Écrits sur l'art

La mélancolie hante toute l'histoire culturelle de l'Occident. Hippocrate en fait l'une des humeurs du corps humain, Aristote s'interroge sur le rapport entre mélancolie et génie, la psychanalyse aujourd'hui en propose d'autres interprétations. Entre l'Antiquité et l'aube du XXIe siècle, de la « bile noire » qu'à l'origine elle désigne, la mélancolie s'est perpétuée sous d'autres noms : acedia, spleen, neurasthénie, dépression. D'illustres personnages ont souffert de cette « maladie sacrée ». La persistance du thème est illustrée par l'abondante iconographie liée à la mélancolie, au coeur de laquelle se trouve la célèbre gravure de Dürer, Melencolia I. Quel est le sens de cette persistance ? Que désigne-t-elle ? En quoi la mélancolie est-elle si intimement liée à la création et, en deçà, à l'imagination ? En offrant un très large panorama de cette iconographie, depuis les stèles antiques jusqu'aux oeuvre de Dürer, Valentin, Goya, Delacroix, Friedrich, Munch, Redon, Hopper, Kiefer..., ce livre éclaire d'une lumière singulière l'histoire de la mélancolie et des attributs qui lui sont attachés.

véritable trésor de la culture occidentale, berceau de l'humanisme, du théâtre et de la poésie, la mythologie grecque illustre aussi le chemin de tout être se dirigeant vers la lumière, car chaque dieu est un moment de l'histoire du monde (cosmogonie) et de l'humanité, comme chaque épisode mythique symbolise une étape dans la formation d'un individu.c'est pourquoi origène écrivait en l'an 250 : souviens-toi qu'en toi se trouvent tous les dieux de l'olympe. robert-jacques thibaud montre que connaître les dieux, c'est se connaître soi-même. après avoir compris et reçu cet enseignement, chacun peut cultiver son jardin et participer à l'harmonisation du monde

L'histoire de l'art du Moyen Âge comprend l'étude des phénomènes artistiques depuis l'Antiquité tardive (III -V siècle) jusqu'à la fin du XV siècle, à l'aube de la Renaissance. Que pensent les hommes du Moyen Âge de la création artistique qui les entoure ? Quelles sont les règles qui régissent cette création ? Quelle place occupe l'artiste roman qui dédie son travail à Dieu et aux saints ?Cet ouvrage s'attache à resituer l'art médiéval dans son contexte historique et son cadre géographique, afin que la chronologie puisse prendre toute sa valeur face à l'environnement des oeuvres.

Saint Bernard n'a pas fondé l'ordre cistercien, mais il a fait son succès. Pendant les deux derniers tiers du XIIe siècle, à travers l'Europe entière, va s'édifier le grand bâtiment, le vaste chantier issu de Cîteaux. Et saint Bernard en est bien le patron, le maître d'ouvrage dont la parole a gouverné, comme le reste, l'art. Parce que cet art est inséparable d'une morale, qu'il incarnait.Mais si la parole de saint Bernard eut cette force de persuasion, si la congrégation qu'il animait put édifier ce qui voulait être la représentation visible d'une éthique et si cet édifice exerça tant d'influence sur la culture européenne, c'est que le siècle attendait cette parole, cette exigence de rigueur, de renoncement et de dépassement.Car si la manière cistercienne de construire fut suscitée par l'enseignement de saint Bernard, elle le fut aussi par tout l'élan du XIIe siècle.

Le douzième siècle, cette Renaissance médiévale, est le grand âge de l'art roman. L'homme de ce temps possède une exacte connaissance de sa situation : il est pèlerin de la Jérusalem céleste et, de ce fait, voué à une marche ascendante. Relié à un monde invisible dans lequel il se meut, il sait d'où il vient et où il va. Sa certitude relève de sa foi. Que cette foi se développe à l'intérieur de l'Eglise ou qu'elle soit hétérodoxe, elle demeure vivante. Le moine y répond à l'intérieur de son cloître, le professeur dans son enseignement - l'artiste en témoigne sur la pierre ou par la couleur. Le monde est un, du macrocosme au microcosme, et il est signe de l'Invisible. L'art et ses symboles l'enseignent. Du portail de Cluny à la littérature du Graal, Marie Madeleine Davy nous donne accès à l'extraordinaire richesse symbolique du douzième siècle.

Présentation de la France romane à travers les sites et monuments depuis Cluny jusqu'à Vézelay. Toutes les notions essentielles pour comprendre l'architecture sacrée et civile mais aussi les décors sculptés et peints à l'iconographie codifiée. Un éclairage sur le contexte qui dépasse la seule question religieuse et sur la société d'ordres.

Le nom de Louis Germain est étroitement attaché à celui d'Albert Camus.Si, aujourd'hui, un lecteur curieux cherche à se renseigner sur ce fameux instituteur, en entrant le nom de Louis Germain sur Internet, il est automatiquement renvoyé vers Albert Camus. Et il découvre alors cette lettre du 19 novembre 1957 adressée par l'écrivain à l'instituteur de son enfance. Albert Camus vient de recevoir le Prix Nobel: « Mais quand j'ai appris la nouvelle, ma première pensée, après ma mère, a été pour vous ». Reconnaissant élève, Camus lui dédiera ses Discours de SuèdeSans ce prix Nobel ni cette lettre de reconnaissance, le nom de Louis Germain ne résiderait plus que dans la mémoire des rares personnes qui l'ont côtoyé. Nous en concluons qu'avec ce courrier, Albert Camus a immortalisé son instituteur de 7eGrâce aux écrits de son illustre élève et aux biographies qui lui ont été consacrées, chacun peut se faire une idée assez précise du M. Germain instituteur. Il est proposé ici de vous faire mieux connaître cet homme, lui qui fut bien plus qu'un simple enseignant de la République dans cette Algérie qui l'a vu naître et mourir.

«De quelle résistance, de quelle guerre parlerais-je sinon de celles que j'ai vécues ?» écrit Colette en 1945. À cette date, Brasillach, Guitry et Céline s'étonnent bruyamment que la grande écrivaine française soit épargnée par l'opprobre qui les frappe et les sanctions pénales qui les menacent. N'ont-ils pas tous écrit dans des journaux de la Collaboration ? «Confinée et occupée à la fois», pourrait répondre la romancière qui, à l'instar de la majorité des Français, chercha à survivre sans se commettre avec l'occupant ou ses complices, gérant dans l'angoisse deux écueils majeurs : son immense notoriété qui l'exposait et la menace de la déportation pour son dernier amour, qui était juif. Alors que Colette est plus que jamais au coeur de notre littérature, cette période de la guerre restait dans sa vie empreinte d'un halo de mystère et de beaucoup de rumeurs. Bénédicte Vergez-Chaignon, passionnée par son oeuvre, s'est emparée du sujet. Et son enquête nourrie d'archives en grande partie inédites nous entraîne dans le quotidien de la célébrité, dans les pas d'une Colette bien plus sensible à l'actualité qu'elle n'a jamais voulu l'avouer, bien plus fine politique qu'elle ne consentait à le reconnaître...

Durant l'été 1992, une importante rétrospective Raoul Ubac s'est tenue au Musée Jenischn, de Vevey. Remarquablement organisée par M. Bernard Blatter, présentée avec beaucoup de soin, cette exposition m'a donné une vive émotion, rendu Ubac à nouveau présent, remis en mémoire cet entretien que j'avais enregistré avec lui une dizaine d'années plus tôt. Rédecouvrant cette oeuvre, il m'avait paru nécessaire que ces mots dormants reprennent vie, puissent être à nouveau offerts à ceux qui pourraient avoir envie de les revevoir. Je les ai donc retranscrits et les voici publiés. [...] J'ai rencontré Ubac une dizaine de fois, et ces rencontres se sont échelonnées de 1966 à 1982. [...] De quoi parlions-nous ? Essentiellement de son travail, de poésie, des problèmes posés par la création, et lorsque nous passions un moment dans son atelier, des oeuvres qui nous entouraient.(Charles Juliet)

Léger, Céline, Deux français à New York Présentation Fernand Léger découvre New York en 1931. Il l'avait déjà rêvée en peinture, mais la réalité ne le déçoit pas. Les lettres adressées à son amie Simone Hermann, livrent au jour le jour des descriptions enthousiastes.S'ouvre alors une courte période où la peinture l'occupera moins que le dessin et l'écriture, une écriture curieusement proche de celle de Louis Ferdinand Céline, dont a priori tout l'éloigne...

Peint vers 1632, Le Christ crucifié de Velázquez peut être tenu avec ceux de Rembrandt ou Rubens comme l'une des plus importantes représentations du genre. Unamuno, inspiré par la contemplation de cette célèbre peinture qui condense toute la dévotion et la mystique de l'âme espagnole, écrit Le Christ de Velázquez en 1920. Dans ce très long poème, l'auteur dit dans un style magnifique la lutte de l'être humain contre la finitude et la soif d'immortalité qui l'anime, et cherche l'expression d'un existentialisme chrétien, héritier de Jean de la Croix, de Luis de Léon ou de Søren Kierkegaard ; invitant à trouver une dignité dans la condition de mortel au coeur même du désespoir. Dans cette nouvelle traduction de la troisième partie du poème, pure ekphrasis qui nous installe dans la peinture, Jacques Ancet convoque à la fois sa sensibilité de poète et sa connaissance du domaine littéraire espagnol.

Comme un cri invisible, l'archéologue tire de la cécité de la nuit Kia, jeune fille enfermée dans la pierre d'une figurine de marbre qui gît sous terre depuis près de 2500 ans. Et si cette découverte était une deuxième naissance, propice à assagir la colère de ce corps qui n'est plus lui-même, et habillée de l'émotion poétique des mots de Vénus Khoury-Ghata ? L'auteur libanaise redonne ainsi vie à cette idole féminine venue des Cyclades (2700-2300 av. J.-C.), qui s'installe en décembre 2012 au Louvre-Lens pour 5 ans.Vénus Khoury-Ghata est née au Liban et vit en France depuis près de trente ans. Son père était interprète au Haut Commissariat français

Universellement connu en tant que poète, César Vallejo (1892-1938) était également un écrivain complet, c'est-à-dire un intellectuel ayant fréquenté avec bonheur d'autres genres littéraires tels que l'essai, le reportage, la chronique, le roman, le théâtre, les nouvelles, les aphorismes, les scénarios.« Livre de pensées », d'après la définition de l'auteur, conçu entre les années 1920-1930, et publié assez tardivement en 1973 par les soins de Georgette Philippart Vallejo, L'Art et la révolution est un texte sui generis qui ne s'affiche par ni ne possède les caractéristiques d'une monographie ou d'un essai, mais celles d'un recueil de réflexions sur l'art, la révolution, la politique, l'esthétique et une série de thèmes dérivants tel un arbre fécond qui grandit et se développe en étendant ses branches et ses rhizomes.L'ouvrage à la structure fragmentaire, est fait de pensées pressantes abordées avec la créativité et le sens de responsabilité d'un intellectuel marxiste militant. L'Art et la révolution pourrait donc être également perçu comme un texte in progress composé de passages généralement courts, parfois poussés par l'urgence du moment et de l'expérience directe, parfois par les aléas de la réalité et de l'existence qui empêchaient Vallejo d'écrire sereinement (conditions matérielles difficiles, instabilité, difficultés d'intégration dans le marché du travail littéraire local, précarité, etc.).En pensant au milieu de la tension entre l'utopie et la réalité, César Vallejo nous montre de nombreuses possibilités d'interprétation et nous laisse, en même temps, un important témoignage du paradigme de l'intellectuel sincèrement engagé dans l'avenir de l'émancipation de l'humanité.

Entre 1987 et 1994, Pierre Soulages réalise les 104 vitraux de l'église abbatiale Sainte-Foy-de-Conques, en créant un verre non coloré et translucide, qui respecte les variations de la lumière naturelle.Dans un texte inédit, Bruno Duborgel porte un regard nouveau sur le travail de recherche de l'artiste qui a réalisé plus de 700 tentatives avant de parvenir au résultat espéré ! En mettant en dialogue la réflexion de Pierre Soulages avec des vues intérieures et extérieures des vitraux de l'église, le texte révèle la longue aventure créatrice de l'artiste, traversée de questions esthétiques, spirituelles et technologiquesLes vitraux de Pierre Soulages expriment ainsi le passage du temps. Leur nature « physique » est un tremplin pour une expérience poétique, une méditation d'ordre métaphysique. Elle révèle une lumière qui, selon les mots de l'artiste, « propose de la contemplation, du silence, de la concentration, de l'intériorité ».

C'est au poète assassiné Saint-Pol-Roux que Vercors dédie sa nouvelle Le Silence de la mer, publiée clandestinement en février 1942 et premier livre des éditions de Minuit.En réalité, celle qui a été assassinée cette nuit-là, c'est Rose, la servante de Saint-Pol-Roux. Le poète, lui, est mort de chagrin le 18 octobre 1940Cet ouvrage de fiction évoque les trente dernières années de la vie du poète et de ses proches, à travers les lettres imaginaires de sa servante Rose, qui, entrée au service du poète en 1915, à quinze ans, ne sait pas qu'elle va aussi entrer en poésieLe poète recevra les visites de Louis-Ferdinand Céline, de Max Jacob et de Jean Moulin, d'André Breton, de Paul Valéry, et le manoir sera lié au destin de Victor Segalen, de Villiers-de-L'Isle-Adam, d'André Antoine et de bien d'autres..Yves Gourmelon et Lydie Parisse ont décidé d'écrire ce roman à quatre mains, après avoir publié chacun de leur côté un livre autour de l'histoire d'une Bretonne et d'un soldat allemand sur la presqu'île de Crozon dans les années quarante. Lettres de l'ami allemand (2018) de Yves Gourmelon, et L'Opposante de la presqu'île (2020) de Lydie Parisse, deux récits publiés aux éditions Domens.

Né à Montpellier en 1938, Vincent Bioulès est l'un des membres fondateurs du groupe Supports/Surfaces. Depuis les années 70, il est revenu à la peinture figurative, sa géographie personnelle transparaît dans ses oeuvres mais aussi dans son rapport au monde et à la culture.Ces conversations évoquent le parcours du peintre, son inspiration, les valeurs auxquelles il croit. Dans ces échanges on découvre un artiste méditerranéen tant par son enracinement que par sa culture mais aussi le regard d'un homme pour qui « les peintures que nous aimons nous renvoient souvent à des aspects de nous-même, c'est l'émotion qu'elles nous procurent qui va constituer la voie royale des connaissances et de la reconnaissance de notre singularité. »

Pierre Alechinsky est né en 1927 à Bruxelles, d'une mère wallonne et d'un père russe. Il fait des études de typographie et d'illustration à l'Ecole d'architecture et des arts décoratifs de la Cambre à Bruxelles. En 1949, il adhère au mouvement avant-gardiste CoBrA, rejoignant Karel Appel, Constant, Jan Nieuwenhuis et Asger Jorn. Il participe aussitôt à la première exposition internationale de CoBrA au Stedel à Amsterdam. Dans les années 50, il séjourne en Extrême-Orient et aux Etats-Unis et s'intéresse à l'Action Painting, dont il synthétise les influences combinées. C'est également au cours de cette décennie qu'il commencera à exposer à Paris - où il s'installe -, à Bruxelles, puis à Londres.

« Une peinture est un tout organisé, un ensemble de formes (lignes, surfaces colorées...) sur lequel viennent se faire ou se défaire les sens qu'on lui prête.Le contenu de cet ensemble n'est pas un équivalent d'émotion, de sensation, il vit de lui-mêmeCes relations entre les formes sont un transfert de relations de l'univers à une autre significationDans ce qu'elle a d'essentiel la peinture est une humanisation du monde.Pierre Soulages (1948Voici réunis, dans leur variété, leur constante et exemplaire rigueur, quelques-uns des textes et entretiens de Pierre Soulages. Ils explicitent pour nous son oeuvre immense.

En sculpture, il y a deux lignes de force. La première va vers de moins en moins de matière et qui, minimale à souhait, finit par exposer de la poussière, du vide, du néant, du rien, de l'absence, et par générer des discours fumeux pour tenter de donner du corps au vide. La seconde, elle, croit en la matière et raconte des formes en même temps que des forces, s'appuie sur une tradition plusieurs fois millénaire puisqu'elle est préhistorique, donc intempestive, donc inactuelle, donc toujours d'actualité : elle sublime les formes matricielles, elle excelle dans l'hédonisme des volumes, elle jouit du corps des femmes, de leurs seins, de leur ventre, de leurs hanches, de leur vitalité, de leur magnificence et de leur munificence.La première figure l'apollinien, la seconde, le dionysiaque dans l'art. Le sculpteur Dominique Pollès incarne à ravir le compagnonnage avec Dionysos.Le livre de Michel Onfray paraît à l'occasion d'une exposition de Pollès à la Médiathèque d'Argentan (Basse Normandie), en novembre 2008. Il sera accompagné de trois hors-texte couleur de reproductions de sculptures de l'artiste.

Tu as soif ?, il acquiesce.Une gorgée, puis je tiens serrée sa main de gisant et il serre la mienne. Mais déjà dans le sommeil, il tombe. Mais déjà il se réveille, desserre aussitôt sa main, la récupère. Perceptible mouvement, que les yeux confirment. Reinhoud ne serrait jamais la main. On la lui serrait. Alors, mon vieux camarade... Il est loin. La tête de gauche à droite dodeline et déconnecte le tuyau d'oxygène. Je rétablis l'apport au seuil des narinesAgitation du scarabée sur le dos. Il retombe dans le sommeil. Je quitte la chambre. Une infirmière dans le couloir se fait les ongles.

Quelques gaufrettes, un verre et un pichet de vin résument la beauté silencieuse et toute en simplicité de La Nature morte aux gaufrettes de Lubin Baugin, exposée au Louvre. À travers des fragments poétiques, Daniel Kay souligne la géométrie épurée de l'oeuvre comme les raies de lumière dessinent les contours des quelques objets présents sur la table. Reflet littéraire de la peinture, l'auteur capte la présence énigmatique du tableau par ses jeux de mots et figures de style élaborés. Sous la plume du poète se crée un univers singulier où la contemplation de sept gaufrettes amène à d'incroyables voyages imaginaires.