Écrits sur l'art

Ou nous ramènerons tous les arts à une attitude et à une nécessité centrales, trouvant une analogie entre un geste fait dans la peinture ou au théâtre, et un geste fait par la lave dans le désastre d'un volcan, ou nous devons cesser de peindre, de clabauder, d'écrire et de faire quoi que ce soit. Antonin Artaud

Si Pierre Soulages est aujourd?hui l?un des peintres les plus connus en France, son ?uvre abstraite, aussi célèbre soit-elle, demeure souvent énigmatique.Mieux connaître ce travail qui a traversé le siècle constitue l?objectif de ce livre écrit par l?historien d?art Robert Fleck, avec un entretien d?Hans Ulrich Obrist, dans un dialogue constant avec l?artisteÀ travers un travail de documentation approfondie mené par Robert Fleck, à partir de ses lectures et des archives inédites de l?artiste, on redécouvre son extraordinaire parcours qui croise tous les grands courants artistiques du sièclePrenant son essor à Paris en 1946, son travail est montré dès 1947 en Allemagne, puis à New York et à la première Documenta de 1955. Il rencontre l?expressionnisme abstrait des artistes américains et allemands, connaît la concurrence directe avec Jackson Pollock, avant une éclipse relative entre 1964 et 1989 qui favorisera le renouvellement pictural qui aboutira aux tableaux intégralement noirs, puis leur dépassement dans l??uvre tardive des dernières années, qui engage de manière inattendue un dialogue direct avec les expériences visuelles de l?âge numériqueLe livre aborde ainsi largement son séjour en Amé- rique après-guerre, ses rencontres artistiques et Hartung, Francis Picabia, Fernand Léger, Sonia Delaunay, Joseph Delteil, Leopold Sendar Senghor, Nathalie Sarraute et bien d?autresLe dernier chapitre, ainsi que l?entretien avec Hans Ulrich Obrist nous invite à une rencontre intime avec le peintre lors de la visite de son atelier à Sète.

Giacometti est l'exemple type de l'artiste aux prises avec les difficultés de la création. À la fois dessinateur, peintre et sculpteur, il a édifié l'essentiel de son oeuvre au cours des vingt dernières années de son existence.Bien que tragique, sa vision de l'homme n'a rien de désespérée. Ses portraits aux regards effarés et qui interrogent, ses sculptures filiformes expriment certes notre solitude, la douleur d'être, la précarité de notre condition, mais ils affirment aussi avec autorité que la vie est finalement plus forte que tout ce qui la ronge et cherche à l'abattre.

Paroles d'artiste fait dialoguer les propos ou écrits d'un artiste avec son oeuvre.

27 mars 1961 : Roger Vailland passe l'aprèsmidi avec Pierre Soulages dans son atelier. Il le regarde peindre, commencer et finir une toile, et note chaque étape de la création.Le lecteur voit Soulages préparer sa toile, ses couleurs, entend ses remarques, découvre sa pensée, suit son mouvementLe texte est suivi d'un article de Vailland paru en 1962 dans Le Nouveau Clarté, mensuel des étudiants communistes, répondant à la question posée par ce même journal quelques mois auparavant : « Pour ou contre Pierre Soulages, peintre abstrait ? Participe-t-il à notre époque ou se réfugie-t-il dans les hautes sphères spéculatives ? Peinture d'initiés ou aventure poétique ? Le Nouveau Clarté engage son procès..» Vailland répond : « Impossible de faire un procès à Soulages. Un procès implique référence à un code et, en matière d'art, à des règlesLa peinture vient seulement de renoncer à décrire et à raconter. » « La peinture qui ne représente rien, qui présente ou se présente tout simplement, est un art tout nouveau : il n'a pas encore de règles. Soulages est parmi ceux qui s'efforcent, en tâtonnant, de découvrir les règles de ce que sera la peinture. » Le volume est préfacé par Alfred Pacquement, directeur du Centre Pompidou. Trois textes, trois prismes par lesquels appréhender la modernité et la force de SoulagesUne exposition présentant les oeuvres les plus récentes de l'artiste et intitulée Soulages, XXIe siècle aura lieu au musée des Beaux-Arts de Lyon du 12 octobre 2012 au 28 janvier 2013.

Or, soleil, chaleur, citron, prospérité, soufre, mensonge, bile, trahison, folie.Des origines à nos jours, une histoire de la couleur jaune racontée par l'historien Michel Pastoureau.

Quand Serge July propose à Bernard Dufour d'écrire pour Libération, celui-ci accepte avec joie : Cette collaboration m'excita beaucoup. Répondre à une commande venue d'ailleurs m'amena à réfléchir intensément à une question et à y répondre précisément et de manière concise. D'autres journaux lui font la même proposition, dont Art press, auquel Bernard Dufour collabore encore aujourd'hui (il vient de participer au numéro hors série sur les artistes et la littérature actuellement sous presse). Regroupant une quarantaine d'articles de Bernard Dufour parus dans différents journaux (Libération, La Nrf, Le Nouvel Observateur, Travioles, Art press...) et sur des sujets aussi variés que la photographie amateur, Rubens ou Antonio Lobo Antunes, ce livre propose également les entretiens que l'artiste a accordés à la presse. Ces derniers ont été conduits par Michel Butor, Pierre Cabanne, Jean Clair, Alain Jouffroy, Philippe Sollers, Jacques Henric..Les différents articles écrits par Bernard Dufour ainsi que les entretiens - plus d'une quizaine - qu'il a accordés, parus dans la presse, de la fin des années cinquante à nos jours. Le regard de Bernard Dufour sur la création et l'actualité picturale, photographique et littéraire.

le dire de segalen dans les origines de la statuaire de chine n'est plus celui de l'archéologue : il est celui de l'inventeur d'histoire - inventeur de l'histoire - qui substitue le mentir-vrai de la légende au rapporté-faux du chroniqueur.Bien plus : ce mentir-vrai repose sur un cheminement personnel qui est au fond une manière de carnet de route de l'imaginaire au sein du pays du réel. segalen se raconte à la rencontre du tumulus fabuleux oú repose le souverain iconoclaste et premier et, ce faisant, de la trouvaille première à l'échec final, nous montre que seule est vraie l'idée qu'il a de la statue perdue. segalen aurait-il trouvé les licornes de légende qu'il cherchait qu'il n'aurait pu mieux nous dire la nécessaire révélation.

Couleur des ténèbres, de la mort et de l'enfer, le noir n'a pas toujours été une couleur négative. Au fil de sa longue histoire, il a aussi été associé à la fertilité, à la tempérance, à la dignité, à l'autorité. Et depuis quelques décennies, il incarne surtout l'élégance et la modernité.Du noir des moines et des pirates au noir des peintres et des couturiers, Michel Pastoureau retrace la destinée européenne et la symbolique ambivalente de cette couleur pas comme les autres. Avec clarté et précision, il s'attache à cerner sa place dans les faits de langue, les pratiques sociales (teintures, vêtements, vie quotidienne), la création artistique et le monde des symboles. Couleur à part entière jusqu'à ce que l'invention de l'imprimerie puis les découvertes de Newton lui donnent un statut particulier, au point de devenir une non-couleur, le noir dévoile ici une histoire culturelle extrêmement riche, depuis les mythologies des origines jusqu'à son triomphe, dans tous les domaines, au XXe siècle.

« Voici, offerte à notre fréquentation contemplative, une oeuvre - une présence, pourrait-on dire - de Pierre Soulages : Peinture, 56 cm x 39 cm, 08/07/2013. Cette petite peinture outrenoire vit, bouge, s'immobilise un instant, souveraine, s'éclaire et s'assombrit, croise en elle, de mille façons au fil du temps, diverses panoplies de l'obscur, du noir, du gris et de la clarté

Au coeur du mystère du mal qui traverse notre monde, comment envisager la beauté ? Et, allant plus loin, comment la dévisager en vérité, sans fuite ni artifice ?À travers une méditation aux confins de l'Occident et de la grande tradition chinoise, François Cheng invite à cette authentique contemplation. Car par-delà la création artistique, la sainteté révèle la beauté de l'âme et se découvre l'autre mystère, celui du Beau qui justifie notre existence terrestre. Alors, nous ne pouvons entrer que pas à pas dans ce qui nous dépasse et nous transfigure. L'oeil ouvert et le coeur battant.Écrivain, membre de l'Académie française, François Cheng a publié notamment Le Dit de Tian-yi, Le Dialogue, À l'Orient de tout et Cinq méditations sur la beauté.

Au-delà des débats sur la crise de l'art ou la mort de l'image qui rejouent l'interminable scène de la fin des utopies , le présent texte voudrait établir quelques conditions d'intelligibilité, du lien qui noue esthétique et politique.Il propose pour cela d'en revenir à l'inscription première des pratiques artistiques dans le découpage des temps et des espaces, du visible et de l'invisible, de la parole et du bruit, qui définit à la fois le lieu et l'enjeu de la politique. on peut alors distinguer des régimes historiques des arts comme formes spécifiques de ce rapport et renvoyer les spéculations sur le destin fatal mi glorieux de la modernité à l'analyse d'une de ces formesOn peut aussi comprendre comment un même régime de pensée fonde la proclamation de l'autonomie de l'art et son identification à une forme de l'expérience collective. (j-r).

Ilia, réalisateur, apprend le décès de son père artiste peintre, mythomane et mégalomane reconnu dans le monde entier. Deux ans après son décès, il s'engage dans la réalisation d'un biopic sur la vie de son père. Au fil du tournage, Ilia, hanté par ses fantômes et ses angoisses, perd le contrôle de ce qu'il souhaitait et imaginait raconter.

Le projet d'un livre sur Rembrandt accompagna Genet durant une dizaine d'années. De sa confrontation directe avec les oeuvres vues dans les musées prenait corps peu à peu cet ouvrage.En septembre 1958, L'Express publiait sous le titre Le Secret de Rembrandt, un découpage d'extraits du livre dont il annonçait la publication prochaine aux Éditions Gallimard. Genet a-t-il alors préféré se ménager le temps de refondre ou de compléter son travail ? Absorbé par son théâtre, a-t-il reporté son projet à plus tardOn sait seulement que, bouleversé par la mort de son ami Abdallah, il se résolut en avril 1964 à détruire le contenu d'une valise pleine de manuscritsNe subsistent que deux fragments publiés en mai 1967 dans la revue Tel Quel sous le titre Ce qui est resté d'un Rembrandt déchiré en petits carrés bien réguliers, et foutu aux chiottes, qui s'ajoutent au Secret de Rembrandt publié en 1958. Avec l'accord de Genet, ces textes ont été insérées respectivement en 1968 et 1979 dans les tomes IV et V de ses oeuvres complètesLa présente édition qui les rassemble pour la première fois tente d'illustrer par un choix de détails significatifs les oeuvres citées, le regard personnel de Genet sur Rembrandt. Un regard autre, et qui va plus loin.

Voici le portrait amoureux d'une ville où l'auteur est né, et qui incarne t ses yeux toute la puissance harmonieuse et mesurée de la civilité. Au lendemain de la guerre où Florence a souffert, le grand juriste, écrivain et homme politique que fut Piero Calamandrei décrit les visages secrets, l'itinéraire de l'histoire et des lieux par quoi Florence oppose aux vicissitudes du monde la permanence de sa profonde humanité.

L'immense culture de Kenneth Clark - historien d'art anglais - et la beauté de son style nous entraînent dans les paysages qui ont inspiré peintres, graveurs et enlumineurs, des feuillages des manuscrits du Moyen Age, aux lumières du Nord, des verts bleutés de la Sainte-Victoire de Cézanne, en passant par les recherches sur la perspective et la couleur de la Renaissance italienne, de Turner ou de Van Gogh. Tout au long de ce traité d'une érudition non tapageuse, la nature se révèle à nous comme une composante essentielle de l'histoire de l'art et de notre sensibilité.

Domaine imparfaitement recensé et inégalement connu, les objets domestiques sont classés selon des critères de fonction, de formes et de matières.La première partie de l'ouvrage traite de l'alimentation, de la cuisine à la table et à tout ce qui s'y rapporte la préparation et la cuisson, la conservation, la consommation et le service. les chapitres suivants sont consacrés à d'autres activités domestiques, liées à la toilette, à la maison, à l'éclairage, au chauffage. cette étude des objets s'inscrit dans le cadre d'une archéologie contemporaine ne s'attachant pas seulement au détruit et à l'enfoui mais aussi au récentElle permet aux archivistes des vies humaines de redécouvrir et de reconstituer certains aspects ignorés ou négligés du quotidien.

«Il ne s'y attendait pas. Et, à vrai dire, il n'y tenait pas. Toutes ces années à fuir, à se draper dans les brumes feutrées de Venise, dans des cathédrales vaporeuses, dans des femmes qui ressemblaient à des paysages. Et ils étaient là. Suppliciés, implacables. Un jour il avait pris son crayon et ils étaient là. Le trait s'était déployé, la mémoire avait repris le pouvoir, l'avait guidé, avait tenu sa main selon la logique impitoyable des cauchemars. Les visages grimaçant au-dessus de cordes de pendus, les corps décharnés, les presque squelettes, les déjà cadavres avaient surgi. Les fantômes avaient pris possession de son refuge, de son abri de papier blanc, et il y avait de quoi se mettre en colère. Mais il devait leur obéir. L'armée des ombres, des assassinés, des génocidés se levait sur le papier. Il retrouvait le coup de crayon halluciné de là-bas, cette possession, cette atroce fascination. La beauté inavouable de l'horreur. Là-bas, c'était aujourd'hui. Il n'avait pas le droit de retenir les fantômes qui tremblaient sous ses doigts.» Sophie Pujas.

Dès la fin du siècle dernier, la nécessité de rompre avec la tradition académiqua conduit les artistes à s'intéresser à d'autres cultures. Le primitivisme a étl'une des réponses à cette recherche d'altérité. Mais certaines expressionparaissaient aussi ouvrir des perspectives nouvelles : l'art populaire, les dessind'enfants, «l'art des fous», l'automatisme, ou encore les graffitis. Le terraiétait ainsi préparé pour la «découverte», par Jean Dubuffet, de ces oeuvretroublantes réunies aujourd'hui sous le terme d'Art Brut. Dès la fin de lSeconde Guerre mondiale, en effet, celui-ci s'intéresse aux travaux réalisépar les pensionnaires d'hôpitaux psychiatriques, aux marginaux (autodidactesprisonniers, inadaptés divers), dont l'inventivité spontanée s'exprime hors dl'«asphyxiante culture». Après deux fructueuses tournées en Suisse où idécouvre Wölfli, Aloïse et Müller, Dubuffet, soutenu par Breton et Paulhanfonde en 1948 la compagnie de l'Art Brut, destinée à compléter les collectionnouvellement constituées, à les exposer et à en faire l'exégèse. Aprède nombreuses péripéties, la collection de l'Art Brut trouve sa place à Lausannen 1976 et connaît un retentissement internationalCet ouvrage, rigoureusement documenté, retrace l'historique de la notiod'Art Brut, mêlée à l'histoire même de son initiateur. On trouvera en annexle portrait d'un grand nombre de ces artistes marginaux, peu connus dpublic. Les oeuvres reproduites, venues pour l'essentiel de la collection créépar Dubuffet, conservent intact leur pouvoir de fascination et leur libertsubversive, au point d'avoir inspiré de nombreux artistes contemporains

L'art médiéval, qui se déploie sur une période allant de la christianisation de l'Occident romanisé, au cours de l'Antiquité tardive (IIIe-Ve siècles), jusqu'à l'aube de la Renaissance au XVe siècle, a donné naissance à deux styles majeurs: art roman et art gothique.Le premier art roman s'étend, au début du XIe siècle, de l'Italie à l'Allemagne ou à la Catalogne. Le bouleversement ne se manifeste pas uniquement dans l'architecture des églises mais aussi dans leur décor intérieur et dans l'architecture civile. À la fin du siècle, les pèlerinages vers Compostelle s'accompagnent d'une prolifération d'églises, dans lesquelles les grands tympans sculptés dominent les façades, et qui abritent de somptueux trésors constitués de précieux reliquaires et d'objets d'orfèvrerieAvec l'art gothique, les cathédrales ouvrent progressivement les murs pour accueillir des verrières colorées traduisant une nouvelle théologie de la lumière. Un net progrès des techniques d'appareillage facilite la mise en oeuvre de grands chantiers comme Saint-Denis ou Chartres, dont l'architecture intègre des statues-colonnes. La fin du Moyen Âge déploie un art faste et ostentatoire, qui, au seuil de la Renaissance, puise son inspiration non plus tant dans la spiritualité médiévale que dans l'humanisme naissant, tandis que les peintres ou sculpteurs deviennent davantage européens en voyageant de Paris à Avignon, à Prague, à Cologne ou à MilanArchitecture, sculpture, peinture, vitrail ou objets d'art font l'objet dans cette Chronologie de l'art du Moyen Âge d'un traitement synchronique. De nombreux encadrés sur des monuments, des oeuvres d'art ou des styles artistiques offrent au lecteur des compléments culturels et situent l'art par rapport à l'histoire ou à la société. En fin d'ouvrage, une postface ébauche les grandes étapes de la découverte et de l'étude de l'art médiéval.