Écrits sur l'art

Au coeur du mystère du mal qui traverse notre monde, comment envisager la beauté ? Et, allant plus loin, comment la dévisager en vérité, sans fuite ni artifice ? A travers une méditation aux confins de l'Occident et de la grande tradition chinoise, François Cheng invite à cette authentique contemplation. Car par-delà la création artistique, la sainteté révèle la beauté de l'âme et se découvre l'autre mystère, celui du Beau qui justifie notre existence terrestre. Alors, nous ne pouvons entrer que pas à pas dans ce qui nous dépasse et nous transfigure. L'oeil ouvert et le coeur battant.

S?élabore un système de communication et de représentation des pouvoirs qui lie le politique et le religieux à la création artistique. Ainsi, pendant des siècles, la création est-elle assujettie à des mécanismes de soumission et d?aliénation, la notion de liberté étant reléguée à un arrière-plan très lointain ? si tant est qu?elle existe. Objectivement l?artiste subit des conditions d?exploitation et de dépendance matérielle induisant, pour sa survie, davantage un esprit d?approbation que de libre création ou de contradiction. Musique, danse, peinture, sculpture, architecture, littérature : dans la totalité du champ artistique, cet essai nous le montre, les émotions, les signes, les symboles, les rituels ont donc été instrumentalisés et mis au service d?un narcissisme politique promoteur de relations aussi bivalentes qu?ambiguës entre l?art et l?autorité, le soutien mécénal relevant ainsi rarement de préoccupations esthétiques en première intention.Si, au travers de la commande, l?artiste souhaite légitimement manifester son propre talent, il lui faudra choisir entre les trois options qui s?offrent à lui : la servitude, l?indifférence ou la contestation.

Voici un livre que les architectes et étudiants en architecture garderont à portée de main, dans leur studio de création ou sur les bancs de leur école d'architecture. Ces 101 principes de conception, dessin, création et présentation - du basique Comment tracer un trait au plus complexe Théorie de la couleur- fournissent les réponses clé-en-main de la science architecturale, en rendant immédiatement visualisable ce qui est trop souvent confus ou abstrait en architecture. Chaque principe est présenté sur une double page, avec son énoncé, une brève explication et une illustration, simple schéma ou dessin plus sophistiqué. Tous les architectes - des praticiens les plus expérimentés aux étudiants, en passant par un plus large public curieux et passionné par l'achitecture - trouveront dans cet ouvrage une source d'inspiration et, à tout le moins, un rappel des principes fondamentaux, même lorsqu'ils devront résoudre un problème architectural complexe.

Du début de la Première guerre mondiale à la fin de la seconde, un tableau de la société artistique française, avec des portraits innombrables tracés d'une plume aussi subtile dans l'écriture que dans les dessins qui firent la première réputation du peintre et du décorateur Jean Hugo.

Avec L'Origine de la perspective, Hubert Damisch n'a pas pour projet d'écrire une histoire de la perspective, mais plutôt, pour reprendre le titre de Machiavel, une suite d' histoires perspectives . Des histoires, dans leur variété, leur multiplicité, leur différence, qui auront trait précisément à la prétention qui fut alors celle de la peinture, à une manière nouvelle de vérité. Du dispositif de Brunelleschi aux Ménines de Velázquez, l'histoire de la perspective, constituée au Quattrocento, se révèle plurielle, à l'opposé d'un récit linéaire et évolutionniste. Hubert Damish livre un essai passionnant, dans lequel la géométrie rencontre le théâtre et où la psychanalyse en appelle à la peinture, pour définir cette essentielle ligne d'horizon.

En France, qui dit romantisme dit Delacroix, Victor Hugo, le spleen, le goût de la ruine, l'attirance de la nuit, pour la mort. Autant d'images toutes faites, et de clichés. Mais alors qu'est ce que le romantisme ? et tente de montrer que le romantique se construit sur la subversion de l'image néo-classique.En se concentrant sur l'Allemagne - Caspar David Friedrich, Goethe... - et l'Angleterre - William Blake, John Consatble... -, les deux pays où s'inventent conjointement une nouvelle pratique et une nouvelle théorie de l'art, Pierre Wat en propose une définition opéranteLe romantisme est un art nouveau pour un monde nouveau. Un art qui détruit la norme classique, et un art sans norme mais éternellement classique. Un art absoluC'est à l'histoire esthétique de cette naissance et de son ambition qu'est consacré Naissance de l'art romantique - Peinture et théorie de l'imitation.

Témoins de l'Histoire, les ruines conjuguent savoir et imaginaire, fascinant artistes et écrivains. Depuis la Renaissance, chaque époque a projeté sur les ruines sa vision du temps, de la grandeur, de la décadence, de la nature et de la destinée humaine. Puisant dans tous les domaines de la création occidentale, de la peinture à l'art des jardins, Ruines décrypte les significations symboliques, philosophiques et culturelles de leurs représentations artistiques, sans oublier le débat théorique sur leur conservation et leur restauration. Figure du fragment et allégorie de la temporalité, la ruine est aussi un objet conceptuel

La question de l'intimité du rapport entre les oeuvres et leurs auteurs ou commanditaires se pose, à la renaissance, de manière cruciale : l'expression individuelle de l'artiste devient en effet à cette époque un facteur reconnu - et apprécié - dans la genèse et la forme des oeuvres d'art.Le sujet dans le tableau propose sept études de cas oú un emploi analytique de l'iconographie permet de distinguer comment, en s'appropriant le sujet (manifeste) de son oeuvre par le trouble qu'il introduit dans son énoncé, l'artiste ou le commanditaire y marque sa présence comme celle du sujet (latent) de son énonciation. qu'en a-t-il été de michel-ange et de son moise ? de titien dans son allégorie de la prudence ? de giovanni bellini dans sa dérision de noé ? mais aussi de mantegna dans ses signatures ou du prince frédéric de montefeltro dans le désordre du studiolo d'urbino ? un champ s'ouvre à l'analyse et à l'interprétation historiques : celui des investissements psychiques ou autres dont les oeuvres de la renaissance ont été le lieu.

La france filtre.Elle reçoit et elle tamise. de tous les côtés, elle est pénétrable. ses ouvriers, sûrs d'eux-mêmes, se servent à droite et à gauche, comme si tout leur appartenait de droit. en art, il n'y a jamais lieu d'établir des factures et de s'inquiéter de ses dus. on va de l'avant, outil en main. cette démarche est constante dans le pays composite et riche de contraires qu'est la france. si on la néglige, si on cherche une définition de l'art français en dehors de ces mouvements d'acquisitions et de filtrage, on n'arrive qu'à une notion pauvre et plutôt décevante, qui s'épuise vite dans la célébration de la finesse et de la clarté.

l'historien d'art [.] devra accepter certains faits fondamentaux

Cet ouvrage ouvre un champ nouveau de l'histoire de la peinture : le détail, vu inopinément ou peu à peu découvert, identifié, isolé, découpé de son ensemble, met en question les catégories de l'histoire de l'art qui semblent avoir été établies « de loin ». En étudiant les différents statuts du détail, Daniel Arasse propose une autre histoire de la peinture : une histoire rapprochée des pratiques du pinceau et du regard.

Depuis plus de quarante ans, Ernest Pignon-Ernest investit les villes - de Paris à Naples, de Nice à Ramal- lah, de Montauban à Soweto - en apposant ses images sur leurs murs. Loin des musées, les oeuvres de ce pionnier du street art - images peintes, dessinées, sérigraphiées sur papier, multipliées à des dizaines d'exemplaires, collées dans des lieux très précisément choisis - se fondent dans l'architecture et métamor- phosent l'espace public en espace plastique. Qu'elles traitent de réalités sociales (les expulsés, l'avorte- ment, le sida), de poétique (Rimbaud) ou de musique (Jimmy Hendrix), de politique (la Commune, l'apar- theid), c'est toujours par le lieu où elles sont installées que ces images prennent tout leur sens.Ce livre propose une large sélection de ces oeuvres éphémères, en les accompagnant de textes d'une cinquantaine d'écrivains, journalistes, philosophes, artistes - Henri Alleg, Mahmoud Darwich, Gisèle Halimi, Michel Onfray, Daniel Pennac, Olvier Py, Lydie Salvayre, Fred Vargas, etc. -, de formes diverses (poèmes, récits ou même essais), dans lesquels chaque auteur revient sur sa rencontre avec l'artiste et l'une de ses oeuvresCette nouvelle édition intègre les derniers travaux d'Ernest Pignon-Ernest et de nouveaux textes parmi lesquels ceux de Julia Kristeva, Pierre Bergounioux ou Philippe Claudel.

André Masson, Giacometti, Picasso, Wifredo Lam, Francis Bacon. Voici, parmi beaucoup d'autres, les principaux artistes que l'on retrouvera au fil des écrits de Michel Leiris, poète, écrivain, ethnologue, qui aux côtés de Louise Leiris, héritière de Daniel-Henry Kahnweiler, animera l'une des plus célèbres galeries d'art contemporain.C'est à un dialogue direct et sans emphase que Michel Leiris s'adonne au fil de ses étonnements, passions, déceptions, clins d'oeil, coups de coeur et coups de griffe. La présentation chronologique de ces critiques permet de suivre comme un récit continu l'aventure de ces amitiés, l'histoire exceptionnellement riche d'une communauté de regards dont chaque texte porte témoignage, des années 1920 aux années 1980Un événement éditorial.

Les familles des plus grands peintres, cinéastes, musiciens et écrivains sont dépeintes à travers l'histoire de l'oeuvre qu'elles ont reçue en héritage, oubliant parfois le destin voulu par le créateur pour s'arroger pouvoir et royalties. De Picasso à Giacometti, d'A. Artaud à Borgès, de J. Joyce à A. Cohen, une plongée dans le monde des arts, aux confins entre esthétique et argent.

Josep Puig i Cadafalch fut, au début du XXe siècle, l'inventeur du "premier art roman". Cent ans après, ces contributions dressent un bilan de ce concept qui, après avoir ouvert des horizons à la recherche, l'a paralysée. Elles confirment l'intuition de l'existence d'un art de bâtir commun à diverses régions, de l'Italie septentrionale à la Bourgogne en passant par la Catalogne.

« Le Cabinet des douze » : que signifie ce titre au parfum d'Alexandre Dumas ? J'ai voulu rassembler ici, comme dans un cabinet d'amateur, douze oeuvres - en réalité, davantage - qui, tout en me touchant personnellement, ont contribué et contribuent à « faire la France ». Un lavis, un pastel, une huile ne sont évidemment comparables ni aux chefs de guerre qui ont dessiné le territoire national à travers les siècles, ni aux femmes et aux hommes qui, plus paisiblement, ont donné à notre pays ses fondements économiques, intellectuels et politiques. L'expression « faire la France » signifie que cette oeuvre a contribué à construire l'imaginaire de notre pays, à fournir à notre collectivité des images qui l'expriment et constituent autant de jalons de notre histoire. Les arts, dans ce domaine, jouent un rôle que n'épuise pas la littérature. Ils montrent siècle après siècle - et notamment la peinture - le réel ou l'idéal d'une nation, sa violence ou son harmonie, ses thèmes dominants ou cachés, ses grands personnages ou ses citoyens ordinaires, parfois tout cela à la fois. J'ai souhaité réunir le temps d'un livre quelques-unes de ces oeuvres, de Le Nain à Soulages en passant notamment par Quentin de la Tour, Ingres, Monet, Matisse, Picasso. et Hergé : autant de moments forts, de traits marquants qui transparaissent d'image en image et participent à l'histoire de notre pays en lui donnant un peu de sa singularité.

Voilà l'été. Berthe Morisot, peintre impressionniste, et Eugène Manet, son mari affable, quittent Paris pour une partie de campagne. Ils posent valises et chevalet dans une maison champêtre, havre d'une douceur estivale propice à toutes sortes d'expérimentations nocturnes.Dans ce roman formant un diptyque avec Trois jours dans la vie de Paul Cézanne, Mika Biermann confond allègrement mots et couleurs, phrases et perspectives, écriture et peintureDe ces pages, comme d'autant de toiles, surgissent des méditations corrosives sur la chair comme matière à peindre.

Une peinture est un tout organisé, un ensemble de formes (lignes, surfaces colorées...) sur lequel viennent se faire ou se défaire les sens qu'on lui prête. Le contenu de cet ensemble n'est pas un équivalent d'émotion, de sensation, il vit de lui-même.Ces relations entre les formes sont un transfert de relations de l'univers à une autre signification. Dans ce qu'elle a d'essentiel la peinture est une humanisation du monde. (Pierre Soulages, 1948) Voici réunis, dans leur variété, leur constante et exemplaire rigueur, quelques-uns des textes et entretiens de Pierre Soulages. Ils explicitent pour nous son oeuvre immense.

En une cinquantaine d'esquisses, qui ont la valeur de motifs aisément mémorisables, Jean François Billeter éclaire le moment historique actuel, la crise que nous traversons et le moyen pour tenter d'en sortir : la critique ne suffit plus, il faut des idées neuves, en particulier une façon juste de se représenter l'être humain et ses besoins. Ces esquisses forment un essai philosophique (car c'est de l'homme en tant que sujet qu'il s'agit) et politique. Elles s'inscrivent dans le prolongement des travaux précédents de l'auteur, mais constituent une proposition nouvelle, présentée avec la limpidité, la sobriété et la clarté dont Billeter est coutumier. Comme Un paradigme, c'est un outil de compréhension de soi et du monde, un livre à conserver, en toutes circonstances.

Qu'a donc « voulu dire » l'artiste ? Qu'a-t-il recherché ? Cette question peut sembler dépassée ou naïve, comme si l'oeuvre se suffisait à elle-même.Pour Alessandro Pignocchi, il est impossible de comprendre nos relations aux oeuvres d'art sans s'interroger sur les intentions de l'artiste. Les avancées récentes en sciences cognitives suggèrent en effet que chaque aspect de notre expérience d'une oeuvre est façonné par les intentions que nous attribuons, pour la plupart inconsciemment, à l'artiste. Nous percevons par exemple, à notre insu, de nombreuses propriétés des oeuvres d'art - les traits d'un dessin, certains aspects de la structure des films ou des phrases d'un roman - comme le fruit d'intentions et d'actions que nous aurions nous-mêmes pu produireRéflexion pluridisciplinaire, cet ouvrage revisite des thèmes classiques de la philosophie de l'art - le concept d'oeuvre, la place de l'auteur, du contexte, le rapport de l'oeuvre au temps, le statut du jugement artistique - et élabore une série d'outils de pensée visant à enrichir nos relations aux oeuvres d'art.

Chaque chapitre de ce livre, qu'il évoque un roman de truman capote ou les esclaves de michel-ange, le théâtre de balzac ou l'album perdu du velvet underground, raconte de façon savoureuse l'histoire singulière d'un inachèvement, les conditions de création d'une oeuvre, les motivations et le projet d'un artiste, les difficultés rencontrées : histoires d'amour, d'argent, de pouvoir, de création.Les oeuvres inachevées exposent leurs blessures et leurs pansements : les échafaudages, les difficultés, les abandons de l'artiste. elles sont dans l'entre-deux, entre le premier jet et le chef-d'oeuvre. plus que les oeuvres achevées, elles révèlent les secrets de fabrication, ou du moins le laissent croire. suspendues dans leur trajectoire, souvent énigmatiques, elles indiquent des directions invisibles et des lignes de fuiteLieux ambigus et émouvants, elles tiennent à la fois du musée et de l'atelier. elles sont toujours disponibles, en attente, comme si quelqu'un allait venir. comme un goût d'imparfait. de partie de campagne de jean renoir à turandot de puccini, des tableaux de turner au dernier film de marilyn, de la cathédrale de sienne à la célèbre sagrada familia de barcelone, temple de l'inachèvement, et jusqu'à l'énigmatique roman 53 jours de georges perec, c'est à une suite de voyages saisissants dans l'histoire de l'art que nous convie ce livre.