Écrits sur l'art

la correspondance inédite que l'on va lire provient de deux sources, les archives matisse à paris oú sont conservées les lettres reçues par l'artiste et un fonds resté dans la famille des sembat oú les envois de matisse ont été récemment retrouvéson doit à christian phéline d'avoir suggéré leur rapprochement et d'en avoir fait l'occasion de publier un ensemble de documents retraçant l'amitié artistique et politique qui, pendant près de deux décennies, lia henri matisse à marcel sembat et à son épouse georgette agutte.

l'art roman, c'est des églises, encore des églises, toujours des églises

Depuis Emile Mâle et Louis Réau, la France manquait d'un grand dictionnaire d'iconographie, d'un ouvrage de référence dans le domaine de l'explication des images. Le Dictionnaire Critique d'Iconographie Occidentale se veut un ouvrage utile et indispensable dans le monde universitaire, auprès des étudiants et des chercheurs des différentes disciplines historiques ou artistiques. Le Dictionnaire Critique d'Iconographie Occidentale s'adresse également aux historiens et aux historiens de l'art, au monde des arts plastiques et à celui des musées, aux métiers du Patrimoine et à un public large d'amateurs, de collectionneurs et d'utilisateurs d'oeuvres d'art et d'ouvrages artistiques. Le cadre chronologique et culturel du Dictionnaire Critique d'Iconographie Occidentale concerne l'iconographie occidentale du début du Moyen Age à nos jours. Une de ses originalités est précisément cette ouverture aux XIXe et surtout XXe siècles. Du Moyen Age au XXe siècle, la plupart des thèmes abordés permettent d'écrire une histoire continue sur la longue durée. Pour les périodes les plus contemporaines, de nouvelles préoccupations se font jour, dont le lecteur trouvera beaucoup d'éléments inattendus dans ce livre. Chaque entrée comprend la traduction du terme en quatre langues (allemand, anglais, espagnol, italien), présente la définition, l'historiographie et l'évolution de l'iconographie à travers les siècles, et prend en considération toutes les techniques (peinture, sculpture, vitrail, mosaïque, enluminure...). Au-delà des notices incontournables, le lecteur en trouvera d'inattendues qui permettent des approches transversales comme Bande dessinée, Cabaret, Kitsch ou Télévision qui sont habituellement absentes de ce type de dictionnaire. Les différentes entrées, classées par ordre alphabétique, se répartissent en quatre grandes rubriques conceptuelles : iconographie de la Bible (Apocalypse, Déluge, Paradis), iconographie profane (Amour, Chevalier, Marchand, Monstre, Voyage), mouvements artistiques pris sous l'angle des développements de l'iconographie (Surréalisme), histoire de l'iconographie, des écoles ou des personnalités (E. Mâle, E. Panofsky). Encadré par un comité de direction et un comité éditorial, dirigés par Xavier Barral i Altet, spécialiste renommé de l'Histoire de l'art du Moyen Age, auteur de nombreux ouvrages spécialisés et professeur à l'université de Rennes 2, cet ouvrage compte avec la participation de plus de cinquante auteurs, français et étrangers, des enseignants, des doctorants et des chercheurs spécialisés. Sa préparation s'est étendue sur une dizaine d'années.

« Il n'est pas dans mon intention de faire ici la leçon à qui que ce soit, ni d'imposer un point de vue. Ce livre n'a été dicté que par le désir de défricher la jungle des possibilités qui s'offrent à un art encore jeune et magnifique, toujours à explorer, et de m'y retrouver moi-même aussi indépendant et libre que possible ».Andreï Tarkovski, tout au long de son oeuvre cinématographique, rédige des notes de travail, des réflexions sur son art, restituant dans le même mouvement son itinéraire d'homme et d'artisteÀ partir de son exil en Italie où il réalise Nostalghia en 1983, puis en France durant la dernière année de sa vie, il rassemble ces écrits qui sont d'abord édités en Allemagne puis dans les autres pays d'Europe occidentale où ils deviendront vite une référence incontournableIl y aborde une large réflexion aussi bien sur la civilisation contemporaine que sur l'art cinématographique : son ontologie et sa place parmi les autres arts, ou des aspects plus concrets comme le scénario, le montage, l'acteur, le son, la musique, la lumière, le cadragePuisant dans son expérience de cinéaste, dans sa vaste culture littéraire, se remémorant ses années de formation, les luttes interminables pour terminer ses films à l'époque soviétique, Andreï Tarkovski offre ici le livre-bilan d'un artiste en recherche de sens, d'un homme qui consacra son inépuisable énergie à « fixer le temps ».

Un concert de soutien aux troupes italiennes engagées dans la Première Guerre mondiale, une rencontre des jeunesses nazies et fascistes, une manifestation pour « l'école libre », un concert commémoratif à Ground Zero, un spectacle pour les cinquante ans d'Israël, un meeting de la Ligue du Nord, une manifestation de gilets jaunes... Tous ces événements ont en commun d'avoir eu pour point culminant l'interprétation du Choeur des esclaves de Verdi.Ce livre se propose de remonter aux racines de la popularité de cet air créé en 1842, souvent qualifié d'« hymne bis » de la République italienne, et d'en écrire une histoireAu-delà des appropriations successives de l'air par les différents régimes, la construction du récit national italien se joue aussi dans la réception de l'air hors des frontières de la péninsuleL'analyse des renouveaux de la mise en scène, des usages cinématographiques et littéraires de l'air ou encore de ses utilisations au cours de meetings politiques ou de manifestations permet de restituer la multiplicité des formes de l'écriture d'un mythe fondamental des patriotismes contemporainsEntre les lignes d'un chant d'esclaves, c'est toute une histoire politique qui s'est écrite.

Assimilé au néant précédant la création du monde, le noir a hérité d'une réputation souvent péjorative. Pourtant, à la Renaissance italienne, quand les princes adoptent des étoffes noires précieuses, le noir flamboie. Très tôt, la couleur tente le dessin puis l'estampe. Certains peintres sont fascinés par les multiples facettes du noir : Vélasquez, Rembrandt, Goya, Manet, Malevitch, Matisse, Michaux et, bien sûr, Soulages... En littérature, au début du XIXe siècle, les Romantiques, après avoir honoré le vert et le bleu, se tournent vers le noir : le désespoir croît, la nuit et l'obscur sont ses refuges. Après avoir longtemps signifié le deuil, aujourd'hui le noir passe pour être la plus élégante des couleurs : de Coco Chanel à Christian Dior, la mode vénère le noir... Voyage au pays du noir en compagnie de Barbey d'Aurevilly, Balzac, Marcel Proust, Victor Hugo, Goethe, Milton, Musset, Nerval, Baudelaire, Rimbaud, Michel Tournier, Yves Bonnefoy, Michel Pastoureau, Pascal Quignard et bien d'autres.

Résumés des cours de René Huyghe au Collège de France (1951-1976): les conceptions diverses de l art les miniatures irlandaises la crise de l Occident Delacroix et Baudelaire forces, formes et âme...Un vol.br 22x14cm 367pp.Exposition :

Fabienne Verdier travaille comme un peintre lettré chinois, consignant dans ses carnets des maximes et des images qui l'aident à penser le monde. Lire ces carnets nous permet de pénétrer dans la fabrique de l'oeuvre et d'observer comment naissent les intuitions picturales de l'artiste.Page après page, ils constituent un passionnant voyage dans la pensée profonde que traduira la gestuelle du peintre. Alexandre Vanautgaerden a retranscrit l'intégralité des textes de ces carnets qu'il présente au lecteur comme un petit traité de méditation sur la peinture et la mystique des Maîtres flamandsVoici donc un Livre d'heures moderne, où l'essai de commentaire d'Alexandre Vanautgaerden se mêle à des pensées de sagesses venues d'Orient comme d'Occident, à des poèmes, des citations de grands peintres et aux facsimilés des carnets de l'artiste.

Fruit du monumental travail de Louis Charbonneau-Lassay, Le Bestiaire du Christ fut publié pour la première fois en 1941. Deux ans plus tard, la quasi totalité de cette édition périssait dans le bombardement de la ville de Bruges, ainsi que tous les bois qui avaient servi à orner de 1127 gravures ce traité sur la symbolique zoologique lié au Christ. Voici aujourd'hui ce trésor ressuscité. Le Bestiaire du Christ ne constituait, aux yeux de l'auteur, que le premier volet d'une investigation sans précédent, à laquelle il consacra toute sa vie de chercheur, et qui devait se poursuivre par un Vulnéraire du Christ, un Floraire et un Lapidaire. Pour mener à bien cette entreprise, il mentionnait, parmi les sources consultées, les mythes des religions pré-chrétiennes, les livres sacrés des deux Testaments, les doctrines des anciens gnostiques, les études médiévales, les premiers mémoires d'explorateurs, le folklore, ainsi que les informations fournies par une communauté initiatique médiévale, toujours vivante dans les années 1930. Héritiers de ces multiples savoirs dont Charbonneau-Lassay s'attachait à retracer la genèse, les artistes du Moyen Âge ont réussi à exprimer, à travers leurs symboles, les enseignements les plus subtils de la théologie et les élans de la mystique universelle. Synthèse de ce langage millénaire éclairé par les disciplines les plus variées, le Bestiaire apparaît aujourd'hui comme un document exceptionnel enfin accessible.

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Il est devenu banal de dire que nous sommes entrés dans la «civilisation de l'image». Les images animées, numériques, virtuelles façonnent notre monde avec une force sans précédent. Mais elles s'enracinent aussi dans une longue histoire, où la chrétienté médiévale a joué un rôle décisif : en osant - contre le vieil interdit biblique - faire et «adorer» les images, et même donner figure humaine au Dieu incarné, le Moyen Âge a ouvert d'immenses possibilités à la création plastique et à l'imaginaire individuel et social.Ce livre s'attache à saisir ensemble, dans leur développement historique, les conceptions de l'imago médiévale et les pratiques rituelles (religieuses ou politiques) et fantasmatiques dont les images furent l'objet depuis le Haut Moyen Âge jusqu'à la Renaissance et la Réforme. Aux images matérielles, en deux ou trois dimensions, l'auteur associe les images visionnaires et oniriques qui permettaient de les légitimer et de se les approprier, comme s'il s'agissait de personnes vivantes, douées de corps et de sang, de parole et de mouvement...L'image est l'une des manières par lesquelles une société se re-présente le monde, c'est-à-dire se le rend à nouveau présent pour le penser et agir sur lui.

Que représente l'art en France après la Seconde Guerre mondiale ? On a beaucoup parlé de reconstruction à propos de cette période, mais le terme limite considérablement le paysage réel car il ne dit rien du désastre, si bien traduit dans les oeuvres d'art qui sont comme l'envers du décor.Encore une fois, ce sont les oeuvres des artistes - dont le métier est de dire l'indicible - qui livrent le plus justement les signes de la libération et de la joie, de la misère et de la colère, de l'amertume, du doute, de la fragilité, du trauma profond, de la mémoire du génocide et de la violence de guerre. L'auteur montre à quel point ces années sont dominées par une forme de liberté étrange où l'art n'a plus à respecter quoi que ce soit après avoir failli disparaître : attaqué, instrumentalisé, censuré par tous les pouvoirs à vocation totalitaire en Europe depuis les années 1920Que le retour aux origines, l'automatisme et l'expressivité sous toutes ses formes dominent une large part de la production des artistes après la guerre, rien de surprenant. Malgré toute la littérature fondée sur le poncif d'une France raisonnable et cartésienne, l'art est fait d'excès, de fureurs et d'hybridations : il n'est pas plus homogène que cette identité nationale dont l'Etat français sous Vichy avait espéré la purification Il ne répond plus aux traditions usées par la catastrophe qui vient de se produire. Il est comme la réaction contre les années sordides , comme les appelait André Pieyre de Mandiargues.

Jeune G.I. américain arrivé à Paris à la fin de la Seconde Guerre mondiale, James Lord a été très vite introduit dans le milieu artistique si fécond de l'époque. Il rencontre peu à peu de nombreux peintres qui tous feront son portrait, de Balthus à Picasso. Il a aussi posé pour Giacometti dont il deviendra un des plus fidèles amis et le biographe. Pendant les longues heures de pose, James Lord a approché au plus près la quête désespérée de l'artiste qui semblait détruire sans cesse ce portrait, comme pour saisir une réalité qui s'effaçait de la toile au fil des jours. Au début de chaque pose, le modèle photographiait l'oeuvre, et les états successifs de ce portrait accompagnent ce saisissant «journal» de la démarche créatrice d'un des grands artistes du XX? siècle. Suit un récit non moins passionnant, celui de la rencontre, dès 1945, par notre amateur d'art, de deux monstres sacrés, Picasso et Gertrude Stein. James Lord décrit avec vivacité, humour et quelquefois tendresse, la vie de ces deux curieuses dames américaines, Gertrude Stein et Alice Toklas. Comme l'écrit l'auteur, les brèves évocations d'Alberto, Gertrude et Alice rassemblées ici «forment un ensemble parce qu'il est question de la même chose : de l'acte créatif, de ses origines, motivations, secrets et effets».

Célèbre pour ses têtes composées à partir de plantes, de fruits ou d'animaux, arcimboldo - né en 1526 à milan - fut l'un des esprits les plus fertiles et talentueux de l'époque maniériste.Il jouit déjà d'une grande renommée quand il entre, en 1562, au service de la cour des habsbourg. pendant plus de 25 ans, il y recevra tous les honneurs, dont la charge de portraitiste de la famille impériale, et celle des fêtes qui rythment la vie de la cour, à vienne comme à prague. adulé de son vivant, notamment pour ses séries des saisons et des eléments, arcimboldo le merveilleux fut redécouvert dans la première moitié du xxe siècle par les surréalistes, qui virent en lui l'un des précurseurs de l'art moderne.

Exploration unique des arts visuels aux XXe et XXIe siècles, la collection portugaise de José Berardo alterne les oeuvres des plus grands artistes mondiaux avec une sélection d'artistes portugais en privilégiant une vision transversale qui se joue des thématiques. Aux avant-gardes des années 1900 à 1930, représentées entre autres par Picasso et Mondrian, succède la révolution surréaliste qui offre une vision nouvelle de l'objet, en particulier avec Mirô et Man Ray. Sans omettre les continuateurs de l'art figuratif, Balthus en tête, la collection se transporte dans l'univers du jetable, du commercial représenté par le pop art de Warhol et de Lichtenstein. Aujourd'hui encore, ce tonds exceptionnel accueille des oeuvres contemporaines en mettant l'accent sur la photographie et les installations combinant différents médias. Regroupement singulier, la collection Berardo, qui dispose aujourd'hui d'un grand musée à Lisbonne propose un parcours subjectif jalonné d'oeuvres d'artistes majeurs dans l'histoire de l'art contemporain.

Picasso, le plus inventif des peintres du xxe siècle, est aussi celui qui a le plus fortement exprimé sa dette envers les artistes du passé.De velàzquez, et ses célèbres ménines, greco, zurbaràn et goya - peintres familiers au temps de son enfance espagnole - à ingres, delacroix et manet, découverts à son arrivée à paris, il n'a cessé de procéder à une relecture de la peinture par la peinture, en particulier dans les années 1953-1961. dans ses autoportraits comme dans ses natures mortes ou ses nus, les sources de son inspiration sont évidentesRembrandt, cézanne, goya, van gogh sont à la base de variations sur le portrait - bodegones du xviie siècle et natures mortes cézanniennes lui ont inspiré la thématique des choses, tandis que ses grands nus renvoient aux vénus de titien, à la maja desnuda de goya, ou encore à la grande odalisque d'ingres et à l'olympia de manet. la série de ses quinze toiles sur les femmes d'alger est une variation sur le tableau de delacroix, de même qu'il a décliné le déjeuner sur l'herbe de manet en un cycle de vingt-sept peinturesUn cannibalisme pictural sans précédent dans l'histoire de l'art.

Que fait-on quand on regarde une peinture? À quoi pense-t-on? Qu'imagine-t-on? Comment dire, comment se dire à soi-même ce que l'on voit ou devine? Et comment l'historien d'art peut-il interpréter sérieusement ce qu'il voit un peu, beaucoup, passionnément ou pas du tout?En six courtes fictions narratives qui se présentent comme autant d'enquêtes sur des évidences du visible, de Velazquez à Titien, de Bruegel à Tintoret, Daniel Arasse propose des aventures du regard. Un seul point commun entre les tableaux envisagés:la peinture y révèle sa puissance en nous éblouissant, en démontrant que nous ne voyons rien de ce qu'elle nous montre. On n'y voit rien! Mais ce rien, ce n'est pas rien.Écrit par un des historiens d'art les plus brillants d'aujourd'hui, ce livre adopte un ton vif, libre et drôle pour aborder le savoir sans fin que la peinture nous délivre à travers les siècles.

«Je crois à la résolution future de ces deux états, en apparence si contradictoires, que sont le rêve et la réalité, en une sorte de réalité absolue, de surréalité, si l'on peut ainsi dire. C'est à sa conquête que je vais, certain de n'y pas parvenir mais trop insoucieux de ma mort pour ne pas supputer un peu les joies d'une telle possession.»Des projets et des promesses du premier Manifeste du surréalisme (1924) aux prises de position, politiques et polémiques, affirmées dans le Second Manifeste du surréalisme (1930), se dessine ici une théorie de l'expérience esthétique qui a bouleversé tous les domaines de la création au XX? siècle.

Avec l'enthousiasme, l'audace et l'érudition qui ont fait le succès d'On n'y voit rien, Daniel Arasse invite son lecteur à une traversée de l'histoire de la peinture sur six siècles, depuis l'invention de la perspective jusqu'à la disparition de la figure. Évoquant de grandes problématiques - la perspective, l'Annonciation, le statut du détail, les heurs et malheurs de l'anachronisme, la restauration et les conditions de visibilité et d'exposition - mais aussi des peintres ou des tableaux précis, il fait revivre avec perspicacité et ferveur plusieurs moments clés, comme Léonard de Vinci, Michel-Ange, le maniérisme, ou encore Vermeer, Ingres, Manet. Son analyse se nourrit constamment d'exemples concrets - La Madone Sixtine de Raphaël, La Joconde, la Chambre des époux, de Mantegna, Le Verrou de Fragonard... - avant de conclure sur quelques aspects de l'art contemporain.Le lecteur retrouvera le goût de mieux voir de grands épisodes de la peinture, grâce à une approche sensible et ouverte. Toujours il sera surpris, réveillé, entraîné dans un véritable enchantement d'intelligence et d'humour.Ce livre est la transcription de vingt-cinq émissions proposées par l'auteur sur France Culture pendant l'été 2003.