Peinture / Arts graphiques

Le jardin, comme le tableau, est par essence composition de formes, de couleurs et de lumières, cadrage d'une nature reconstruite, artifice, trompe-l'œil : " une harmonie parallèle à la nature ", selon la sobre définition de Cézanne que cite l'auteur. Ainsi le " jardin d'eau " de Monet, à Giverny, transposé dans les Nymphéas de l'Orangerie, acquiert " l'illusion d'un tout sans fin, d'une onde sans horizon et sans rivage ", l'expansion des choses infinies rêvée par Baudelaire. La représentation des jardins en peinture, loin d'être un genre anecdotique et pittoresque, touche au plus profond de la sensibilité humaine, comme le nu, les symboles hédonistes de la mythologie, les vanités, les images de la spiritualité chrétienne, archétypes fondateurs auxquels la peinture de jardins est si souvent associée. Sur les murs de Pompéi, le jardin figure en trompe-l'œil le " lieu de l'agrément ", locus amoenus, image édénique des champs Elysées où séjournent les Bienheureux, et royaume de Vénus. Au fil du temps, cette vision paradisiaque du " jardin d'amour " connaîtra d'infinies variations, depuis les mosaïques du mausolée de Gallia Placidia à Ravenne, le Roman de la Rose et le Songe de Poliphile, jusqu'à l'Improvisation 27 de Kandinsky ! Le lecteur est invité - s'en plaindra-t-il ? - à toucher l'orgue pour la Vénus de Titien, à épier la Suzanne de Tintoret ; il entre avec Cranach dans la ronde de L'Âge d'or, célèbre la Fête galante de Watteau et les plaisirs de l'escarpolette selon Fragonard. Mais le jardin revêt aussi un caractère sacré. Sur la carte du monde du cloître d'Ebstorf (ca. 1300), l'Eden est situé au nord de Jérusalem, centre de l'univers, qu'ailleurs il symbolise. Le jardin est le lieu clos, hortus conclusus du Cantique des Cantiques, qui devient métaphore de la virginité mariale, avec les attributs qui l'accompagnent, la rose, le lis de la royale Trinité, la licorne de l'Immaculée Conception (voir la Madonne à la fontaine de Van Eyck, la Vierge au rosier de Lochner, la Chasse mystique de Schongauer). Il est le cadre du péché originel, le calice de la Passion du Christ (Botticelli), le lieu ultime du Jugement dernier (Fra Angelico). La peinture des jardins, progressivement affranchie des références allégoriques et symboliques - si présentes, toutefois, chez Friedrich et les nazaréens comme chez les préraphaélites - s'attachera au concret de la chose même et à la sensualité de l'impression : Jardins de pommiers du père Courbet, Partie de croquet de Winslow Homer, Chemin de jardin aux poulets de Klimt illustrent la veine naturaliste dont le modeste héros, Candide et Biedermann réunis, est L'Ami des fleurs de Cari Spitzweg. Puis c'est l'éclatement, l'enivrante profusion des Monet, Renoir, Pissaro, Manet, Bonnard, Matisse, Van Gogh, Gauguin, Kirchner, Paul Klee. Histoire de la représentation picturale vue à travers le prisme du jardin - microcosme et condensé de désirs -, le livre est, selon le vœu de Pétrarque, la plus délicieuse des " promenades parmi les paysages de l'âme ".

L'inquiétude est la marque de Goya.Elle transparaît dans ses créations les plus radieuses, dans ses portraits de femmes, notamment ? la comtesse de Chinchon, Josefa de Bayeu, la marquise de Santa Cruz, la duchesse d'Osuna ?, dont l'attitude retenue et la douce fixité du regard semblent hésiter, comme suspendues, entre profondeur de l'âme et vide de l'existence. Peint-il un noble enfant qui joue avec une pie, voleuse de la signature du maître ? Trois chats, tapis entre lumière et ombre, dévorent de leurs yeux perçants, exorbités, l'oiseau (et le nom du maître avec)L'auteur des Caprices, des Désastres de la guerre, des Disparates, des Peintures noires de la Qinta del Sordo, n'est jamais loin, même lorsqu'il joue, à ses débuts, du registre idyllique (Le Bal sur les rives du Manzanares, Le Parasol) ou de la caricature, plaisante (Charles III en chasseur) ou acérée (Ferdinand VII). Aussi, l'étendue de son registre le rend-il irréductible aux catégories esthétiques et psychologiques dans lesquelles ses innombrables exégètes ont tenté de l'enfermerEst-il un romantique avant l'heure ? Un réaliste, un expressionniste, un « signe ascendant » des surréalistes ? L'annonciateur des impressionnistes par la légèreté de sa touche qui décompose le sujet ? Faut-il voir en lui un révolutionnaire et un patriote « engagé », un profond scrutateur de l'humain et de l'innommable, un imprécateur tragique ou satiriste sarcastique, un « poète maudit », héraut d'une vision moderne de l'art comme réponse à l'absurde, et rupture ? La modernité, si souvent évoquée à son propos, est une auberge espagnole qui ne peut retenir pareil client.

La vie de Caravage (1573-1610) a nourri les élucubrations les plus fantaisistes des historiographes, amplifiant ou dénaturant chaque instant de son cheminement d'homme et de peintre. Loin de l'imagerie du «peintre maudit», grossier ou inculte, dont l'oeuvre serait seulement l'écho de la violence et de la débauche, la démarche de Rodolfo Papa, éminent spécialiste de la Renaissance, consiste à partir des oeuvres elles-mêmes. Il en analyse la technique, le style et la portée, et les restitue dans le contexte esthétique, littéraire, historique et dogmatique du XVIe et du XVIIe siècle, illustrant ainsi à cette seule et pure lumière le parcours pictural du Caravage.Le renom de Caravage, les nouveautés que sa manière introduisit ont marqué profondément ses contemporains et maints artistes italiens et étrangers, les «caravagesques», qui bientôt suivent ses pas et diffusent l'enseignement de ses oeuvres. Giulio Cesare Gigli écrira, quelques années après sa mort : «Heureux sois-tu, toi qui arrives à ce moment. Cet homme est le grand Michelangelo Caravage, premier entre les peintres, la merveille de l'art, l'étonnement de la nature, mais ensuite la cible d'un triste sort.»

Sur le modèle de Calligraphie (C. Médiavilla) le premier grand livre d'art déployant toutes les dimensions de l'art chinois du trait, graphique aussi bien que pictural. Principes des idéogrammes, outils, définitions des styles, arrière-plan spirituel, contexte historique et social, oeuvre des grands maîtres.

De nombreux peintres et dessinateurs ont fait oeuvre d'écrivain ou de théoricien : Michel-Ange, Van Gogh, Gauguin, Kandinsky, Malevitch, Mondrian, Rothko, Beuys, Jorn. Pourquoi, à leur tour, les écrivains ne dessineraient-ils pas ? On connaît les dessins de Goethe et de Victor Hugo - a-t-on vu ceux de Barthes, d'Althusser, de Malraux ou d'Hervé Guibert ? Ils ont peut-être griffonné sans autre ambition que le plaisir ou la distraction. Chaque écrivain a ses caprices, ses démons. Le dessin peut leur obéir, même s'il n'est qu'une note au bas d'un manuscrit - chez Stendhal, par exemple. Mais il peut aussi occuper toute la page, et trouver un cadre pour s'accrocher sur un mur d'exposition ou chez un particulier. Les liens entre écriture et peinture, texte et dessin, sont une problématique connue. Jamais, toutefois, on n'aura réuni en un seul volume une telle diversité, de George Sand à Bernard Heidsieck, du romantisme à la poésie sonore en passant par les surréalistes, le nouveau roman ou la beat generation. L'Institut Mémoires de l'édition contemporaine (IMEC) accueille dans ses archives de nombreux manuscrits où l'image surgit par hasard dans le texte. En associant ce fonds à deux collections privées, ce livre réunit un ensemble d' oeuvres résistant à toute classification, un parcours dans l'effort graphique de quelques grands noms de la littérature. Cent cinq auteurs, près de trois cents reproductions : ce sont autant d'invitations à découvrir ces curiosités et à réfléchir aux rapprochements ou aux contradictions qui unissent malgré tout ces deux arts. Au fil des pages, grâce à un classement chronologique et des notices pour chaque auteur, on découvre un lien entre les styles, les techniques utilisées, les périodes traversées. Différents textes précisent le rapport entre cet ouvrage et l'exposition itinérante qu'il accompagne - à l'IMEC (abbaye d'Ardenne, Caen), à Lisbonne, puis à Ixelles. Dès leurs débuts, en 2002, les Cahiers dessinés se sont efforcés de réfléchir sur cette relation entre l'écriture et le dessin, en publiant notamment Copi, Gébé, Pierre Fournier, Roland Topor, Raymond Queneau, Friedrich Dürrenmatt, Edvard Munch, Alberto Giacometti, Jean-Michel Jaquet, Pascal, Christian Dotremont, Pierre Alechinsky. Ce livre s'inscrit tout naturellement dans ce propos.

Chef-d'oeuvre écrit à la fin du XII? siècle, ce poème chante le voyage de milliers d'oiseaux en quête de la Sîmorgh, manifestation visible du divin. 207 miniatures persanes, turques et indo-pakistanaises du XIV? au XVII? siècle, puisées dans les trésors des collections d'art persan et islamique du monde entier, accompagnent les anecdotes littéraires, philosophiques et spirituelles qui ponctuent le texte. Leur valeur symbolique est mise en lumière par les commentaires de Michael Barry.

Érasme publie en 1511 une oeuvre satirique d'une ironie mordante, donnant la parole à Dame Folie. Pour la première fois, notre édition reproduit les 82 dessins d'Holbein qui illustrent cette « déclamation » ainsi que 200 peintures des plus grands artistes allemands et flamands, fascinés par le thème de la folie et des vices humains.

Le Livre Mary Cassatt, Impressions accompagne l'exposition qui se déroulera au Musée d'art américain à Giverny du 1er avril au 3 juillet 2005. Il retrace la carrière de cette artiste américaine de tout premier plan à travers la présentation de ses gravures (l'une de ses techniques de prédilection), de ses premières tentatives vers 1880 aux majestueuses aquatintes des années 1890.Mary Cassatt (1844-1926) a travaillé et exposé avec les plus grands peintreimpressionniste français, dont elle se rapproche à partir de 1879. Sa fascination pour la gravure japonaise fit notamment écho aux recherches de Degas et Pissaro dans ce domaine. Une deuxième série de gravures, réalisée entre 1885 et 1887 et très distincte de ses premières oeuvres, marque son éloignement du style impressionniste et son investissement du thème de la mère à l'enfant. Elle continue de produire, jusqu'en 1897, des séries de gravures représentant principalement des scènes intimistes. Elle y associl'économie d'une ligne à pointe sèche, parfaitement maîtrisée, à des couleurs fraîches, traitées par la technique de l'aquatinte.

Les peintures souvent de très grand format de Marfaing entrent dans la voie de l?abstraction dans les années 1950, époque où il noue des amitiés avec d?autres artistes majeurs travaillant à unr enouveau de la pratique picturale comme Pierre Soulages, Alfred Manessier, Roger Bissière.Si le noir est son exclusivité, avec toutefois d'infinies nuances, son ?uvre se caractérise par un rejet du superflu pour mieux suivre la quête d?un absolu où le blanc de la toile rayonne de lumièreGrâce à une sélection resserrée de peintures et lavis, cet ouvrage souligne la place et le rôle de Marfaing parmi les grands acteurs de l?art abstrait en France.

Traces est le premier tome de l'autobiographie de Niki de Saint Phalle. Elle s'étend de l'année de sa naissance (1930) à 1949. Écrite en partie à la main, en partie à la machine, entrecoupée de dessins, de poèmes, de photographies rehaussées ou enluminées, elle participe autant d'une oeuvre d'art, d'un journal intime que d'un travail de mémoire. La forme y est indissociable du fond et en fait, comme le récit Mon secret, un objet singulier et inclassable. À travers l'histoire de sa famille dont le côté français du père et le côté américain de la mère lui impriment dès sa naissance une double identité, Niki raconte ses souvenirs d'enfance en Amérique, ses relations avec ses frères et sa soeur, ses rêves, ses peurs, ses cauchemars, ses premières amours, sa découverte de la France. Elle dresse les portraits de sa mère et de son père comme les pièces à conviction de l'origine de sa rébellion et de sa soif d'exister à travers son art. Insolence suprême pour une femme dont la condition est, à l'instar de sa mère, de régner sur son foyer et sur ses enfants. Née au lendemain du krach boursier dans une famille fortunée qui essuie les soubresauts de la crise qui secoue le pays, elle donne un tableau extraordinairement vivant, drôle et cruel d'une société américaine conformiste et prête à tout pour sauver les apparences. Exister en créant ou mourir en étant taxée de folie, tel était l'enjeu de son destin.

Cette encyclopédie, qui s'étend des prémices de la peinture à l'époque préhistorique jusqu'aux techniques utilisées de nos jours par les artistes du monde entier, s'adresse aussi bien aux étudiants et aux amateurs d'art qu'au grand public. Facile d'utilisation, elle représente une véritable mine d'informations à portée de main. L'ouvrage, qui se découpe en neuf chapitres, couvre les grands moments de l'histoire de la peinture. Une mise en page astucieuse, comprenant pour chaque chapitre une frise chronologique et un panorama de la période concernée, vous emmènera sur les traces des artistes les plus renommés à travers une biographie succincte, une présentation de leur style, ainsi qu'un zoom illustré et commenté sur les oeuvres majeures.

Vers 1904, le grand illustrateur Benjamin Rabier, déjà célèbre pour ses nombreux dessins animaliers, s'attelle à ce qui sera son oeuvre majeure : les Fables de Jean de La Fontaine, classique de la littérature mondiale. On y retrouvera, bien sûr, le texte original de 240 fables, conforme aux recueils de 1668- 1678. Le dessinateur, comme le fabuliste, s'adresse à tous, jeunes et moins jeunes. Par son génie de la composition, par l'originalité de son univers animalier, par l'humour cocasse qui le caractérise, Rabier fait plus qu'animer l'intrigue, il donne à ces textes classiques une portée universelle, rejoignant l'intention du fabuliste du Grand Siècle... Cette nouvelle publication de l'édition originale de 1906 a fait l'objet de soins de restauration particuliers pour retrouver tout ce qui a fait le succès de l'ouvrage :Format, papier, nouvelle gravure de toutes les illustrations. Elle pourra ainsi retrouver sa place de choix dans les bibliothèques familiales.

55 estampes, reproduites en couleurs, exécutées par Hiroshige (1797-1858) en 1832 le long de la route du Tôkaidô (Edo-Kyoto). Carte et bibliographie. Préface de Gisèle LAMBERT, conservateur à la B. N. F., département des estampes et de la photographie.

Cet ouvrage inédit présente une sélection de fables, parmi les plus remarquables de Jean de La Fontaine, illustrées par les plus grands artistes français et étrangers. De François Chauveau, le premier illustrateur des Fables, à Pablo Picasso, aux illustrateurs emblématiques que sont Benjamin Rabier et Gustave Doré ou Grandville, ce recueil de 97 fables met également en regard de grands artistes contemporains avec ces textes classiques.Une édition exceptionnelleLes artistes : Pieter Bruegel, François Chauveau, Eugène Delacroix, Gustave Doré, Honoré Daumier, Théodore Géricault, Grandville, Utagawa Hiroshige, Franz Marc, Jean-François Millet, Jean-Baptiste Oudry, Pablo Picasso, Benjamin Rabier, Johannes Vermeer... Inclus dans cet ouvrage : les notices biographiques des artistes représentés (peintres, illustrateurs, sculpteurs, graveurs, affichistes, caricaturistes...).

Dans les années 1920, « le plus japonais des Parisiens et le plus parisien des Japonais », selon ses propres termes, est une figure centrale de l'Ecole de Paris. Adulé, fêté, Foujita fut l'enfant chéri de Montparnasse. Des décennies parisiennes à ses dernières années dans son atelier de Villiers-le-Bâcle en Essonne, cet ouvrage est l'occasion d'une redécouverte : celle d'un artiste qui sut allier Orient et Occident avec finesse et subtilité, tout à la fois fier de ses origines japonaises, amoureux de la France et de la culture européenne. Riche d'oeuvres et de photographies inédites, il permet de saisir la singularité de celui que ses contemporains ont souvent qualifié de magicien, tant la maîtrise de son trait, la délicatesse de ses coloris et le raffinement de ses oeuvres les subjuguaient.

C'est en 1816 et 1823 que Katsushika Hokusai, « le vieux fou de dessin », publia ces deux Manuels de dessin

Inspirée par les dessins de Rachid Koraïchi, mêlant les figures symboliques et les signes d'écriture, Nancy Huston écrit sur l'amour, ce lien fragile et lumineux qui relie les êtres...Des textes conçus comme une promenade poétique d'images en images, légère et profonde. 98 images de Rachid Koraïchi et 98 haïkus de Nancy Huston, un beau livre pour les adolescents et les adultes.

Depuis ses débuts de caricaturiste au Havre jusqu à ses réalisations ultimes à Giverny, cette monographie aborde l ensemble de la carrière d un des pères de l art moderne. Qu écrire de nouveau sur Monet ?La première partie de sa carrière a été sous-estimée : l auteur revient sur son travail de caricaturiste et son initiation à la peinture par Boudin et JongkindUne nouvelle réflexion sur la peinture de plein-air s imposait : peintre paysagiste avant tout de la Normandie à la côte méditerranéenne en passant par les bords de Seine, Argenteuil mais aussi Belle-Ile et la Creuse il élabore au fil des années une méthode de travail sans précédentLe phénomène des séries Gare Saint-Lazare, Meules, Cathédrale de Rouen, Giverny... est amplement analysé. Comment l artiste parvient-il à introduire la temporalité dans ses uvres à l instar du cinématographe des frères LumièreLes sources d inspiration de l artiste sont également mises en regard de son uvre, des gravures romantiques aux estampes japonaisesUne attention particulière est accordée aux uvres graphiques, peu reproduites : pastels, dessinsÉtayé par un croisement de sources correspondance, textes critiques de Geffroy à Clemenceau sans oublier Mirbeau, Zola, Proust... et par les analyses approfondies des uvres, ce livre permet ainsi de comprendre véritablement la démarche du peintre et son cheminement vers une poétique de la nature qui trouvera son plein accomplissement dans le cycle des Nymphéas.

célèbre dans le monde entier, vincent van gogh continue d'exercer une fascination irrépressible.cet ouvrage, qui explore les tableaux de l'artiste, se veut le pendant du volume van gogh. dessins et aquarelles de sjraar van heugten (2005), qui a étsalué par le public et la critique. il propose au lecteur une sélection des toiles incontournables de l'artiste ainsi que quelques pièces moins connues, provenant pour la plupart des collections du van gogh museum d'amsterdam. les oeuvres sont replacées dans le contexte de la brève mais brillante carrière de van gogh, que de fréquentes périodes d'isolement n'ont pas empêché de prendre une part active dans la vie artistique et intellectuelle de son tempsle pinceau de van gogh est guidé par une intelligence remarquable, insatiable et curieuse de tout, qui trouve également à s'épancher dans un flux continu de lettres à sa famille et à ses amis. l'une des ressources archivistiques les plus importantes du xixe siècle, la correspondance de l'artiste, constitue d'ailleurs le fil rouge de cette étude. l'auteur considère van gogh comme une figure cosmopolite, ayant réussi à combiner dans son art les expériences et traditions captées dans sa hollande natale, en angleterre et en belgique, assimilant ensuite, tout en marquant de son empreinte, la pratique de la peinture en france, qui connaît alors l'une de ses périodes les plus passionnantes

Pierre Soulages, né en 1919, est sans aucun doute l'un des rares peintres français vivants qui bénéficient d'une gloire internationale aussi éclatante. Plus de quatre-vingts musées, dans le monde entier, exposent ses oeuvres en permanence. La monumentalité de ses peintures, l'exaspération de ses noirs, la sévérité de sa démarche et, en même temps, sa spontanéité et sa force poétique ont fait depuis longtemps de Soulages l'un des artistes les plus aimés de notre temps.Pudique, secret, Pierre Soulages s'est peu livré aux confidences et les ouvrages qui lui ont été consacrés sont rares. Parmi ceux-ci, Les Peintures sur papier de Soulages publié en 1962 aux Editions Hazan et signé Michel RagonMichel Ragon a suivi tout le travail de Soulages depuis sa première exposition en 1949. Ce long compagnonnage, l'amitié qui lie l'artiste et l'écrivain depuis plus de quarante ans, font de ce livre un ouvrage exceptionnelA la fois témoignage, souvenirs et entretiens, étude très fouillée de l'oeuvre, analyse de toutes les techniques de l'artiste à partir de ses ateliers, il s'agit là de la monographie la plus complète de Soulages et la plus originale.

Né à Pékin en 1921, dans une famille de grands lettrés chinois, Zao Wou-Ki passe son enfance à étudier la calligraphie, puis la peinture chinoise et occidentale à l'école des Beaux-Arts de Hang-Tcheou.Il vient à Paris en 1948 et s'installe à Montparnasse où il habite aujourd'hui, la France étant devenue son pays d'adoption. Cette autobiographie, écrite en collaboration avec son épouse Françoise Marquet, Conservateur au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, témoigne de son itinéraire de peintre, dès l'âge de quatorze ans, dans sa Chine natale, de ses rencontres exceptionnelles, notamment avec Henri Michaux, de ses amitiés parisiennes, et surtout de son inébranlable plaisir de peindre où se mêlent sa connaissance de la grande peinture chinoise et la découverte de l'abstraction que lui révéla le Paris des années cinquante.