Écrits sur l'art

La quasi obsession de Bruno Smolarz pour Morandi a commencé par une rencontre fortuite dans un musée de Londres en 1970. Ce fut d'emblée un saisissement. Ce texte provient d'une lente méditation, fidélité de ce qu'on a aimé et qui résiste au temps, et s'y déploie.Mais comment parler de Morandi dont la vie est à l'image de sa peinture : discrète, intime, secrète et silencieuse, presque évanescente, toute en promesse et en retenueBruno Smolarz parie sur le temps, il épouse les heures et les jours, les inflexions douces de la lumière et des saisons. Il recueille les témoignages de ceux qui ont approché le peintre dans la vie ou dans la passion de la peinture. On retrouve Braque ou Nicolas de Staël, les ors de Giotto ou les nuits de Leopardi, mais aussi la courbe d'une colline près de Bologne et le chant des rossignols« La peinture, disait Alberti en 1450, a moins pour but de représenter les choses qui tombent sous le sens de la vue que tout ce qui est matière de pensée. » Il en va de même pour la littérature.

Vous souvenez-vous des couleurs de votre enfance ? Comment la couleur s'inscrit-elle dans la mémoire ? Comment est-elle capable de l'influencer ? de la stimuler ? de la modifier ? Elle-même, échappe-t-elle au travail du temps ?Pour tenter de répondre à ces questions, Michel Pastoureau nous propose un journal chromatique, s'étendant sur plus d'un demi-siècle.Fait de souvenirs personnels, de notations prises sur le vif, de propos débridés, mais aussi de digressions savantes ou de remarques propres au sociologue, à l'ethnologue ou au linguiste, il retrace l'histoire des couleurs en France et en Europe depuis le milieu du XXe siècle. De nombreux champs d'observation sont évoqués ou parcourus : le vocabulaire et les faits de langue, la mode et le vêtement, la vie quotidienne, le sport, la publicité, les drapeaux, la peinture, la littérature, l'histoire de l'art.

Quand Serge July propose à Bernard Dufour d'écrire pour Libération, celui-ci accepte avec joie : Cette collaboration m'excita beaucoup. Répondre à une commande venue d'ailleurs m'amena à réfléchir intensément à une question et à y répondre précisément et de manière concise. D'autres journaux lui font la même proposition, dont Art press, auquel Bernard Dufour collabore encore aujourd'hui (il vient de participer au numéro hors série sur les artistes et la littérature actuellement sous presse). Regroupant une quarantaine d'articles de Bernard Dufour parus dans différents journaux (Libération, La Nrf, Le Nouvel Observateur, Travioles, Art press...) et sur des sujets aussi variés que la photographie amateur, Rubens ou Antonio Lobo Antunes, ce livre propose également les entretiens que l'artiste a accordés à la presse. Ces derniers ont été conduits par Michel Butor, Pierre Cabanne, Jean Clair, Alain Jouffroy, Philippe Sollers, Jacques Henric..Les différents articles écrits par Bernard Dufour ainsi que les entretiens - plus d'une quizaine - qu'il a accordés, parus dans la presse, de la fin des années cinquante à nos jours. Le regard de Bernard Dufour sur la création et l'actualité picturale, photographique et littéraire.

Le livre évoque une controverse artistique et intellectuelle qui traverse notre époque sous l'angle particulier du lien qui existe entre la création, l'art et le sacré.Depuis plusieurs décennies existent des relations nouvelles entre le religieux, le sacré et l'art subventionné par l'Etat. C'est au départ une querelle de clercs, mais elle apparaît aujourd'hui de façon récurrente dans les grands médias. Trois scandales récents ont entraîné des réactions de la rueLe livre commence par l'évocation des affaires « Piss Christ », Castellucci (« Sur le visage du Christ ») et Garcia (« Golgotha picnic »)..Un art, subventionné par l'Etat, fondé sur le choc, le blasphème et la provocation, pose désormais problème. Le phénomène dépasse le milieu de l'art de l'Eglise et du Ministère de la culture et rejoint les préoccupations de l'homme ordinaire. Ces spectacles sont très visibles grâce à l'argent public et remettent en cause les valeurs, les croyances et l'imaginaire de chacun.

Les écrits sur l'art ne sont pas l'apanage des critiques.
De Guillaume Apollinaire à Georges Didi-Huberman, en passant par Walter Benjamin, Louis Aragon, Samuel Beckett, Michel Butor, Francis Ponge ou Yves Bonnefoy, poètes, philosophes et écrivains ont tissé des liens souvent très étroits avec les artistes de leur temps. Dans un subtil jeu de correspondances et dans une même aspiration à la modernité, ils n'ont cessé de prendre la plume pour faire comprendre l'oeuvre de leurs "alliés substantiels", selon la belle formule de René Char.
Ainsi, Jean Paulhan rend hommage à Braque, Michel Leiris traduit la peinture de Bacon, Philippe Sollers se passionne pour De Kooning et Sartre interprète les sculptures de Giacometti. Sélectionnés et commentés par l'historien de l'art Pierre Sterckx, ces morceaux choisis proposent une lecture poétique et philosophique de l'art du XXe siècle et mêlent "le plaisir du texte", pour citer Roland Barthes, à celui de l'image.

Des grottes de lascaux révélées par georges bataille aux dessins de cy twombly décryptés par roland barthes, écrivains, philosophes, poètes, historiens de l'art ont pris la plume pour éclairer les oeuvres et les artistes qui les inspirèrent.Ainsi, diderot dévoile chardin, zola et mallarmé défendent manet, rilke rend hommage à rodin, arasse réinterprète la joconde. articles de presse, comptes rendus de salons, poèmes extraits de romans, essais, la critique d'art s'écrit de mille façons. cette anthologie illustrée propose un florilège de 70 chefs-d'oeuvre qui ont fasciné les grands auteurs et constitue une nouvelle histoire de la critiqueSélectionnés et commentés par pierre sterckx, illustrés par l'oeuvre décrite, ces morceaux choisis célèbrent les noces de l'art et de la littérature.

L'auteur présente des oeuvres qui ont transformé son regard de critique et qui ont bouleversé sa pensée et sa compréhension du monde. Chaque oeuvre est analysée en deux temps. Le premier temps concerne le contexte historique et analytique, le deuxième inscrit chaque oeuvre au sein d'une constellation iconographique et textuelle de référence.

le dire de segalen dans les origines de la statuaire de chine n'est plus celui de l'archéologue : il est celui de l'inventeur d'histoire - inventeur de l'histoire - qui substitue le mentir-vrai de la légende au rapporté-faux du chroniqueur.Bien plus : ce mentir-vrai repose sur un cheminement personnel qui est au fond une manière de carnet de route de l'imaginaire au sein du pays du réel. segalen se raconte à la rencontre du tumulus fabuleux oú repose le souverain iconoclaste et premier et, ce faisant, de la trouvaille première à l'échec final, nous montre que seule est vraie l'idée qu'il a de la statue perdue. segalen aurait-il trouvé les licornes de légende qu'il cherchait qu'il n'aurait pu mieux nous dire la nécessaire révélation.

L'immense culture de Kenneth Clark - historien d'art anglais - et la beauté de son style nous entraînent dans les paysages qui ont inspiré peintres, graveurs et enlumineurs, des feuillages des manuscrits du Moyen Age, aux lumières du Nord, des verts bleutés de la Sainte-Victoire de Cézanne, en passant par les recherches sur la perspective et la couleur de la Renaissance italienne, de Turner ou de Van Gogh. Tout au long de ce traité d'une érudition non tapageuse, la nature se révèle à nous comme une composante essentielle de l'histoire de l'art et de notre sensibilité.

« Ces Mémoires forment à la fois une autobiographie étonnamment révélatrice et une curieuse peinture des milieux artistiques au cours de ces cinquante dernières années... On sent que l'auteur a éprouvé à écrire ce livre un immense plaisir, que les souvenirs se sont ajoutés aux souvenirs, les portraits au burin à ceux de l'aquarelle et que chaque phrase fut prise et reprise cent fois. Un livre écrit dans la joie est souvent divertissant : on ne s'ennuie pas une seconde en compagnie de M. Vollard. »Georges CharensolGénial précurseur parmi les marchands d'art, découvreur de talents, inventeur de « l'artiste moderne », Ambroise Vollard (1866-1939) fut également un conteur hors pair. Dans ces souvenirs à bâtons rompus, le galeriste retrace son parcours et relate, avec humour et nonchalance, ses rencontres, ses relations avec des artistes comme Manet, le Douanier Rousseau, Degas et Maillol, Renoir et Rodin, ses conversations avec Mirbeau et Mallarmé, et les confidences qu'il reçut de ses artistes. Personnage intuitif et audacieux, Vollard, qui fut également un des plus grands éditeurs d'art, initie avec cet ouvrage le genre de la biographie d'artiste. Mêlant les anecdotes pittoresques aux analyses visionnaires, ces Souvenirs d'un marchand de tableaux demeurent un document irremplaçable sur la naissance de l'art moderne autant qu'un témoignage unique sur la vie artistique et intellectuelle du XXe siècle« Une lecture édifiante. » Le Point.

Nos contemporains ont une prédilection pour l'art médiéval et enparticulier pour l'art roman. Mais cet art roman que nous voyons autourde nous et que les médias nous montrent sans cesse n'est pas toujourscelui de la vie quotidienne des gens du Moyen Âge. Fruit de restaurationssuccessives, de l'évolution de la recherche et des fluctuations du goût,notre vision n'est au fond qu'une construction intellectuelle qui repose sur des mythes romantiques, des connaissances partielles et desrestitutions délibérées qui n'ont pas grand-chose à voir avec l'étude de l'art.C'est à bon droit que ce livre au titre provocateur évoque les multiplescourants qui ont contribué à « inventer » l'art roman, qu'il dénonce demultiples erreurs historiographiques et dégage les aspects de la personnalitédu véritable « art roman »Xavier Barral i Altet, médiéviste de renommée internationale dontles ouvrages sont traduits dans de nombreuses langues, tranche sur denombreuses questions controversées, comme la célébrité des artistes, laplace de la femme dans l'univers misogyne de l'époque, la polychromiedes édifices, la surenchère des pèlerinages ou l'importance de l'or dans lacréation. La « laideur » de l'art roman contrasterait-elle avec la « beauté »d'un art gothique qui a inventé l'église de verre et a mis en place la théologiede la lumière ? En dessillant nos yeux blasés, l'auteur nous convieà une véritable redécouverte.

« Quand je serai mort, expliqua un jour Courbet pour justifier son refus de la Légion doehonneur, il faudra quoeon dise de moi : celui-là noea jamais appartenu à aucune école, à aucune église, à aucune institution, à aucune académie, surtout à aucun régime, si ce noeest le régime de la liberté. » La liberté ! Tel est bien loehorizon du peintre le plus fougueux et le plus anticonformiste du XIXe siècle français.Né en 1819 à Ornans, fils de cultivateurs, passionnément attaché à ce pays franc-comtois qui loea vu naître, Gustave Courbet aura fait vaciller à lui seul, et sans préméditation, les canons français du bon goût et de loehonnêteté bourgeoise.Sa vie est tout entière placée sous le signe du scandale. Non que loeintéressé loeait vraiment cultivé, mais parce que sa peinture choque. La raison ? Il peint des nus réalistes. Il peint le peuple. Il peint ce quoeon ne montre pas, ce qui noeest pas réputé convenable. Et avec quelle puissanceFaut-il soeétonner que cet homme-là, réfractaire à la morale, à la religion et à loeécole, se soit engagé si fermement sous la Commune ? Débute alors pour lui un autre combat, contre les bien-pensants toujours, mais à balles réelles cette foisoeCe livre, fondé sur un travail doearchives sensationnel, raconte loehistoire vibrante de loeun des grands mythes français du XIXe siècle. Une histoire dont les premiers rôles sont tenus par Delacroix, Baudelaire, Ingres, Corot, Proudhon, le fidèle Champfleury, Manet, loeadmirable Jules Vallès, mais aussi tous ces anonymes qui surent tenir tête à loeétroitesse doeesprit. Et que Courbet y soit peint à beaux traits contrastés ? gros buveur, doeune belle cordialité et fort bienveillant côté lumière, mais aussi profondément égocentrique et calculateur ? font de cette imposante biographie du peintre une oeuvre riche, dense et vraie, promise à fixer pour la postérité la grandeur de celui qui, le premier, osa peindre le sexe doeune femme ? et loeintituler LoeOrigine du monde.Avec un cahier doeillustrations couleur de 12 pages.

En septembre 1945, Alberto Giacometti retrouve son atelier parisien, dont la guerre l'a tenu éloigné. Dans ses bagages, il rapporte ce qu'il n'a pas détruit, soit peu de choses : des têtes et des personnages en pied qui tiennent dans des boîtes d'allumettes. Il reprend aussitôt son travail sur la figure humaine. Sa perception de l'espace se trans­forme soudain. Durant l'année 1946 il trouve enfin sa voie. Il parvient à inventer une forme qui résume tout l'homme et sa condition : l'homme dans son extrême dépouillement, solitaire, frêle et puissant, en mouvement, pensant. C'est un coup de maître. L'Homme qui marche, cette haute figure aux longues jambes, la tête si loin des pieds rocheux, c'est vous, c'est moi. C'est l'artiste lui-même. Nous nous reconnaissons en lui. Mais sait-on bien d'où il vient ?Dans ces pages, Franck Maubert, auteur du récit Le Dernier Modèle (prix Renaudot essai 2012), va à sa rencontre et l'interroge. Il nous raconte l'histoire fascinante de ce chef-d'oeuvre, les circonstances de sa création, les sources qui l'ont inspirée et sa trajectoire dans les deux dernières décennies de la vie de Giacometti.

Voici une fresque dont les héros s'appellent Malraux, Saint-Exupéry, Dos Passos, Prévert, Hemingway, Orwell, Dali... Voici un kaléidoscope d'enthousiasmes et d'illusions tendu entre la montée du fascisme et la guerre d'Espagne, entre la tentation communiste et un désir de révolution sociale, morale, artistique, politique...Voici un livre où l'on passe de l'après-guerre à l'avant-guerre. Du rêve à l'apocalypse. De l'anecdote à la passion et à l'idéologie. L'amour, la légèreté et l'imminence des drames y battent la mesure à un rythme d'enfer...Voici encore, par séquences brèves, des images, des situations, des indiscrétions qui résument ce temps déraisonnable : là, Aragon vend son âme à Staline

Notre ignorance quasi totale de l'identité des sculpteurs de Chartres, de l'architecte de la Sainte-Chapelle ou des enlumineurs des grands manuscrits à peinture n'est pas le fruit de lacunes documentaires, mais du faible intérêt porté par les hommes du Moyen Age à ceux que nous appelons les artistes. Plus exactement, ils estiment que le seul véritable créateur est le commanditaire, celui qui a voulu l'oeuvre et l'a financée, et c'est lui que nomment les sources.Intellectuel (quand il est homme d'Eglise) ou bien détenteur de la puissance publique, il n'est pas un mécène qui permet à l'artiste de s'exprimer, mais un maître d'ouvrage qui trace un programme précis à l'intention du peintre, du sculpteur ou de l'architecteDe ceux-ci il n'attend qu'une seule chose : l'excellence manuelle dans l'exécutionDans les derniers siècles de l'Antiquité, la création artistique se trouve entre les mains du pouvoir impérial, puis passe, sous les Mérovingiens et plus encore sous les Carolingiens, à celles des rois, enfin à celles des abbés et des évêques, avant de revenir - comme dans l'Allemagne ottonienne ou la France de Saint Louis - au roi. C'est seulement avec l'apparition, aux XIVe et XVe siècles, d'une société civile qui se détache peu à peu de l'Eglise et de la monarchie que la création s'affirme en tant que telle. Le mouvement est alors lancé : avec le Quattrocento italien puis la Renaissance, on assiste au véritable sacre de l'artisteL'approche, très novatrice, d'Alain Erlande-Brandenburg enrichit la réflexion traditionnelle sur le jeu des styles ou des formes, elle affine la reconstitution (chronologique) des filiations et des influences

Ce n'est pas une biographie de George Sand, et pourtant, on y lit quelques épisodes saillants de son histoire. Ce n'est pas du théâtre, et cependant, on y entend la voix de George et celle de Pierre Balandard, marionnette de Maurice Sand. Ce n'est pas non plus un roman, même si certains personnages sont fictifs... Ce n'est pas davantage un guide de Nohant, quoiqu'on s'y promène de pièce en pièce... Alors, de quoi s'agit-il ?Une femme se fait enfermer à Nohant, après l'heure des visites touristiques. La nuit tombe, des voix se lèvent avec la lune: le fantôme de Sand sort de sa tombe

Jean Giono, ce voyageur immobile, a vecu de 1930 jusqu'a sa mort en 1970 au Parais, dont il detestait s'eloigner.C'est l'une des rares, peut-etre meme la seule maison, ou fut ecrite toute l'oeuvre d'un ecrivain. Sa fille Sylvie retrace la vie litteraire et familiale qu'abriterent ces murs, en nous faisant deambuler de piece en piece au rythme des mutations de la maison comme de son pere. Anecdotes et extraits litteraires, s'entremelent pour tracer le portrait dfun homme contraste et l'atmosphere d'une maison haute en couleurs, ou cohabitaient plusieurs generations. Car Giono avait besoin de calme autant que de la rumeur familiale. Il avait surtout besoin du soutien permanent d'Elise, son epouse, dont Sylvie Giono nous livre ici quelques ecrits inedits. Dans le regard de cette fille aimante mais lucide, le Parais portait bien son nom car l'ame de ce lieu residait dans la personnalite de son pere  toujours attentif, en meme temps que dans ses reves, ailleurs .