Histoire de l'Art

Bleu L'histoire de la couleur bleue dans les sociétés européennes est celle d'un complet renversement : pour les Grecs et les Romains, cette couleur compte peu

Comprendre les trésors de l'art Roman, percer les secrets des bâtisseurs de cathédrales, percevoir, pour la première fois, l'art médiéval comme un tout et contempler un millénaire (de 300 à 1300) de façades sculptées, de nefs, de travées ou d'absidioles. Tels sont les objectifs de ce beau livre unique, fruit d'une coopération scientifique d'envergure européenne. Un ouvrage très illustré qui aborde l'histoire de l'art médiéval sous un nouvel angle, privilégiant aux simples descriptions techniques le contexte historique et culturel de cette époque trouble mais aussi les buts, les moyens et les positions sociales des bâtisseurs, des artistes et des commanditaires.Un guide de référence qui donne le dernier état des connaissances et qui s'intéresse particulièrement à l'architecture des églises médiévales pour en proposer une vision totalement innovante.Paolo Piva est professeur d'histoire de l'art médiéval à l'université d'Etat de Milan, spécialisé en architecture et iconographie religieuses. Harmen H. Thies enseigne l'histoire de l'art gothique à Brunswick. Wofgang Schenkluhn, l'histoire de l'art à l'Université Martin Luther du Haut-Wittenberg. Spécialistes internationalement reconnus du Moyen Âge, Francesco Gandolfo et Antonio Gandolfo sont professeurs aux universités romaines Tor Vergata et La Sapenzia .

Les premiers édifices chrétiens, construits par Constantin, ont été des lieux de lumière.Emanation de Dieu, elle en transcende la signification, envahissant la totalité de l'espace intérieur et rebondissant sur les murs. Ils ont servi de référence au maîtres d'ouvrage et aux maîtres d'oeuvre du Moyen Age. A l'époque romane, ils ont été confrontés à une alternative : couvrir de pierre l'édifice et l'obscurcir, conserver le couvrement de charpente et sa luminosité. Pour surmonter la difficulté, les architectes on, t inventé de nouvelles formules, inonder de lumière le chevet de la nefLes réussites spectaculaires ont relevé du défi technique afin d'associer lumière et maçonnerie.

En prenant conscience de la course solaire, nous reconnaissons le terre et en même temps le ciel qui en marque les limites.Avec l'aide de la lune, nous avons implanté les structures d'une authentique cosmogonie, mais le soleil nous donne la conscience de l'éternité et la révélation de la divinité. Et de l'échange qui s'effectue entre les deux naîtra, notre propre perception du monde. Religion solaire par excellence, le christianisme a imposé en fait, à ses bâtisseurs, des sanctuaires qui respectent la course de l'astre des joursAvec des moyens très simples, reposant sur le relevé des directions solsticiales et équinoxiales, les bâtisseurs inspirés ont magnifiquement établi le pont entre le profane et le sacré. Ces techniques universelles ont été utilisées sur toute la planète pour ériger les sites sacrés, des premiers mégalithes aux palais de Sumer, des temples grecs, hindous aux basiliques romanes. Les relevés solsticiaux sont la clef unique, la référence indispensable pour accéder à la volonté cachée du constructeur, comprendre la structure solaire ou lunaire de certaines églises, entrer dans le monde symbolique des chapiteaux pour voir apparaître des clefs essentielles pour la compréhension du sacré

Il y a cinq ans, Jacques Bonvin présentait les premiers résultats de ses travaux sur la tripartition des énergies.Aujourd'hui, dans ce nouveau livre revu et augmenté, il nous apporte d'autres révélations tout aussi troublantes, touchant l'action des formes sur notre santé et notre environnement. De nouvelles recherches enrichies de témoignages et de travaux de laboratoires de biophysique, spectrophotographies Kirlian ou Bio-Electronique de Vincent. Cette approche particulièrement riche se révélera utile à la fois pour le géobiologue ou le thérapeute, mais surtout pour le particulier, qui trouvera là des informations essentielles sur la dénitratation de l'eau, la régénération, alimentaire, ou comment améliorer de façon considérable la production de son jardin, sans engrais, afin de retrouver le goût des légumes et des fruits sainsSensibilisé par le monde des formes, Jacques Bonvin retrouve aujourd'hui un principe de vie venu du monde des Celtes, qui est un apport incontestable pour les chercheurs de l'énergétique. Une forme qui agit, parce que son procédé de fabrication géopolymérique est le même que celui utilisé par les anciens égyptiens pour construire la pyramide de Khéops : le principe de la Pierre Coulée ! Une forme qui est une réalité régénératrice des principes de vie de l'Univers, une source de guérison tant physique que spirituelle !.

Qui n'a pas été interpellé, en pénétrant dans une église romane, par la présence d'animaux fantastiques et de sculptures mystérieuses ? Que veulent signifier ces messages sculptés dans la pierre ? Initié par les moines bénédictins, le symbolisme roman trouve ici une explication pertinente, fondée sur des années de recherches tant dans la Bible que dans les textes des Pères de l'Eglise. Pour comprendre ce rébus symbolique, laissons-nous guider par l'auteur pour en découvrir le sens profond. Gérald Gambier, spécialiste du symbolisme dans l'art roman, nous livre ici ses sources, tant écrites qu'iconographiques, constituant ainsi une approche exclusive et originale.

Au début du XVIe siècle, un grand mouvement installe en Europe l'esthétique d'une Antiquité renouvelée par le Quattrocento italien, autant pour des raisons politiques que pour des questions de goût. Pour la France, on attribue un rôle pionnier en ce domaine à Georges d'Amboise et à son château de Gaillon.C'est ignorer les relations étroites, avec la monarchie et avec l'Italie, de son frère aîné, Louis Ier, et de son neveu, Louis II, successivement évêques d'Albi.C'est oublier que l'on voit encore dans la cathédrale Sainte-Cécile d'Albi les fastes et le répertoire ornemental déployés par des peintres venus de l'Émilie, qui ont réalisé là un chef-d'oeuvre de la peinture monumentale. Miraculeusement conservé, malgré les agressions des hommes et du temps, il fait d'Albi un foyer majeur de la pénétration de la Renaissance italienne dans le royaume de France.

En Occident, depuis la haute Antiquité, il existe des hommes masqués. Le masque cache le visage au profit de son double et cette occultation porte une révélation. Il donne forme au mystère. Il est un simulacre qui va à l'essentiel.Il appartient au registre du sacré comme à celui du profane, à la vérité comme à la vanité, à la réalité comme à la fiction. Il épouvante et séduit, imite et trompe. On dira ici - avec les oeuvres du Louvre enrichies par des prêts à d'autres grands fonds (notamment, de la Bibliothèque nationale de France et du musée Carnavalet) - son rôle religieux dans le théâtre grec, sa force expressive, ludique et quelque peu diabolique dans la fête, le bal ou la comédie italienne, son empreinte funèbre au lit de mort et sa force pérenne et protectrice au tombeau. On dira aussi sa duplicité dans le monde de l'allégorie, sans négliger sa représentation inscrite dans l'ornement, le mascaron, qui ne semble rien d'autre qu'un avatar de la tête de la Gorgone coupée par Persée et placée sur les armes d'Athéna pour y conserver son pouvoir sidérantAinsi, l'exposition s'attachera à évoquer la fonction paradoxale du masque, emblème de l'illusion, celle qui consiste à « dérober et produire un double »Le théâtre, la mort, le masque de la Gorgone, le mascaron répondent aux différentes significations que l'on a tenté de prêter au masque : le visage de la sorcière destiné à faire peur, celui de l'acteur masqué, celui du masque lui-même dans le théâtre grec, celui qui permet de se cacher ou de se mêler à la fête, ou simplement de « faire un masque » en barbouillant de noir son ennemiChacune de ces sections, mêlant les photographies, les masques antiques, les pièces de la Renaissance et celles de l'âge baroque, les dessins, les estampes et les peintures, propose des désignations fragmentaires des liens qui unissent entre eux ces objets dispersés et les images qui en ont été conservéesLa place que le masque occupe dans le théâtre, le ballet de cour et la mascarade constitue la première partie de cette présentation. Elle s'ouvre avec l'évocation de Dionysos, le dieu-masque, celle des acteurs et de leurs masques dans la Grèce ancienne, et se poursuit avec des feuilles rares de la Renaissance française, des projets de costumes du xviie siècle, une suite d'estampes de Callot, les Balli di Sfessania. Le théâtre de la comédie italienne est évoqué avec la peinture de Gillot, Les Deux Carrosses, et deux dessins du même artiste. Le passage du masque au portrait et du portrait au mascaron se laisse percevoir à travers la double représentation du visage marqué par la mort. À une sélection de masques funéraires présentés en vitrine, font face plusieurs interprétations de la Gorgone, qui peut donner la mort à ceux qui soutiennent sa vue, et devient ensuite l'arme magique d'Athéna. Vue « en course agenouillée », ou fixée au bouclier de la déesse, elle se présente comme un visage immobilisé, pétrifié, qui peut être compris comme une amorce de la stylisation du mascaronCe motif, celui du masque de la Gorgone, est retenu pour son pouvoir magique. Sous une forme dérivée, on le voit accompagner la transformation imperceptible du visage humain pour le plier vers l'arabesque, le décor végétal, les formes hybrides, créant ainsi une « bizarrerie », qui va s'insérer dans l'architecture et le décor, trouver sa place, parfois ironique, parfois burlesque, souvent macabre dans les planches d'ornement que nous ont laissées les maîtres du xvie siècle et ceux des siècles qui ont suivi.

La période de l'après-guerre en France est particulièrement féconde dans le domaine des arts décoratifs. Un long travail de recherche, d'identification des objets, de dépouillement d'archives a précédé la rédaction de cet ouvrage qui rassemble créateurs et éditeurs de mobilier, décorateurs, céramistes, orfèvres, créateurs de luminaires, de tissus et papiers peints. Trois cent notices organisées de façon alphabétique présentent ainsi un vaste panorama de la création en France entre 1945 et 1965. Abondamment illustré ce livre étudie le travail de créateurs emblématiques, mais également d'artistes et d'éditeurs moins connus dont les productions ont pourtant marqué cette époque.

Le rêve est un sujet de réflexion pour les artistes depuis l'antiquité. Cette magique suspension du temps telle que l'a décrite Isabelle Monod-Fontaine est devenue au fil des siècle un sujet pictural et littéraire qui a tant fasciné qu'il a donné naissance à d'innombrabls variations du même artiste. Le modèle endormi, par sa dimension éminemment érotique, a inspiré les plus grands de Bonnard à Balthus, Vuillard, Valloton, Matisse, Picasso, Brancusi, Dali, Masson et tant d'autres.L'exposition et le catalogue qui l'accompagne permettent de montrer, à travers une cinquantaine d'oeuvres majeures, le parcours de ce sujet de la fin du XIXème siècle, d'abord avec Puvis de Chavannes, puis avec les symbolistes et nabis jusqu'aus années 1950. De l'aspect poétique et secret du rêve à sa dimension érotique, les artistes ont su livrer leur part intérieure de ce sujet devenu un standard de la peinture comme de la sculpture.

A en croire l'histoire officielle, la 2CV aurait vu le jour il y a tout juste soixante ans dans les ateliers d'un constructeur automobile bien connu. Pourtant, rien n'est moins sûr. En bouleversant notre vision des plus grands chefs-d'oeuvre de l'art, de Lascaux à Dali, en passant par Léonard de Vinci, Raphaël, Vermeer ou Delacroix, cet ouvrage nous démontre, avec une grande rigueur dans l'inexactitude, que la 2CV remonte à la plus haute antiquité - et même un peu avant.

Cet ouvrage s'inscrit dans le cadre de l'exposition au Musée des Beauxarts de Reims à l'occasion du 800e anniversaire de la Cathédrale et de l'installation des vitraux de l'artiste contemporain allemand, Imi Knoebel.Durant la période de l'entre deux guerres, porteuse de traditions et d'avant-gardes, la perception du vitrail va changer : le passage de vitrail de verrier à vitrail d'artiste permet alors de constater une évolution des démarches. Entre couleur et non-couleur, les interrogations des artistes concernant le rôle de la lumière qui devient parfois «matériau » à part entière vont influencer les oeuvres de certains d'entre eux de l'après-guerre à nos joursQuelle place donner à la couleur et à la lumière au sein d'architectures dédiées à l'art sacré ? Des éléments de réponse viennent alors de Chagall, Sima, Knoebel et Soulages.

Diffusée sur France 2 le dimanche soir à 20h40 et rediffusée le lundi à 22h45, D''art d''art est un programme qui mobilise plus de 6 millions de téléspectateurs. En 1 minute 30 seulement, une oeuvre d''art est passée au crible afin d''en décrypter les spécificités ou de comprendre son histoire. Radicalement grand public, son parti pris est d''expliquer l''art aux néophytes et de rendre accessible à tous la compréhension d''oeuvres emblématiques. L''originalité de l''émission tient à son ton décalé, l''oeuvre n''étant pas seulement décrite, mais les anecdotes qui la concernent y prenant une grande place, parfois, et même souvent, à travers l''humour. Les coulisses de l''oeuvre, la vie rocambolesque de l''artiste, c''est aussi tout cela qui compte ! Ainsi, des plus jeunes aux plus grands, tout le monde peut désormais s''intéresser à l''art, sans complexe et en toute simplicité. Calqué sur le concept de l''émission (150 oeuvres présentées), l''ouvrage s''adresse à un public large et non-spécialiste.

Diffusée sur France 2 le lundi soir à 21h20 et rediffusée le vendredi à 23h00, D''art d''art est un programme qui mobilise plus de 6 millions de téléspectateurs. En 1 minute 30 seulement, une oeuvre d''art est passée au crible afin d''en décrypter les spécificités ou de comprendre son histoire. Radicalement grand public, son parti pris est d''expliquer l''art aux néophytes et de rendre accessible à tous la compréhension d''oeuvres emblématiques. L''originalité de l''émission tient à son ton décalé, l''oeuvre n''étant pas seulement décrite, mais les anecdotes qui la concernent y prenant une grande place, parfois, et même souvent, à travers l''humour. Les coulisses de l''oeuvre, la vie rocambolesque de l''artiste, c''est aussi tout cela qui compte ! Ainsi, des plus jeunes aux plus grands, tout le monde peut désormais s''intéresser à l''art, sans complexe et en toute simplicité. Calqué sur le concept de l''émission (150 oeuvres présentées), l''ouvrage s''adresse à un public large et non-spécialiste.

Croma est un grand livre de photos, un objet précieux, un hommage des plus grands photographes du monde à toutes les nuances de couleurs. Les couleurs sont omniprésentes dans nos vies, elles nous entourent, influencent notre environnement, nos comportements, notre langage et notre imaginaire avec leur sens caché. À travers le rouge, le vert, le jaune, le bleu, le noir et le blanc Croma donne vie à un dialogue silencieux de 347 images (paysages, portraits, objets...) La préface et les textes d'introduction de Michel Pastoureau donnent toutes les clés pour comprendre le sens et appréhender la force des couleurs.

- « Pandore est la première femme, le beau mal