Peinture / Arts graphiques

Dans le secret de l'atelier, le peintre Sam Szafran (1934-2019) poursuivit inlassablement les obsessions dont son oeuvre est empli. Après l'écroulement de son enfance lors de la Seconde Guerre mondiale, l'art fut pour lui un ancrage dans le réel. À l'écart des vicissitudes du monde comme des débats de son temps, son goût pour l'exactitude des formes ne l'empêcha jamais de les laisser dériver:escaliers en colimaçon devenus labyrinthes, ateliers envahis par la végétation, boîtes de pastels métamorphosées par un jeu de perspective...Cet ouvrage propose une nouvelle lecture de l'oeuvre si singulier de Sam Szafran et invite le lecteur dans les méandres de ses fusains, pastels et aquarelles.

«J'ai lu La Métamorphose à l'âge de 13 ou 14 ans d'un trait, la nuit. Peut-être même deux fois de suite, comme j'avais l'habitude de faire parfois. Le jour d'après, en rentrant de l'école, j'ai trouvé ma mère en train de pleurer en le lisant, alors que je l'avais trouvé drôle et troublant. Ma mère pleurait à l'idée que j'avais lu ÇA. Je l'ai ensuite relu plusieurs fois. Peut-être à chaque décennie. Je le considère comme une sorte de comique essentiel et moderne (tel Cervantès). Plus les années et les évènements passent, plus je trouve Franz Kafka pertinent, avec cet humour qu'on disait juif mais qui est une forme très ancienne d'humanisme... désespoir cosmique... Métamorphose : changement. Le seul qui ne change pas est Gregor Samsa, il maigrit peut-être, mais il reste le même du réveil jusqu'à la fin. Autour de lui tout se transforme. Son père, sa mère, sa petite soeur ! Après lecture, on prend conscience de quelque chose qu'on avait oublié depuis longtemps, que l'on savait déjà.»Miquel Barceló

250 dessins inédits issus des carnets de croquis d'Emmanuel Guibert en Italie. Emmanuel Guibert a beaucoup fréquenté l'Italie par le passé, afin de rendre visite à sa compagne qui y résidait, et il a dessiné et peint, des années durant, ses souvenirs dans des carnets. L'artbook Italia présente, dans un beau livre à la finition soignée, près de 250 dessins inédits issus de ces archives, dans lesquels l'artiste nous entraîne à ses côtés, via son regard, sur les routes du Sud. L'intégralité du tirage ? 2 500 exemplaires ? est numéroté et signé par l'auteur.

Ce catalogue présente la première rétrospective parisienne consacrée à l'artiste disparue en 1979. Il reflète la diversité des supports utilisés par Sonia Delaunay : dessins, peintures, collages, affiches, couvertures et reliures, vêtements, accessoires, costumes, tissus, tapisseries, mosaïques et met en lumière l'importance de son activité dans les arts appliqués.

Cette histoire du vêtement d'enfant en Occident à travers les oeuvres des peintres est aussi une approche de la condition enfantine au fil des siècles et de la place de l'enfance dans la société.

Né en 1919 dans l'Aveyron, Pierre Soulages est une figure représentative de la peinture informelle. Le peintre est connu pour son usage de la couleur noire (« lumière-noire » ou « outre-noir ») qui constitue une part considérable de sa production artistique depuis 1979.Soulages consent à plusieurs donations exceptionnelles, la première en 2005, à la Communauté d'agglomération du Grand Rodez : 500 pièces dont tout l'oeuvre gravé (eaux fortes, lithographies, sérigraphies), les travaux préparatoires aux vitraux de Conques, une centaine de peintures sur toile et sur papier, et plus récemment 14 peintures de 1946 à 1986. Une collection unique qui couvre la totalité de l'oeuvre de l'artiste. Plus qu'un simple musée monographique, il s'agit d'un lieu ouvert à l'ensemble de la création contemporaine. Réalisé en acier Corten par les architectes catalans de RCR, le bâtiment accueillera une rétrospective inaugurale dédiée aux « Outrenoirs » de l'artiste : « Pierre Soulages : les Outre-noirs dans les collections publiques européennes »C'est à cette occasion que Beaux Arts éditions publie un hors-série sur le musée Soulages à Rodez, revenant sur son architecture, sur la manière de concevoir le musée d'un artiste vivant, pour en faire un projet muséographique original, et enfin sur la collection exceptionnelle du musée et sur l'oeuvre de Soulages dont il donnera les clefs de compréhension.

On dit du cheval qu'il est la meilleure conquête de l'homme. Au fil des siècles, ce magnifique et fascinant animal a nourri notre imaginaire, nos rêves et nos mythes.Cet abécédaire nous entraîne dans un vagabondage inspiré et fougueux au pays du cheval. Commence alors un fabuleux défilé à travers les époques, les civilisations et le monde : des chevaux d'apparat des maharadjas aux Appaloosas des Indiens d'Amérique, des chevaliers du Moyen Âge aux premières écuyères, de la constellation du Centaure à Pégase.

Après Saul Steinberg et quelques autres, Jean-Jacques Sempé a hissé le dessin dit d'humour au rang de grand art :Ses oeuvres sont exposées dans les galeries du monde entier et publiées dans de somptueux albums. Mais... comment l'auteur de Un peu de Paris dessine-t-il ? Comment surgissent ses idées ? Longtemps, il a tenu ses carnets, sinon secrets, du moins à l'abri des curieux. Publiés ici pour la première fois, ils constituent un témoignage inestimable de sa recherche, de son inspiration. On y découvre toute la grâce de sa spontanéité, toute la force de son expression. Des têtes, des corps, des décors, des objets familiers... À peine une esquisse d'un trait délicat au crayon ou à la plume, et tout est là. Nous sommes devant ce que le dessin a de plus fragile, de plus suggestif aussi. Rien ne semble dit, mais tout est dit, et nous laisse dans un état de rêverie absoluDeux cents dessins noir et blanc lèvent le voile sur les « secrets de fabrication » de l'un des plus grands dessinateurs de notre temps.

Traversée d'ombres et d'apparitions, d'enchevêtrements, d'arbres dansants et de landes à perte de vue, l'oeuvre du peintre, dessinateur et graveur Edmond Quinche présente deux facettes : l'une naturaliste, l'autre imaginaire. La première s'ouvre aux paysages du pied du Jura et à ceux qui font la splendeur de l'Irlande, sa seconde patrie. Quelques portraits aussi, rares

On a célébré les différentes facettes de Roland Topor, ses romans et ses nouvelles, ses pièces de théâtre, ses dessins de presse, ses affiches, ses illustrations, sans oublier ses films d'animation. Il est temps de présenter ce qui constitue l'épine dorsale de son oeuvre : ses dessins les plus accomplis, qui sont aussi les plus intemporels.Ce premier volume s'attache donc à réunir ses chefs-d'oeuvre en noir et blanc, où l'on retrouve ses thèmes de prédilection - le corps malmené, les tourments de l'éros, l'exploration graphique et fantasmatique des méandres de l'inconscient -, ainsi que quelques dessins politiques, aussi pénétrants qu'irrévérencieuxUne plongée vertigineuse dans l'imaginaire délié et foisonnant de l'un des plus grands dessinateurs du XXe siècle.

Quoi de plus éphémère que les affiches ? On les voit sans les voir, elles se déchirent, on les piétine. Et pourtant, selon Jean- Michel Folon, leur rareté vient précisément de leur modestie.Tout au long de sa carrière, il en a réalisé près de six cents qui sont autant de chefs-d'oeuvre d'inventivité, de sensibilité et de poésie. C'était sa façon à lui « d'entendre le monde en marche »La tragédie de Tchernobyl, les conflits ethniques, la faim, la violation des droits de l'homme, mais aussi la beauté, la joie de vivre, la fête : il s'inspirait de tout ce qui exprimait le monde car « il y a des jours où vous avez envie de crier et des jours où l'on a envie d'aimer ». Pour la première fois, les Cahiers dessinés réunissent cent soixante affiches en reproduction couleur accompagnées d'un entretien et de textes, pour la plupart inédits, sur cet art que Jean-Michel Folon considérait comme étant « le plus visuel, le plus fort et le plus direct »Une préface de Pierre Alechinsky éclaire le lecteur sur cette partie si importante de l'oeuvre de cet immense dessinateur.

Quarante ans durant, Marcel Bascoulard a dessiné sur le vif les rues de Bourges, dont il était à la fois la mascotte et l'artiste maudit. De ses rues dépeuplées et de ses larges perspectives émanent une sorte de vertige réaliste, une intense poésie. Certains de ses motifs font songer aux grands maîtres de la gravure, par leur sens extrême du détail et la profondeur de leur espace. Les quelques trois cents dessins présentés ici témoignent de son exceptionnelle virtuosité, relevée, parfois, de surprenantes incursions dans l'abstraction ou dans la copie minutieuse de cartes géographiques.Cette seconde édition de l'ouvrage, paru initialement en 2014, est augmentée de dix-neuf lettres inédites et d'une douzaine de dessins également inédits, qui éclairent la personnalité fantasque, originale et émouvante, d'un immense dessinateur, dont on commence enfin à reconnaître l'importanceLe texte de Patrick Martinat relate, quant à lui, les grands moments de cette vie, aussi romanesque que tragique.

De Gustave Courbet (1819-1877), chef de file de l'école réaliste, réformateur incontesté de la peinture moderne, artiste prolifique et largement commenté, on ne saurait imaginer qu'il reste des zones d'ombre à éclaircir. Et pourtant, le mystère qui entoure son activité de dessinateur a été jusqu'ici peu abordé, et cela s'avère d'autant plus surprenant que certains dessins sont absolument remarquables.   Cet ouvrage propose pour la première fois une étude historique d'ensemble, des carnets de croquis aux dessins les plus aboutis, en passant par des académies et des esquisses préparatoires. Mêlant inédits et oeuvres célèbres, il ouvre la voie à une réévaluation du rôle du dessin dans l'oeuvre de Courbet.   Sous la direction de Niklaus Manuel Güdel - Avec la collaboration de Anne-Sophie Poirot et Philippe Clerc - Préface de Louis-Antoine Prat - Textes de Lonnie Baverel - Pierre Chessex Petra ten-Doesschate Chu - Philippe Clerc - Nicolas Ducimetière - Dominique de Font-Réaulx - Niklaus Manuel Güdel - Michael Jakob - Leïla Jarbouai - Jean-David Jumeau-Lafond - Robert Kopp - Ségolène Le Men - Dominique Lobstein - Emmanuelle Neukomm - Isolde Pludermacher - Séverine Petit - Anne-Sophie Poirot - Pauline Santschi - Thierry Savatier - Nathalie Strasser   Cet ouvrage paraît à l'occasion du bicentenaire de la naissance de Courbet et est le résultat d'un projet franco-suisse des institutions suivantes : Société Courbet, Musée Courbet, Musée Jenisch Vevey, Musée d'Orsay.

D'origine américaine, les Stein s'installent à Paris au début du XXe siècle. Gertrude (1874-1946) écrivain d'avant-garde avec son frère Léo (1872-1947) au 27 rue de Fleurus.Michael, l'aîné, avec son épouse Sarah, réside rue Madame. Premiers acheteurs de Matisse et de Picasso, ils accueillent chez eux toute l'avant-garde artistique et constituent ainsi une des plus étonnantes collections d'art modernePicasso, Matisse, Braque, Apollinaire, Man Ray, Gris, mais aussi les écrivains américains, Hemingway, Sherwood Anderson, Fitzgerald... s'y croisentLe catalogue revient sur l'histoire de cette famille très surprenante. Il éclaire l'importance de son ascendant sur les artistes de l'époque. Il montre comment elle a contribué à imposer une nouvelle norme en matière de goût dans l'art moderne, que ce soit à travers le regard de Léo sur les sources de la modernité, ou dans ses échanges avec les intellectuels de l'époque. L'amitié de Gertrude avec Picasso, les liens de Sarah avec Matisse, les projets échafaudés par Gertrude pour soutenir dans les années 1920-1930 la production « post-cubiste » de Gris, Braque, Masson..L'exposition réunit un ensemble exceptionnel d'oeuvres ayant appartenu à la collection des Stein : Renoir, Cézanne, une soixantaine de Picasso, plus de quatre-vingts Matisse, Bonnard, Vallotton, Laurencin, Masson, Atlan...

L'autre de l'art est la première exposition abordant les trois domaines de spécialité du LaM (art moderne, art contemporain, art brut) dans une approche transdisciplinaire : art, littérature, ethnologie, psychanalyse, musique, cinéma. Le propos de l'exposition est de montrer comment, à partir de l'intérêt que les savants, les collectionneurs, les intellectuels et les artistes on manifesté à l'égard des arts dits « primitifs » et la constitution des premières collections d'arts des fous et d'art des enfants, l'Europe artistique va, peu à peu au cours du XXe siècle, se détacher de l'exploration d'un ailleurs (circonscrit dans une perspective positiviste) pour interroger ses propres intériorités et abords. Le champ chronologique couvert par l'exposition va de 1850 jusqu'aux années 1960 et 1970, avec l'émergence des mouvements contestataires en tant qu'ils donnent libre cours à de multiples formes d'expression, en passant par les avant-gardes artistiques du début du 20ème siècle, et par le contexte particulier de la Deuxième Guerre Mondiale et de ses suites. Le catalogue est partagé en six parties respectivement consacrées à l'anonyme, aux graffitis et griffonnages, à l'enfance de l'art, au regard du masque, à l'art de l'informe et à la question de l'origine de l'art, suivant le parcours thématique qui est celui de l'exposition. Il réunit des textes de plusieurs spécialistes (philosophie, littérature, histoire de l'art) qui développeront les multiples aspects de L'autre de l'art.

Dufy et la Méditerranée met en lumière les liens qui, durant toute sa vie, ont uni l'oeuvre de l'artiste à l'univers méditerranéen. Un sujet qui, malgré les nombreuses expositions dédiées à cet artiste dans de multiples pays, n'a jamais été traité jusqu à aujourd hui. « Le peintre a besoin d avoir sans cesse sous les yeux une certaine qualité de lumière, un scintillement, une palpitation aérienne qui baigne ce qu il voit », déclarait Raoul Dufy (Pierre Courthion, éd. P. Cailler, 1951).Le catalogue réunis des essais analytiques et synthétiques, une notice de chacune des oeuvres présentées et une chronologie serrée.

Un peintre décrit à la manière d'un poète sa démarche, son expérience, ses sensations, en prise directe avec le visible. Cette 5e édition augmentée de 80 pages prolonge sa réflexion jusqu'à aujourd'hui.

Catalogue de l'exposition cc L'Art en guerre, France 1938- 1947, de Picasso à Dubuffet », cet ouvrage montre comment, dans un contexte de pénurie et d'oppression, les artistes ont proposé des réponses nouvelles qui modifieront en profondeur le contenu et la forme de l'art jusqu'à aujourd'hui.Articulé en une dizaine de séquences fortes, l'exposition ouvre en 1938 avec l'Exposition internationale du Surréalisme dans l'atmosphère troublée de l'avant-guerreDans les nombreux camps d'internement en France et bientôt dans le secret des lieux clandestins, les artistes adaptent leur processus de création et leurs matériauxcire, ficelle, pierre, etc.-, créant des oeuvres dont la fragilité apparente restitue souvent une énergie désespéréeAprès la guerre et la défaite de la France, avec l'occupation nazie et l'instauration du régime de Vichy, les artistes sont condamnés à s'adapter aux nouvelles réalités des années noires. L'exposition replacera au premier plan les points aveugles de l'histoire en les rendant visibles au même titre que le reste qui dominait: les grands « indépendants «(Matisse, Picasso, Léger, Derain) en 1938-1 940, et restituera l'atelier des Grands Augustins de Picasso où sont créés nombre de chefs d'oeuvre peints (L'Aubade, Grand Nu, Femme à l'artichaut, etc.), ou sculptés (Tête de mort, L'Homme au mouton, etc.)La partie de l'après-guerre (1944-1947) présentera les grands mouvements modemes, les uns assurant lac' Reconstruction», les autres empruntant une ligne de fuite radicale (lettrisme, tachisme, art brut ou récupération de déchets ou d'objets rejetés par la guerre), faisant de l'oeuvre la seule réponse à l'histoireCet ouvrage de référence aborde sous un angle nouveau les enjeux artistiques des années 1940, intégrant l'histoire sociale et politique de cette décennie. Il sera composé d'une première partie présentant les oeuvres exposées (plus de 300 oeuvres de quatre-vingts artistes) et d'un abécédaire de plus de 200 entrées, rédigées par plus de 150 auteurs, portant sur des problématiques précises liées à l'histoire et l'histoire de l'art.

Nombreux sont les artistes qui ont cherché chez les maîtres anciens des réponses à leurs questionnements : un face à face s'est alors instauré, une rencontre entre celui qui regarde et celui dont l'oeuvre figure aujourd'hui au musée.À travers plus d'une centaine de textes tirés de lettres, d'entretiens, d'articles et de journaux - des textes parfois déroutants de mauvaise foi ou de passion, souvent étonnants de simplicité ou de finesse -, près d'une centaine d'artistes du xixe et du xxe siècle se confrontent à des oeuvres appartenant au Louvre, au musée d'Orsay et au Centre Pompidou. Composant une forme d'anthologie de regards particuliers - des regards d'artistes -, ces textes nous accompagnent et nous éclairent dans notre découverte de la peinture.

Comment expliquer la lame de fond culturelle que représente aujourd'hui le street art? Quelle est sa spécificité artistique? Quels sont ses codes et son langage? Comment cette production réservée à l'origine presque exclusivement à l'espace urbain a-t-elle envahi celui des galeries, faisant émerger une véritable cote pour certains artistes? Autant de questions auxquelles se propose de répondre cette anthologie unique qui retrace l'histoire du genre, en faisant remonter ses prémices aux années 1970 jusqu'aux nouvelles problématiques actuelles. Ce parcours historique est émaillé des portraits des grands noms internationaux de la discipline. Une plongée en profondeur au coeur de l'un des courants majeurs de l'art contemporain par une experte reconnue de ce mouvement artistique.