Peinture / Arts graphiques

Recueil incontournable de cynégetique médiévale, ce livre fut réalisé à la fin du XIVe siècle par Gaston III, comte de Foix, surnommé Fébus. Véritable manuel d'érudition, cette oeuvre est dédiée à Philippe le Hardi, duc de Bourgogne.Le livre premier de ce traité consacré à l'art de la vénerie, intitulé Des bêtes douces et des bêtes fauves, présente la nature du gibier. Si plusieurs animaux font l'objet de descritpions précises et détaillées, tels que le cerf, l'ours, le sanglier ou le loup, certains sont peu développés et donnent lieu à quelques erreurs iconographiques, témoignant ainsi des connaissances de l'époque. La seconde partie est consacrée au meilleur ami du chasseur, le chien. Y sont présentées les différentes espèces de chiens et leurs qualités ainsi que les soins à leur donner et la manière de les dresser. Le troisième livre vise à transmettre aux veneurs les techniques de chasse afin de débusquer, piéger et tuer les animaux. Enfin, le quatrième volet traite des divers pièges à mettre en oeuvre afin de capturer le gibier (le vautrer, le dardier, le hausse-pied etc.)Ce livre offre la reproduction intégrale (texte et illustrations) du manuscrit de la Morgan Library, l'un des rares - et des plus beaux- exemplaires conservés dans le monde.

Titouan Lamazou nous invite dans ce second album à partager ses rencontres avec des artistes d'expressions et d'horizons contrastés : les peintres Sergine André et Jean-Gérard Merveille en Haïti, les photographes Malick Sidibé et Seydou Keita à Bamako, l'écrivain Alvaro Mutis sous les remparts de Cartagène des Indes en Colombie, le cinéaste Andreï Ujika à la Cité des Étoiles, près de Moscou, la princesse Agung Sri, danseuse balinaise...Autant d'échanges vifs et féconds, de scènes aussitôt croquées, d'instants poétiques arrachés au fracas du temps qui passe. Gouaches, dessins, collages, montages photographiques et récits s'associent en une vaste fresque qui raconte l'ailleurs.

«D'habitude je préfère les gens à leur environnement...» Les carnets de voyage, rapportés par Titouan Lamazou de cinq pays de styles particulièrement contrastés, sont faits de rencontres : les marins aux felouques et Naguib Mahfouz, prix Nobel de littérature en Égypte

Pour la première fois de son histoire, le Musée Groeninge de Bruges accueille les oeuvres d'une artiste contemporaine dans ses murs, en écho à six chefs d'oeuvre de Van Eyck, Van der Weyden, Marmion, Memling, Van der Goes.Fabienne Verdier, depuis toujours inspirée par les primitifs flamands (et par la mystique de la même époque), a scruté pendant quatre ans les oeuvres de ces maîtres, pour y associer son regard propre : celui-ci se porte parfois sur des détails, parfois sur la structure d'ensemble du tableau, pour décliner en de multiples variations les formes abstraites qu'elle y a déceléesIntroduit par un entretien entre Fabienne Verdier et Daniel Abadie, conclu par un essai de Pierre Daix, le livre comporte six séquences : chacun des six tableaux reproduits fait d'abord l'objet de commentaires historiques (avec des détails de l'oeuvre) par le Conservateur du Groeninge, d'un commentaire plus artistique d'une personnalité qui fait le lien avec l'oeuvre de Fabienne, et de toute une déclinaison de peintures et de dessins, ponctués de pensées de l'artiste et d'extraits de ses carnets.

La première exposition rétrospective de Fabienne Verdier a eu lieu en mai 2014 au Hong Kong City Hall. Cet album éponyme a été conçu, comme l'exposition, par Daniel Abadie, qui en écrit le texte très précis sur le plan biographique.« Impulsion et maîtrise, science du passé et spontanéité de l'instant, Orient et Occident, le travail de Fabienne Verdier semble non se jouer des contraires mais vouloir les concilier en une inédite et paradoxale unité. (.) La liberté de son travail actuel ne s'explique que par la longue ascèse de son travail d'apprentissage de la calligraphie, vécue moins comme un exercice formel que comme vecteur d'une culture riche et complexe, celle de la pensée chinoise, puis au contraire par la relecture, à travers ce filtre spécifique, de sa culture première(.) Ses dernières oeuvres conjuguent monumentalité et fragilité, comme si, nouvelle Alice ayant traversé le miroir, après avoir effectué sa traversée des signes, elle avait retrouvé l'envie, à nouveau, de concilier l'inconciliable. »

Le grand historien de la Bible qu'est Pierre Gibert nous propose un très beau livre d'art et d'histoire. Il nous plonge dans le cinquecento, alors que toute l'Europe lit et traduit la Bible, l'imprime et la diffuse, que les historiens et les théologiens, les philosophes débattent de la vraisemblance et de la nature du texte biblique. Cette invention moderne de la Bible va influencer considérablement l'art de la Renaissance. Peintres et sculpteurs vont enfin représenter les récits bibliques en tant que lecteurs et interprètes. Ils délaissent l'allégorie et la légende pour s'aventurer dans la vraisemblance de représentations toujours plus audacieuses qui nous font voir le texte. Pierre Gibert retrace ainsi cette aventure à la fois esthétique et spirituelle d'une Bible des peintres au cinquecento. L'humanisme de la Renaissance va bouleverser les codes de la représentation artistique et le regard des hommesPierre Gibert découvre surtout une exceptionnelle influence des Exercices spirituels d'Ignace de Loyola sur des artistes comme Bassano ou le Tintoret.Il explore les effets du Concile de trente sur la liberté de l'art bibliqueL'histoire en images d'une révolution du regard et de la lecture au défi de la Bible.

«À plusieurs reprises, on s'est déjà intéressé aux jeux de l'ombre et de la lumière chez Victor Hugo comme à son activité graphique indissociable du noir de l'encre. Mais a-t-on mesuré quelle puissance génératrice a chez lui l'obscur, qui semble l'équivalent d'une énergie noire tout aussi déterminante dans ses écrits que dans ses dessins? Jusqu'à lester l'une et l'autre d'une gravité inédite qui les travaille pareillement de l'intérieur. D'où ce que j'appelle les arcs-en-ciel du noir, dont l'idée m'est venue lors d'une invitation à faire une exposition à la Maison de Victor Hugo. Reflétant le parcours de cette exposition, ce livre a pour objet de faire apparaître comment, chez Victor Hugo, cette énergie noire irradie dans tous les domaines pour y déployer, à travers autant de répliques souterraines de l'arc-en-ciel, une force de transfiguration à l'origine de cette énormité poétique qui n'a pas fini de nous sidérer.» Annie Le Brun.

Depuis leur publication en 1831, les Neuf lettres sur la peinture de paysage du naturphilosoph Carl Gustav Carus ont été universellement considérées comme le fondement théorique de l'esthétique du paysage romantique allemand.Médecin, naturaliste, géologue, auteur de traités sur l'inconscient et les rêves où il devance les ouvrages les plus modernes sur ces questions, ami de Lorenz Oken et de Humboldt, de Kleist et de Tieck, sa pensée est également proche de la philosophie de l'identité de Heinrich Gottlieb von Schubert et de l'idéalisme de Schelling. Le présent volume exprime sa position de savant et d'artiste - il a peint 400 tableaux - en face de la nature, son souci de la connaître dans ses structures intimes, son aspiration à s'unir à elle dans une sorte de communion à la fois physique et mystiqueCe que dit bien le mot qu'il a employé pour définir la peinture de paysage mot intraduisible en français, Erdlebenerlebnis (expérience de la communion avec la vie de la terre) et Erdlebenbildkunst (art de la représentation de la vie de la terre). Ont été joints ici la traduction de son texte capital sur la Physiognomonie de la montagne et plusieurs extraits des Écrits et lettres de Caspar David Friedrich dont la pensée et l'esthétique ont fortement influencé et souvent inspiré celle de Carus.

Ce catalogue accompagne une exposition monographique consacrée à l'oeuvre de Maximilien Luce (Paris, 1858- 1941).Graveur, né à Paris dans un milieu d'artisans, il entreprend vers 1880 une carrière de peintre. Camille Pissarro qui partage ses convictions anarchistes lui présente en 1887 le groupe néo-impressionniste et Luce adopte alors la technique de la division des tonsMais, loin d'avoir le regard détaché de Georges Seurat, il décrit l'univers contemporain avec passion. Il aime les effets de lumière violents, du crépuscule sur les bords de Seine aux effets inédits de l'éclairage urbain. Non moins lyriques, les tableaux du Pays noir où les flammes des hauts fourneaux embrasent la nuit. Ses oeuvres atteignent alors à une puissance colorée qui annonce le fauvismeFasciné par les travaux d'Haussmann, il évoque aussi l'univers des constructeurs. Plus tard, installé à Rolleboise dans les Yvelines, il trouve l'apaisement et revient à des sujets plus sereinsLa période néo-impressionniste, la plus célèbre, sera privilégiée dans cette présentation qui comptera une soixantaine de tableaux, une trentaine de dessins et autant de documentsLe catalogue rassemble les contributions de Marina Ferretti Bocquillon, Aline Dardel, Bertrand Tillier et Vanessa Lecomte, ainsi qu'une bibliographie.

Du 29 juin au 27 octobre 2013, le musée Paul Valéry présente la collection DAVID ET EZRA NAHMAD - IMPRESSIONNISME ET AUDACES DU XIXe SIECLE et réunit, pour la première fois en France, près de 70 oeuvres issues de l'une des plus grandes collections internationales.Unique au monde autant par la diversité des courants artistiques représentés que par l'illustration de chacun d'entre eux, la collection NAHMAD domine depuis les deux dernières générations le monde des collectionneurs et des marchands d'artSa première présentation en France propose, au Musée Paul Valéry, un ensemble magnifiquement représentatif de la deuxième moitié du XIXe siècle, période sur laquelle s'est fixée la sélection opéréeSi les oeuvres de la collection NAHMAD ont figuré au cours des dernières décennies dans des expositions organisées par les plus grands musées du monde, elles sont ici pour la première fois rassemblées avec de nombreuses autres, peu ou jamais exposées, pour proposer, à travers le regard d'un collectionneur, une vision d'ensemble sur les grandes audaces qui ont scandé la deuxième partie du XIXe siècleIntroduite par l'Ecole de Barbizon et le Réalisme, qui marquent dans l'histoire de l'art les débuts de la période moderne, cette exposition et ce catalogue réunissent un ensemble d'oeuvres illustrant tous les grands courants qui, des années 1850 au tournant des XIXe et XXe siècles, ont construit la modernité et ouvert la voie aux avant-gardesQu'il s'agisse de l'impressionnisme ou du post-impressionnisme, des expériences de Pont-Aven, de l'aventure nabie ou du symbolisme, chaque artiste est représenté par un ensemble d'oeuvres exceptionnel proposant une lecture particulièrement cohérente et généreusement offerte au public.

Gustave Moreau (1826-1898) a eu comme maître Delacroix avant de se lier d'amitié avec Théodore Chassériau dont l'influence l'a profondément marqué. En 1857, il part pour l'Italie où il rencontre Degas et Puvis de Chavanne. Il étudie et copie les grands maîtres de la Renaissance : Léonard de Vinci, Boticelli, Carpaccio, Mantegna, Pérugin. Il s'approprie aussi le maniérisme.Il revient à Paris en 1859 et il est encore dans une période de recherche picturale quand se présente l'occasion de réaliser le chemin de croix de Decazeville. Il vient de perdre son père qu'il aimait tendrement et il accepte probablement cette commande comme une offrande à la mémoire du disparu. Les quatorze toiles du chemin de croix, peintes dans l'urgence (chacune d'elle a été exécutée en quelques jours à peine, certaines ne sont pas achevées), marquent le point de départ de l'oeuvre personnelle de Gustave Moreau. On y sent déjà toute son aspiration vers le sentiment du divin, sa quête d'une transcendance située au-delà des religions. Fasciné par les mondes anciens, religieux ou littéraires, Gustave Moreau s'est passionné pour la Bible et le Coran, puis pour les mythologies grecque, égyptienne ou orientale qu'il a mêlées sans retenueLe chemin de croix de Decazeville est assez austère si on le compare à ses oeuvres de maturité mais le talent du coloriste s'exprime déjà dans toute sa force et l'image ambiguë de la femme au charme énigmatique et cruel qu'il déclinera dans toute son oeuvre est déjà présenteCes quatorze toiles ne sont jamais sorties de l'église de DecazevilleLongtemps oubliées, attribuées à tort à des élèves de Gustave Moreau, elles ont été redécouvertes au début des années 1960 par Gilbert Bou. L'exposition Le chemin oublié permet pour la première fois de les présenter dans un

Dès la fin du XVIIIe siècle, mais surtout à partir de l'époque romantique, les plus grands artistes européens ont trouvé dans les massifs, les sommets et les gouffres pyrénéens d'inépuisables sources d'inspiration.Tout autant que les ciels et les paysages minéraux de Provence ou des Alpes, sous l'effet des violents contrastes lumineux, de la luxuriance des couleurs, de la démesure d'un chaos primitif - qui ne pouvait être traduit que par la hardiesse des compositions -, ces sites, jusque-là hostiles et méconnus, ont favorisé le renouvellement de l'art pictural qui allait aboutir à la révolution impressionnisteAprès Eugène Delacroix, qui là aussi marqua sa présence, Gustave Doré, Théodore Rousseau, Eugène Isabey, Rosa Bonheur, Jules Coignet, Charles-François Daubigny, Narcisse Diaz de la Peña, Eugène Emmanuel Viollet-le-Duc... ont réalisé en ce lieu, souvent de façon inattendue, leurs plus étonnants chefs-d'oeuvre.

De juillet à novembre 2019, la Fondation Cartier pour l'art contemporain organise la première exposition d'envergure dédiée aux arbres, ces êtres d'exception aux facultés insoupçonnées et pourtant largement menacés aujourd'hui. Associant le travail de peintres, photographes, architectes, sculpteurs, philosophes, botanistes et spécialistes en climatologie, le catalogue publié à cette occasion dévoile la beauté, l'ingéniosité, et la richesse biologique des arbres et plonge le lecteur dans le monde fascinant de l'« intelligence végétale ».

Avec ce catalogue consacré à Simon Hantaï, l'occasion est enfin donnée de découvrir l'ensemble de l'oeuvre de l'un des artistes majeurs de la seconde moitié du xxe siècle. Des premières peintures faisant suite à l'arrivée de Hantaï à Paris, en 1948, jusqu'aux pliages, ce sont soixante années d'une vie de peintre que cette publication, qui accompagne la première rétrospective de son oeuvre depuis 1976, nous révèle - dans la complexité de sa création et dans son extrême diversité : des peinturessurréalistes aux peintures d'écriture, des Mariales, première série des oeuvres procédant du « pliage comme méthode », aux Laissées, la démarche de Hantaï est analysée à chaque étape de son développement. Essais, témoignages des proches, ainsi qu'une chronologie approfondie comportant de nombreuses illustrations inédites, viennent enrichir ce premier ouvrage de référence sur l'artiste.

Le catalogue Soulages est aujourd'hui considéré comme la référence éditoriale autour du travail de l'artiste. Présentant un portfolio des photographies de Vincent Cunillère durant l'accrochage de l'exposition ainsi que l'ensemble des différents textes issus du colloque Soulages (notamment celui d'Alain Badiou), cette version « augmentée » représente un témoignage exceptionnel de l'exposition « événement » 2009 et rend compte de l'investissement de l'artiste pour la manifestation. Donnant à des auteurs prestigieux et internationalement reconnus comme Hans Belting, Yve-Alain Bois, Serge Guilbaut ou Hans-Ulrich Obrist, ainsi qu'à une pléiade de jeunes historiens d'art français l'occasion d'études inédites sur différents aspects du travail de l'artiste le catalogue reste un ouvrage incontournable.

À l'occasion du 90ème anniversaire de Pierre Soulages, le Centre Pompidou proposera du 14 octobre 2008 au 8 mars 2009, dans la grande galerie du 6e étage, une vaste rétrospective de son oeuvre picturale de 1946 jusqu'à aujourd'hui : plus de 60 années d'une démarche profondément cohérente et pourtant en constant renouvellement. Sur plus de 3000 m2 d'exposition, c'est la plus grande rétrospective jamais consacrée à un artiste vivant proposée par le Centre Pompidou. Des remarquables brous de noix sur papier des années 1947-1950 qui fondent la démarche abstraite de Soulages et ont assuré sa reconnaissance internationale immédiate, aux étonnantes toiles "outrenoires", depuis leur surgissement soudain en 1979 jusqu'à leurs développements les plus récents, l'exposition permettra une lecture renouvelée d'un artiste majeur. Le catalogue donnera à des auteurs prestigieux comme Hans Belting, Yve-Alain Bois, Serge Guilbaut ou Hans-Ulrich Obrist, ainsi qu'à une pléiade de jeunes historiens d'art français, l'occasion d'études inédites sur différents aspects de l'œuvre. Comprenant également une chronologie richement documentée, qui puisera notamment dans des archives inédites, l'ouvrage constitue une somme de référence sur Soulages.

Entretien avec Marc Lecarpentier

Dans l'histoire de l'art du XXe siècle, un nom domine tous les autres: Pablo Picasso (1881-1973). Comme peintre, artiste graphique, aussi bien que comme sculpteur, il a fait preuve d'un esprit d'invention incomparable et d'un courage dans l'innovation qui lui ont toujours donné un temps d'avance sur ses contemporains. Comme le disait, désabusé, l'un d'entre eux, le peintre Max Ernst: Personne ne peut atteindre Picasso. Il est le génie incarné. Les oeuvres sélectionnées dans cet ouvrage couvrent toute la production de Picasso, de ses oeuvres-clef comme Guernica aux moins connues, des périodes bleue et rose du début de sa carrière à l'implication politique de l'art de Picasso, sans oublier ses phases cubistes et classicistes ni ses expériences formelles des années 1930.