Histoire de l'Art

Fruit du monumental travail de l'archéologue et historien Louis Charbonneau-Lassay, Le Bestiaire du Christ fut publié pour la première fois en 1941. Deux ans plus tard, la quasi totalité de cette édition périssait dans le bombardement de la ville de Bruges, ainsi que tous les bois qui avaient servi à orner de 1127 gravures ce traité sur la symbolique zoologique lié au Christ. Voici aujourd'hui ce trésor ressuscité.Le Bestiaire du Christ ne constituait, aux yeux de l'auteur, que le premier volet d'une investigation sans précédent, à laquelle il consacra toute sa vie de chercheur, et qui devait se poursuivre par un Vulnéraire du Christ, un Floraire et un Lapidaire. Pour mener à bien cette entreprise, il mentionnait, parmi les sources consultées, les mythes des religions pré-chrétiennes, les livres sacrés des deux Testaments, les doctrines des anciens gnostiques, les études médiévales, les premiers mémoires d'explorateurs, le folklore, ainsi que les informations fournies par une communauté initiatique médiévale, toujours vivante dans les années 1930Héritiers de ces multiples savoirs dont Charbonneau-Lassay s'attachait à retracer la genèse, les artistes du Moyen Âge ont réussi à exprimer, à travers leurs symboles, les enseignements les plus subtils de la théologie et les élans de la mystique universelle. Synthèse de ce langage millénaire éclairé par les disciplines les plus variées, le Bestiaire apparaît aujourd'hui comme un document exceptionnel enfin accessible.

- La signification précises de la matière et des sujets des icônes au moment où cet art connaît un renouveau depuis la fin du XXe siècle de la part des fidèles comme du public épris de spiritualité.L'icône n'est pas seulement le fruit de la créativité de l'artiste byzantin : les manuels et codes utilisés par les peintres d'icônes indiquent, au moyen de dessins précis, quels sont les traits véritables du visage du Christ, de la Vierge Marie et des saints à partir d'oeuvres anciennes souvent réputées remonter à une image réelle de la divinité (en premier lieu celle de l'homme du Saint Suaire). Selon cette conception de la « copie » qui caractérise l'art chrétien ancien et médiéval, l'authenticité de toute image résulte de sa ressemblance avec l'original. Ce guide présente ce vaste patrimoine d'images de manière ordonnée par types iconographiques et par sujets : des plus anciennes icônes conservées dans le monastère Sainte Catherine du mont Sinaï aux icônes du mont Athos, de Constantinople, de Crète et des Balkans

Qui n'a pas été interpellé, en pénétrant dans une église romane, par la présence d'animaux fantastiques et de sculptures mystérieuses ?Que veulent signifier ces messages sculptés dans la pierre ?Initié par les moines bénédictins, le symbolisme roman trouve ici une explication pertinente, fondée sur des années de recherches tant dans la Bible que dans les textes des Pères de l'ÉglisePour comprendre ce rébus symbolique, laissons-nous guider par l'auteur pour en découvrir le sens profondGérald Gambier, spécialiste du symbolisme dans l'art roman, livre ici ses sources, tant écrites qu'iconographiques, constituant ainsi une approche exclusive et originale.

De l'art australien, le public européen ne connaît, en général, que l'art rupestre aborigène. Au-delà de cette image pittoresque et réductrice, l'Australie s'est révélée, depuis la fin de la Seconde Guerre mondiale, un pays pourvoyeur d'artistes exceptionnels, dont la réputation avait cependant du mal, jusque dans les années 1980, à franchir les frontières de cette terre isolée du reste du monde. Pourtant, l'art australien contemporain frappe par sa richesse et son dynamisme : de John Brack et Arthur Boyd à Jeffrey Smart ou Fred Williams, l'art australien contemporain couvre, par son envergure, tous les mouvements artistiques, depuis l'expressionnisme jusqu'à l'abstraction, en passant par les formes picturales surréalistes, naïves ou symboliques. Sans prétendre à l'exhaustivité, ce livre - qui est le premier à être publié en français sur le sujet - propose un vaste panorama de l'art australien contemporain. Le texte, écrit par des spécialistes internationaux, est richement illustré et ne manquera pas d'intéresser aussi bien les amateurs d'art que les amoureux de ce pays-continent, dont la population ne peut être comprise indépendamment de sa production artistique qui la reflète et l'exprime.

Frank Horvat et Michel Pastoureau décryptent, visuellement et symboliquement, les sculptures des XIe et XIIe siècles des églises françaises. Les photographies de Frank Horvat nous révèlent le caractère à la fois élémentaire et expressif de ces figures souvent négligées par les archéologues et historiens français.Pourtant, l'église romane, « temple de l'image » pour Michel Pastoureau, n'est pas dénuée de singularité. Contrairement à l'Antiquité classique, le décor sculpté de fort relief n'est pas incrusté à la forme architecturale, il semble sortir de cette forme dont il constitue le prolongement. Faites de bois, de pierre, d'os ou encore d'ivoire, les sculptures se trouvent aussi bien sur les voûtes que sur les chapiteaux ou les portesOutre leur qualité esthétique, ces figures ou images constituent un document historique sur la foi, la vie et l'imaginaire du Moyen Âge.

Pour mieux comprendre la beauté intemporelle et sobre des édifices romans qui jalonnent l'Europe, Uwe Geese et Rolf Toman nous invitent à nous immerger dans l'univers spirituel de nos ancêtres entre les grandes invasions barbares et l'an mil. L'essor du christianisme et de la vie monastique, ainsi que la ferveur religieuse populaire qui dominait l'époque, ont façonné le premier style artistique et architectural chrétien, aux formes solides et simples, reflet d'une époque charnière qui nait sur les décombres de l'Empire romain et s'efface graduellement au profit de l'art gothique. Les superbes illustrations de l'ouvrage mettent en valeur tant les édifices religieux que les sculptures et oeuvres d'art, tout autant que les merveilleuses enluminures dont nous avons hérité. Au fil des pages, vous vous imprégnerez de le beauté et de l'atmosphère mystique dans lesquelles baigne la civilisation romane.

Cet ouvrage appartient à la série des vocabulaires qui présentent l'aspect technique ainsi que typologique d'un domaine déterminé.Le vitrail relève à la fois de l'architecture et des arts du verre, dans une période allant du moyen age à nos jours. le présent volume en expose la diversité des techniques et procédés qui ont enrichi au cours des ans la production des maîtres verriers. il aide aussi à comprendre cet art du verre et du plomb qui illumine si magnifiquement l'architecture religieuse et civile.

Dans cette vaste étude, Natale Spineto se livre à un examen et à une analyse descriptive des principaux symboles grâce auxquels l'homme a tenté, tout au long de son histoire, de se représenter l'invisible, et en particulier le monde divin. Interrogeant la récurrence de certains motifs (l'eau, l'arbre, la montagne, les animaux) à l'intérieur des systèmes culturels, l'auteur met en lumière l'universalité du phénomène de la représentation symbolique. Apparue avec l'homme, cette dernière irrigue et féconde en effet toutes les grandes étapes qui ont marqué son cheminement : du monde préhistorique à l'Egypte, en Grèce puis à Rome, dans le judaïsme puis dans le premier christianisme, dans l'islam, de l'Inde à la Chine et au Japon, d'Afrique en Amérique et dans les régions australes, le symbole est au coeur du rapport qu'entretient l'homme avec le monde qui l'entoure, un rapport marqué par une farouche volonté de comprendre. Et si certaines religions, comme l'islam, le judaïsme et le premier bouddhisme, entretiennent un rapport complexe avec l'image, allant parfois jusqu'à la volonté de non-représentation, elles ne font que pousser à l'extrême l'idée d'une vérité - vérité du sacré, vérité de l'être ou vérité des choses - invisible, illimitée, inatteignable, échappant à toute description, et que l'univers symbolique a justement pour fonction de médiatiser. Par l'ampleur et l'acuité du regard qu'il porte sur les grandes civilisations, Les Symboles dans l'histoire de l'humanité permet de mieux appréhender la spécificité de chacune des cultures abordées à divers moments de l'histoire humaine. En brossant un large tableau des systèmes symboliques, il met en relation, parfois de manière inattendue, des peuples et des époques très éloignés les uns des autres. En cela, il explore et interroge rien moins que l'unité du genre humain.

C'est de la seconde partie du Moyen Age que date l'émergence de l'art gothique dit tour à tour classique, rayonnant puis flamboyant. Cet art, né en Ile-de-France au cours de la seconde moitié du XIIe siècle, rayonne ensuite dans toute l'Europe pendant plus de 200 ans. Symboles de l'esthétisme gothique, les cathédrales comme celles de Reims ou Chartres sont des prouesses architecturales. L'utilisation de la voûte sur croisée d'ogives et des arcs-boutants permet d'élever des bâtiments de grande hauteur, dont les surfaces murales sont désormais percées d'amples portes, galeries et fenêtres en arcs brisés. Les volumes s'aèrent, la lumière joue un rôle majeur, offrant ainsi une place de plus en plus importante à l'art du vitrail et de la sculpture. Avant tout religieux, l'art gothique a marqué l'architecture mais aussi la sculpture, la peinture, l'enluminure, les objets précieux... Dans cet ouvrage magnifiquement illustré, Xavier Barral i Altet, médiéviste reconnu, nous plonge au coeur du Moyen Age, période de grandes mutations sociales, économiques, politiques et religieuses, et nous fait découvrir toutes les facettes de l'art gothique.

Impossible d'évoquer l'art de Rome sans raconter l'histoire incroyable de cette ville, simple regroupement de huttes sur le mont Palatin devenu capitale d'un empire. Avec l'essor économique et politique de Rome, l'art devient progressivement le langage spécifique d'une société où les univers politique et religieux sont intimement liés. L'art de Rome s'exprime dans toutes les parties de l'Empire, au coeur du pouvoir et dans les régions les plus lointaines, au centre de la cité et chez les riches commanditaires. Il a ainsi produit des monuments aussi divers que l'Ara Pacis au style raffiné, les monuments des provinces impériales aux formes réalistes et expressives, les intérieurs ornés de fresques splendides, les aqueducs symboles de l'ingénierie romaine... Aux côtés de ces oeuvres majeures, les créations artistiques plus modestes et les productions artisanales (petits bronzes, monnaies, objets en verre, bijoux...) expriment de manière authentique la façon de vivre des Romains. Dans ce livre très illustré, l'auteure remonte aux origines des fondements culturels de notre civilisation occidentale.

Cet ouvrage constitue une introduction idéale à un univers artistique éloigné de nous dans le temps et l'espace, et que son aspect faussement exotique a trop souvent condamné à une profonde incompréhension du monde occidental. Pour comprendre pleinement l'art précolombien, il est nécessaire de connaître non seulement le contexte politico historique dans lequel il s'est développé, mais également les codes interprétatifs d'art figuratifs éclos dans un monde dans lequel les frontières séparant représentation, pictographie et écriture semblent mouvantes et incertaines. Ce n'est qu'alors que l'on comprend que le caractère apparemment « baroque » de l'art précolombien traduit en réalité la complexité des messages véhiculés par les images : apprendre à « lire » l'art précolombien permet non seulement de découvrir sa valeur anthropologique, mais également d'apprécier pleinement la valeur esthétique et formelle d'un langage visuel que la tragédie de la Conquista a totalement oblitéré.

Depuis sa création après la deuxième guerre mondiale par le savant italien Giuseppe Tucci, l'histoire de l'art tibétain s'est beaucoup modifiée. Le présent volume témoigne de ses progrès. Il permet de suivre l'évolution de cette esthétique essentiellement religieuse au travers de monuments souvent grandioses et d'oeuvres portatives replacées dans leur contexte historique et culturel. L'accent est porté sur les périodes d'apogée (XIIe-XVIIe siècles). Des chapitres thématiques répartis au fil de l'ouvrage apportent d'indispensables synthèses sur la religion, l'iconographie du bouddhisme lamaïque, les techniques et les styles. Cet ouvrage, au texte clair et concis, constitue une première approche idéale d'un art à la fois foisonnant et complexe. D'un maniement facile, il est un outil indispensable tant pour le voyageur en pays himâlayens que pour tout amateur d'art.

Les lieux de culte et le patrimoine religieux posent des problèmes muséographiques spécifiques, en particulier lorsqu un lieu de culte se transforme en musée. Quelle est la place de l art contemporain dans ce type de lieux ? Comment expose-t-on les objets rituels dans les musées ? Les lieux des grandes religions présentes en France sont étudiés ici : cathédrales, églises, temples, mosquées, synagogues, pagodes.

Des murs aux pages, de Giotto à Basquiat, ce livre propose de parcourir l'histoire de la peinture occidentale en compagnie d'un guide de choix : le grand écrivain Michel Butor. Expérience littéraire inédite, il se présente comme une conversation avec un ami, une déambulation dans un musée imaginaire.Ce professeur généreux et grand voyageur, ayant fréquenté artistes et musées sa vie durant, prend le temps de poser véritablement les yeux sur les tableaux et, au fil des textes, accroche notre attention par une écriture simple, savante mais humble, toujours au plus près des oeuvres.

L'histoire de la lecture féminine se reflète dans la peinture et la photographie. Les artistes de toutes les époques ont représenté des femmes en train de lire. Pourtant, il aura fallu des siècles avant qu'il soit accordé aux femmes de lire à leur guise. Ce qui leur incombait d'abord, c'était de broder, de prier, de s'occuper des enfants et de cuisiner. Dès l'instant où elles envisagent la lecture comme une possibilité de troquer l'étroitesse du monde domestique contre l'espace illimité de la pensée, de l'imagination, mais aussi du savoir, les femmes deviennent dangereuses. En lisant, elles s'approprient des connaissances et des expériences auxquelles la société ne les avait pas prédestinées. C'est ce chapitre captivant de l'histoire de la lecture féminine que Laure Adler et Stefan Bollmann explorent, avec un soin particulier du détail. Le fil de l'analyse conduit du Moyen Âge au temps présent, en s'attachant plus spécialement à certaines oeuvres de Rembrandt, Vermeer, mais aussi Manet, Matisse ou Hopper, jusqu'à la fameuse photographie d'Eve Arnold montrant Marilyn Monroe en train de lire Ulysse de James Joyce. De courts textes de commentaire accompagnent ce choix de peintures, de dessins et de photographies.

Avec ses 2500 illustrations choisies parmi les plus extraordinaires chefs-d'oeuvre de tous les temps, Art nous fait voyager à travers l'histoire de l'art par le biais des images.Rassemblées dans un musée idéal puisant dans les collections du monde entier, peintures, sculptures, photographies sont observées, décryptées et commentées par les meilleurs spécialistes. Proposant un parcours chronologique de l'art préhistorique à nos jours, cet ouvrage unique en son genre est la nouvelle référence en histoire de l'art.

De l'époque carolingienne, on retient souvent l'immense stature de Charlemagne et le prestige de la dynastie qu'il inaugura. Volet initial d'un triptyque culturel annonçant les Ages roman et gothique, ce moment artistique est longtemps apparu comme l'apogée de la création haut médiévale, offrant la première grande définition des valeurs artistiques de l'Europe chrétienne. La synthèse qui nous est ici présentée dresse un panorama de l'art de cette période, mais va plus loin puisqu'elle en renouvelle l'approche. Elle se propose en effet de replacer l'art carolingien au fil d'une progression de bien plus ample volée, en se basant sur de nombreuses données inédites issues des recherches menées dans le champ de l'archéologie paléochrétienne et des arts du premier haut Moyen Age. Ainsi, la prise en compte des prémices, avec les réalisations importantes du règne de Pépin le Bref dès le milieu du VIIIe siècle, mais aussi l'analyse des oeuvres produites dans la mouvance de Charles le Chauve dans les décennies 840-870, ou encore l'attention portée au mécénat des hauts dignitaires, conduiront à une sensible réorientation de la réflexion sur le sujet. Enfin, l'accent mis sur l'étude de la finalité des oeuvres permettra de mieux appréhender l'esprit des concepteurs de cet art.

TOUT L'ART EncyclopédlICONOGRAPHIE DE LA RENAISSANCE ITALIENNSouvent destinées à des commanditaires friands d'énigmes et de significations cachées, les oeuvres produites à la Renaissance utilisent volontiers une iconographie complexe, dont le sens tend à devenir de plus en plus obscur pour le public contemporain. L'ambition de ce livre est de fournir les principales clefs nécessaires à sa compréhensionClassées par ordre alphabétique, les notices abordent plusieurs grandes catégories de sujets : les personnages bibliques, mythologiques ou historiques les plus fréquemment représentés par les artistes de l'époque