claudel ontr remarqué la véhémence de ces visages, avec les yeux tournés vers le ciel comme Le Verbe, ou les yeux crevés « entrés en ténèbre » de son oedipe et ont évoqué à leur propos l'île de Pâques, l'Égypte et d'autres civilisations lointaines. Aujourd'hui, ces sculptures paraissent d'une modernité étonnante, dignes de figurer parmi les grandes oeuvres de la première moitié du XXe siècle, à côté de celles de Picasso, Derain et Fautrier.

En mai 2006, Jan Fabre était invité par le Musée Royal des Beaux-Arts d'Anvers, sa ville natale, à imaginer un parcours de ses oeuvres au sein des collections. En avril 2008, le musée du Louvre l'invite à renouveler cette expérience dans les salles de peintures des Écoles du Nord. La tradition picturale flamande est pour lui une source d'inspiration constante et déterminante. Le parcours proposé par Jan Fabre est une sorte de dramaturgie mentale mettant en scène les figures et les thèmes majeurs de son oeuvre avec ceux des maîtres anciens. Cet ouvrage, qui réunit les oeuvres des deux expositions - photographiées in situ par Attilio Maranzano -, permet de confronter tableaux célèbres du passé et oeuvres contemporaines. Ce dialogue subtil et fructueux entre passé et présent se fonde sur des affinités électives, sur des rapprochements d'ordre stylistique, iconographique ou poétique, imaginés par l'artiste, véritable metteur en espace de ces confrontations. L'ouvrage comprend un entretien avec l'artiste, qui explique et justifie ses intentions, ainsi que des textes de spécialistes de son oeuvre. Il apporte ainsi un nouvel éclairage, tant sur l'oeuvre de cet artiste protéiforme que sur la spécificité des peintures flamandes et hollandaises des deux musées.

Du 15 avril au 20 juillet 2008, le musée Rodin consacre une rétrospective exceptionnelle à Camille Claudel. Cette exposition rassemble l'essentiel de l'oeuvre de l'artiste avec plus de 80 sculptures en marbre, terre cuite, plâtre, onyx et bronze, ainsi qu'une dizaine de gravures et dessins provenant de collections publiques et privées. Certains documents, comme la correspondance de Rodin et Camille Claudel et des photographies d'époque, complètent cet ensemble. Cette rétrospective éclaire d'un jour nouveau le parcours artistique ponctué de chefs-d'oeuvre d'une artiste aujourd'hui plus connue pour sa vie privée que pour ses propres créations. Après avoir été longtemps jugé en référence à Rodin, l'art de Camille Claudel apparaît profondément original, intense et rayonnant.Cette exposition a pour ambition d'appréhender l'oeuvre de cette insoumise en dehors de la passion qui l'unit à Rodin. Le maître a certes inspiré l'élève, mais l'inverse est également vrai, à tel point qu'il est parfois difficile de déterminer le travail de chacun d'eux.

Sculpteur de l'entre-deux-guerres par excellence, Henry Parayre développe un art sobre, privilégiant l'expression intérieure dans les nus féminins comme dans les portraits. La retenue, le calme et la stabilité caractérisent le plus souvent ses oeuvres. Il se rattache au courant néo-classique en rupture totale avec l'art académique représenté par Alexandre Falguière et Antonin Mercié, toulousains comme lui, dont l'ombre a longtemps plané sur les sculpteurs de la Ville Rose. Il expose régulièrement, tant à Toulouse au Salon des Artistes Méridionaux dont il fut l'un des fondateurs, qu'à Paris au Salon des Indépendants, au Salon d'Automne ainsi qu'à la galerie Billiet.Cet ouvrage contient, avec la biographie de l'artiste, le catalogue raisonné de l'ensemble de son oeuvre sculpté, soit environ 170 statues, bas-reliefs ou bustes, classés chronologiquement de 1902 à 1950. Les dessins et l'oeuvre décorative, en particulier la céramique à laquelle Henry Parayre s'est intéressé comme nombre d'artistes de son temps, sont également traitésSous la direction de Laurent Fau, avec les contributions de Geneviève André-Acquier, Luce Barlangue et Jean-Claude Fau.

Cet ouvrage est consacré aux réalisations artistiques du premier atelier de peinture sur verre du Limousin, créé par Francis Chigot (1879-1960) au début du XXe siècle. Cette immense et exceptionnelle production de vitraux est mise en pleine lumière grâce à une sélection significative de vitraux, maquettes, cartons et esquisses de vitraux conçus à Limoges entre 1907 et 1960

« Nul plus haut enseignement artistique ne me paraît pouvoir être reçu que du cristal. ».André BretonDe la Préhistoire à nos jours, entre utilité, curiosité et fascination, les pierres ont toujours inspiré les artistes. Pierres politiques, pierres poétiques, pierres sacrées : le lecteur découvre, à travers plus de 230 oeuvres, la place de la pierre dans l'histoire de l'art« Je parle des pierres plus âgées que la vie et qui demeurent après elle sur les planètes refroidies. » Sur ces mots de Roger Caillois, dont le regard irrigue cet ouvrage, les auteurs ont collecté nombre d'histoires célébrant le compagnonnage constant entre l'éloquence muette des pierres, leur beauté et l'imagination sublime des artistes de toutes les époques. Du plus ancien caillou issu de la formation de la croûte terrestre à la première pierre collectionnée il y a 3 millions d'années par « l'homme » de Makapansgat