Peinture / Arts graphiques

Exposition au Musée Jacquemart André, 14 mars au 22 juillet 2019.

Sous le titre «Gaston Chaissac - Poète rustique et peintre moderne», le musée de Grenoble présente une importante exposition consacrée à ce grand artiste. Longtemps tenu pour marginal dans le contexte de l'art français d'après-guerre, son oeuvre apparaît de plus en plus, dans sa farouche singularité et sa poésie douce-amère, comme l'un des plus originaux de son époque. Dessinateur, peintre, sculpteur, poète et épistolier intarissable, Chaissac manipule les formes comme les mots, détourne les matériaux comme la syntaxe. Son approche spontanée de la création lui permet d'inventer formes et techniques nouvelles. Sa liberté innée le conduit à dépasser le clivage entre figuration et abstraction et d'explorer avec bonheur toutes les possibilités de la forme pure comme de la figure, ainsi que leur joyeuse hybridation.Avec près de 180 oeuvres, dont de nombreux inédits, suivant un parcours rétrospectif allant des premiers dessins de 1936 jusqu'aux grands collages de papiers peints et les derniers Totems de 1964, l'exposition s'attache à mettre en évidence les principaux thèmes de l'oeuvre de Chaissac. Ainsi retrouve-t-on les bouquets de fleurs, les dessinsécritures, les objets récupérés, les crucifixions, les grands personnages souriants. autant de prétextes pour l'artiste dans son observation aiguë de la tragicomédie humaine à révéler l'enchantement du monde, ce monde rural et âpre qui fut le sien.

Après avoir longtemps servi à reproduire, et donc faire connaître le travail des artistes peintres, l'estampe est devenue à partir du XIXe siècle une forme artistique à part entière, associant création et diffusion. En 1967, par l'intermédiaire de sa femme Andrée, qui était styliste pour Prisunic, Jacques Putman lance le concept de l'estampe originale peu onéreuse, commercialisée dans cette chaîne de magasins. Ces révolutionnaires Suites Prisunic (1967-1973), tirées à trois cents exemplaires, sont vendues 100 francs. Six artistes participent à la première édition : Pierre Alechinsky, Wifredo Lam, Roberto Matta, Jean Messagier, Reinhould et Bram Van Velde. Les éditions successives des Suites accueillent de nouveaux artistes (Arman, Christo, Max Ernst, Asger Jorn, Niki de Saint-Phalle, Pierre Tal Coat.) et s'ouvrent à d'autres formes artistiques comme la sculpture. En 1974, Catherine Béraud rejoint Jacques Putman au sein de la société qu'il a créée, la sdopm (Société de diffusion d'oeuvres plastiques et multiples). Sous d'autres formes, l'aventure se poursuit plus de trente ans, marquant fortement la production éditoriale française de la fin du XXe et du début du XXIe siècle et ajoutant aux premiers artistes cités de nombreux autres : Geneviève Asse, Georg Baselitz, Pierre Buraglio, César, Tinguely, Viallat, etc. Plus de quatre-vingts artistes ont été associés à cette passionnante aventure qui constitue aujourd'hui un véritable panorama de la modernité. Nourrie d'amitiés et d'échanges avec les plus grands artistes (Baselitz, Bram Van Velde, Alechinsky.) et des imprimeurs d'une rare exigence, ne reniant jamais les techniques les plus anciennes tout en explorant volontiers les outils numériques les plus nouveaux, cette aventure prolongée jusqu'à la mort de Catherine Putman, en 2009, est l'occasion de témoigner de ce qu'est aujourd'hui ce métier étroitement lié aux nécessités de la création.

Le peintre américain Ellsworth Kelly (1923-2015), a entretenu toute sa vie un rapport privilégié avec la France et ce lien vient d'être réaffirmé par le Studio Ellsworth Kelly qui a souhaité faire don de 54 estampes de l'artiste à la bibliothèque de l'Institut national d'histoire de l'art (INHA). Cet ensemble permet d'observer la manière dont Kelly a, tout au long de sa carrière, expérimenté les possibilités que peut offrir l'image imprimée, depuis sa première lithographie, réalisée aux Beaux-arts de Paris en 1949, jusqu'aux oeuvres monumentales sur papier des années 2000. Pour la première présentation au public de ce don exceptionnel, la Collection Lambert en Avignon a souhaité accompagner celui-ci d'une sélection des oeuvres de Kelly - tableaux, dessins, collages et estampes - qui se trouvent aujourd'hui dans les collections françaises, publiques et privées.  

Ernest Pignon-Ernest multiplie les interventions par les rues et sur les murs des villes en compagnie de poètes irréductibles, porteurs de révoltes et d'utopies. Par le verbe et l'action, André Velter est entré en résonance avec cette aventure qui met la poésie à l'épreuve du monde et des hommes.Ouvrage accompagnant l'exposition d'Ernest Pignon-Ernest, qui se tiendra à partir d'octobre 2016 à la bibliothèque Nucéra à Nice.

Une petite fille sortant de l'exposition Viva Di Rosa au musée d'Art moderne de la Ville de Paris en 1987 s'exclame, ravie, vouloir revenir au musée d'art modeste . Hervé Di Rosa adopte immédiatement le délicieux lapsus enfantin, définition parfaite de la sphère artistique qui l'intéresse. L'Art modeste est l'occasion pour Hervé Di Rosa d'intervenir non en tant que plasticien mais comme le théoricien de ce concept qu'il a révélé

Cet ouvrage monumental réunit les trois livres de La Divine Comédie de Dante écrits au début du XIVe siècle : L'Enfer, Le Purgatoire, Le Paradis.Pour la première fois, les quatre-vingt-douze dessins de Botticelli, conçus chacun en regard d'un chant, sont présentés dans leurs couleurs d'origineCommandés par Lorenzo di Medici au XVe siècle pour une édition manuscrite de La Divine Comédie de Dante, les dessins de Botticelli, réalisés à la pointe de métal sur parchemin, repris à l'encre et partiellement mis en couleurs, permettent de partager la fascination de l'artiste florentin pour ce chef-d'oeuvre de poésie et d'humanismeChaque dessin est accompagné d'un commentaire éclairé de Peter Dreyer, spécialiste allemand de la Renaissance italienne. La traduction de Jacqueline Risset en français moderne est reconnue comme la meilleure et la plus proche du texte de DanteInconnus du public, les dessins de Botticelli sont aujourd'hui conservées, d'une part, à la Bibliothèque apostolique vaticane, l'une des plus anciennes et des plus inaccessibles du monde, et, d'autre part, au prestigieux cabinet des Dessins et Estampes de Berlin qui a pu réunir, après la chute du Mur, en 1993, le fragment acquis en 1882.

Cet ouvrage reproduit les deux cent soixante-quinze planches en couleurs composées par Jean-Baptiste Oudry, peintre du roi Louis XIV et professeur à l'Académie royale de peinture, pour illustrer la totalité des deux cent quarante-cinq Fables de La Fontaine. Crayonnées, gravées et rehaussées à la gouache et à l'aquarelle, les gravures témoignent de la maîtrise de l'artiste. Les scènes représentées captent les instants les plus significatifs du texte tout en offrant, à travers le dessin des paysages, des costumes et de l'architecture, une fresque de la société de la fin du XVIIe siècle. De même, personne mieux qu'Oudry n'a su faire vivre les animaux, et ses compositions apportent aux Fables une dieu s'animer les animaux comme le fabuliste les fait parler.

Léon Weissberg, figure emblématique de l'école de Paris, est né en Galicie/Autriche-Hongrie en 1895. Loué par des grands critiques (Jean-Marie Dunoyer, Waldémar George) et exposé par les galeristes et les musées, Weissberg s'est essayé au cours de sa trop brève carrière à divers médias (peinture, dessin, sculpture...). Déporté car il était juif, il fut assassiné au camp de Maïdanek en 1943 et son oeuvre, dispersée, fut en partie détruite. Ses émouvants portraits de femmes et de petites filles ses cirques à la tonalitélyriques et ses natures mortes lui ont valu d'être redécouvert. Philippe Soupault, fondateur du mouvement surréaliste avec Breton et Aragon, fut particulièrement sensible à l'oeuvre de Weissberg et à ses personnages qui semblaient être les "acteurs d'une comédie tendre et triste, dépositaires de ses rêves, de l'insouciance et de l'angoisse du temps". Ce catalogue raisonné, qui concerne l'ensemble des créations de Weissberg, offre au lecteur une immersion dans l'univers onirique d'un artiste encore trop peu connu.

A travers une cinquantaine de pièces sélectionnées pour refléter l'évolution du travail de Zao Wou-ki et la diversité des techniques utilisées, ce catalogue met en lumière l'exigence, la liberté et l'audace du peintre français d'origine chinoise.

Née à Lisbonne, Maria Helena Vieira da Silva (1908-1992) ressent dès son plus jeune âge une attirance pour le monde de l'art. Cette vocation l'amène à l'âge de vingt ans à s'installer à Paris, capitale des avant-gardes. Elle y fait la connaissance d'Arpad Szenes, peintre hongrois avec qui elle partagera une vie entièrement vouée à la création. Peintre d'un espace matériel et mental, oscillant entre figuration et abstraction, entre réalité et imaginaire, elle participe de façon très personnelle à la grande aventure ;s. de la peinture du XXe siècle, dont elle devient une figure majeure en donnant au tableau une nouvelle dimension plastique, intellectuelle et spirituelle. Vieira da Silva a recherché toute sa vie une synthèse entre sa vision du monde et son regard intérieur.

Vermeer, ou "le sphinx de Delft". Cette expression, forgée au XIXe siècle, a figé la personnalité de Johannes Vermeer (1632-1675) dans une pose énigmatique et solitaire. Cet ouvrage original permet au contraire de découvrir que ce génie universel s'inscrivait dans un riche réseau d'influences, très loin du splendide isolement avec lequel il fut longtemps associé. La scène de genre élégante hollandaise connaît son âge d'or vers 1650-1680. Cette peinture, mise en scène luxueuse d'activités qui n'ont de quotidiennes que le nom, permet à la République des Provinces-Unies de s'affirmer face aux monarchies. Vermeer en est l'un des maîtres, aux côtés de Gerard Dou, Gerard ter Borch, Frans van Mieris, Gabriel Metsu, Pieter de Hooch... Ces peintres, actifs à Leyde, Deventer, Amsterdam ou Delft, ont eu connaissance du travail des uns et des autres. Leurs rapports alternent hommages, citations détournées, métamorphoses. Vues de la sorte, les sublimations de Vermeer prennent un sens nouveau : celui de ses rejets et de ses admirations.

"Le Geste et la Matière, une abstraction "autre"" met en lumière un moment exceptionnel de l'histoire de l'art de la première moitié du XXe siècle. Bénéficiant à Paris d'une large audience grâce au relais de critiques éclairés et au dynamisme de nombreuses galeries apparues dans l'effervescence de la Libération, la peinture abstraite, dans son acception non géométrique, triomphe après les années sombres de la Seconde Guerre mondiale. Nommée tour à tour "informelle", "lyrique", "tachiste", "gestuelle" ou "matiériste", cette abstraction se caractérise par une pratique toute instinctive et un rapport inédit au matériau pictural, tout en faisant le procès de la rationalité. Célébrant des artistes comme Olivier Debré, Hans Hartung, Georges Mathieu, Gérard Schneider, Pierre Soulages ou Wols, l'exposition est l'occasion de redécouvrir d'autres artistes qui ont aussi apporté leur contribution à ce courant essentiel de l'abstraction. Délaissant la chronologie, cet ouvrage, reflet de l'exposition conçue par le Centre Pompidou, réunit 52 peintures provenant d'une collection de référence, celle du musée national d'Art moderne. Il est organisé en séquences thématiques commentées mettant l'accent sur de grandes caractéristiques formelles et propose une synthèse particulièrement informée et accessible de cet "art autre" à partir d'oeuvres phares et d'archives de première main.

Titouan se rend en République Démocratique du Congo pour la première fois en l'an 2000. Il passe alors six mois à Kinshasa pour dresser le portrait en mouvement de la riche scène artistique kinoise, travail qui donne naissance au livre Titouan au Congo. En 2005, il y retourne dans le cadre de son grand projet Zoé-Zoé Femmes du Monde. Il en rapporte d'émouvants portraits de femmes, victimes ou activistes qui, dans la simplicité d'un quotidien pourtant extrême, racontent les conflits et les déplacements de population dans l'Est du pays. Six ans plus tard, il souhaite prolonger ce travail et donner encore une fois la parole aux femmes, victimes, activistes, réfugiées ou travailleuses qui continuent à vivre au jour le jour alors que le pays s'enlise dans une situation conflictuelle oubliée du monde. Pour éclairer un large public sur les enjeux de cette région complexe, Titouan s'adjoindra la collaboration de spécialistes universitaires et humanitaires, ou écrivains congolais, belges et français, avec des textes simples et accessibles qui viendront faire écho aux témoignages des femmes dont il aura choisi de faire le portrait. Car, encore une fois, ce sont elles et elles seules, dessinées, photographiées ou justes esquissées, qui formeront l'essentiel d'un ouvrage dont l'objectif premier est de leur rendre leur force et leur beauté, dans leur infinie diversité.

L'exposition d'Argentan, présentée et éclairée par Michel Onfray, est un concentré sans ambages de l'oeuvre Femmes du Monde de Titouan Lamazou, Artiste de l'Unesco pour la Paix, montrant les multiples formes de la misogynie dont il a pu croiser les visages au cours de ses voyages et de ses rencontres intuitives.Femmes battues, femmes violées, femmes objets, discriminées, prostituées, pornographiées , la liste est longue des sévices que fait subir l'humanité à sa moitié. Dans l'oeuvre de Titouan, ces phénomènes décriés et généraux portent un prénom et possèdent un visage.