Écrits sur l'art

«Le livre». Quelques proches de Mark Rothko, ses enfants soupçonnaient son existence, mais nul n'avait jamais vu le manuscrit. Quoique inachevé, «le livre» existait bel et bien : exhumé en 1988 de l'entrepôt new-yorkais où il sommeillait, il est aujourd'hui publié pour la première fois. Au début des années 40, Rothko est un jeune artiste de trente-sept ans qui peine à vivre de sa peinture. Confronté aux limites de la figuration, éprouvé par le silence, voire l'hostilité, que rencontre son travail, il décide de s'arrêter de peindre et se met à écrire. De cette crise est née La Réalité de l'artiste : méditation sur les grandes catégories de l'art occidental - le sacré, la beauté, la perspective, le clair-obscur... -, plongée dans l'oeuvre des maîtres - Masaccio, Giotto, Vinci, Rembrandt... -, réflexion sur les principaux courants artistiques de la Renaissance au surréalisme, ce livre dissèque aussi avec humour la condition de l'artiste et ses rapports tourmentés avec le marché de l'art. Éclairant de l'intérieur la pensée d'un des peintres les plus mystérieux du XXe siècle, La Réalité de l'artiste est un document unique revenu de ce voyage aux sources de l'art, Rothko allait s'engager dans les chemins de l'abstraction.

Ilia, réalisateur, apprend le décès de son père artiste peintre, mythomane et mégalomane reconnu dans le monde entier. Deux ans après son décès, il s'engage dans la réalisation d'un biopic sur la vie de son père. Au fil du tournage, Ilia, hanté par ses fantômes et ses angoisses, perd le contrôle de ce qu'il souhaitait et imaginait raconter.

Qui est le premier peintre du monde ? Qu'est-ce que les couleurs chaudes et les couleurs froides ? A` quoi sert l'ombre ou la lumie`re dans un tableau ? Comment les couleurs et les lignes peuvent tromper notre perception ?Voyage a` la rencontre des grands peintres pour percer enfin les secrets de leurs cre´ationsDe´couvre comment les hommes pre´historiques ont invente´ le pochoir, comment Le´onard de Vinci a re´ussi a` masquer les contours de la Joconde, comment Vincent Van Gogh utilisait un cercle chromatique pour associer les couleurs, comment Le Caravage se servait des jeux d'ombre pour cre´er des rayons de lumie`res, ou encore comment Pablo Picasso me´langeait des vues de face et de profil pour montrer ses mode`les sous tous leurs anglesDans la partie activite´s, taille tes crayons et passe a` l'action- trouve le point de fuite d'un tableau- apprends a` dessiner les ombres et la lumie`re- cre´e un trompe l'oeil !

« Les fresques animalières des grottes ornées, miraculeusement préservées, nous disent la cosmologie du paléolithique supérieur : durant vingt-cinq mille ans, sur un territoire immense, la représentation des grands animaux n'a pas varié. Pour peu qu'on échappe au diktat matérialiste, où un cheval ne peut figurer qu'un cheval, ce bestiaire des grottes apporte une réponse cohérente à l'effroi des hommes qui ne savaient rien sur le jour et la nuit, la course du soleil, la disparition et la réapparition par morceaux de la lune, les éclairs, l'orage, l'arc-en-ciel, la mort dont ils présumaient qu'elle n'était peut-être pas un arrêt. Le cheval, avant qu'on ne le « domestique » en le contraignant à tirer de lourdes charges, était la figure du soleil...Nous avons appelé « évolution » cette frise qui, partant du singe, conduit par « désanimalisation » successive à l'homme triomphant. Le secret des grottes ornées souffle à notre cerveau poétique une tout autre leçon : et si la « part animale » était ce que l'homme avait encore de divin en lui ? » J.R.

Ecrit par un non-spécialiste passionné, ce petit livre vif et brillant s'adresse à tous, et entend fournir un manuel de résistance au discours sur l'art contemporain. Ce dernier fonde son emprise sur une vision mythifiée de l'histoire de l'art : le XXe siècle aurait été avant tout le siècle des avant-gardes, chacune ayant été plus loin que la précédente dans la remise en cause de notions comme la figuration, la beauté, et même l'oeuvre. Or non seulement ces notions anciennes ont continué d'exister dans les arts dits mineurs, mais surtout, il y a eu un autre XXe siècle artistique, une tradition de peinture qui s'est obstinée à représenter la réalité et qui réémerge aujourd'hui, de Bonnard à Balthus, de Morandi à Hopper, de Giacometti à Lucian Freud.Cet essai présente cette autre histoire de l'art, dont l'existence infirme le discours, le mythe ... et le marché de l'art contemporain. Cette histoire s'est prolongée secrètement jusqu'à nous : il y a eu en France, au cours du dernier demi-siècle, de très grands artistes, dont certains sont encore vivants, qui ont continué de représenter le monde et de chercher la beauté. Connus d'un petit milieu de collectionneurs, de critiques, de poètes, mais ignorés des institutions culturelles et du grand public, ces artistes sont les sacrifiés de l'art contemporain, les véritables artistes maudits de notre époque. Comme les artistes maudits de jadis, ce sont eux pourtant qui rendent notre modernité digne d'être aimée et sauvée. Ils sont la gloire de l'art français.

Vous craigniez que vos enfants ne s'ennuient au musée ? Détrompez-vous! Avec ce guide, vous les initierez facilement à l'art sous toutes ses formes : peinture, sculpture, arts décoratifs, châteaux et jardins...Vous trouverez des repères chronologiques, des résumés sur les courants artistiques, des définitions et des explications sur les oeuvres religieuses, mythologiques, le portrait, la nature morte, l'abstraction, la perspective, le jardin à la française, l'art africain, océanien... Autant de clés pour répondre aux questions des enfants, leur apprendre à regarder tout en faisant confiance à leur sensibilitéSont également dispensés des conseils pratiques, des idées de jeux avec le fameux « cherche et trouve », et autres astuces pour capter l'attention de l'enfantEnfin, cet ouvrage recense les musées et châteaux incontournables, et les adresses utiles qui proposent des audioguides, des animations et des équipements adaptés pour les enfants..Un outil indispensable pour une initiation à la fois pédagogique et amusante, illustré d'une trentaine d'oeuvres et agrémenté de témoignages de parents et d'historiens d'art, de conservateurs. Un guide idéal pour préparer et réussir une visite en famille !

Le projet d'un livre sur Rembrandt accompagna Genet durant une dizaine d'années. De sa confrontation directe avec les oeuvres vues dans les musées prenait corps peu à peu cet ouvrage.En septembre 1958, L'Express publiait sous le titre Le Secret de Rembrandt, un découpage d'extraits du livre dont il annonçait la publication prochaine aux Éditions Gallimard. Genet a-t-il alors préféré se ménager le temps de refondre ou de compléter son travail ? Absorbé par son théâtre, a-t-il reporté son projet à plus tardOn sait seulement que, bouleversé par la mort de son ami Abdallah, il se résolut en avril 1964 à détruire le contenu d'une valise pleine de manuscritsNe subsistent que deux fragments publiés en mai 1967 dans la revue Tel Quel sous le titre Ce qui est resté d'un Rembrandt déchiré en petits carrés bien réguliers, et foutu aux chiottes, qui s'ajoutent au Secret de Rembrandt publié en 1958. Avec l'accord de Genet, ces textes ont été insérées respectivement en 1968 et 1979 dans les tomes IV et V de ses oeuvres complètesLa présente édition qui les rassemble pour la première fois tente d'illustrer par un choix de détails significatifs les oeuvres citées, le regard personnel de Genet sur Rembrandt. Un regard autre, et qui va plus loin.

30 tableaux de toutes époques admirés librement. Impertinent, dandy, sexy, érudit, obsessionnel, classique, inclassable, universel. Mêlant critique d'art et autofiction, Marc Molk propose un texte personnel et érudit sur l'amour de la peinture. Entre narration et contemplation analytique, Plein la vue esquisse un genre inédit.

Ce livre rassemble des textes jamais publiés de Jean Jaurès. Grand amateur d'art, critique et esthète, défenseur d'un art beau, réaliste, idéal, un art pro- che du peuple et de la société, Jaurès a écrit un cer- tain nombre d'articles republiés ici. Ces articles ont pour but d'informer le peuple de l'actualité artistique, surtout littéraire, mais également théâtrale et pictu- rale. Jaurès affirme un goût très classique également influencé par l'art du XVIIIème et la pensée des Lu- mières. Lorsque Jaurès s'engage en politique dès les années 1885, c'est avec son bagage d'homme de let- tres. En tant qu'homme politique, c'est toujours cet art beau et générateur de belles pensées que Jaurès va défendre. En 1900, il prononce un discours sur l'art et le socia- lisme . Jaurès y expose ses idées posant les bases d'une pensées sur l'art social. L'art, gratuit, doit être présent partout et pour tous. C'est au socialiste de permettre l'émergence de cette société nouvelle, en paix avec elle-même, de laquelle jaillira un art entier et harmonieux.

«C'est par la misère que j'ai approché la vie. La toile est liée à un drame fondamental.La peinture, c'est un oeil, un oeil aveuglé, qui continue de voir, qui voit ce qui l'aveugle.N'être rien. Simplement rien. C'est une expérience qui fait peur. Il faut tout lâcher.Pour être vrai, il faut plonger, toucher le fond.La toile ne vient pas de la tête, mais de la vie. Je ne fais que chercher la vie. Tout ça échappe à la pensée, à la volonté.»Bram Van Velde.

Lorsque commencent ces rencontres, Charles Juliet est un homme en proie au doute, à la détresse (ses journaux rendent bien compte de ces années noires) et Bram Van Velde un artiste dont la notoriété est loin d'atteindre celle qu'il connaîtra plus tard. Mais sa rigueur, son intransigeance, sa volonté d'aller toujours plus loin dans une démarche qui n'est pas sans évoquer celle des mystiques sont lumineuses et produisent sur Charles Juliet une grande impression.Sont ici retranscrites les paroles brèves de Bram van Velde, si pleines d'énergie et si profondes, et les circonstances des rencontres, les pensées qu'elles inspirent à Charles JulietLa première rencontre entre Bram Van Velde et Charles Juliet a lieu le 25 octobre 1964. La dernière de celles qui seront racontées dans le livre, le 7 novembre 1977. Ce sont donc treize années d'une fréquentation irrégulière mais intense qui font la matière de cet ouvrageCe texte a été publié pour la première fois en 1978 par Fata Morgana puis aux éditions P.O.L en 1998.

Dans son ouvrage Les Couleurs de nos souvenirs, paru en 2010 et récompensé par le prix Médicis Essai 2011, Michel Pastoureau s'était intéressé à l'histoire des rapports entre couleurs et société sur plus d'un demi-siècle (1950-2010). Poursuivant ses enquêtes, il les fait porter sur une période plus courte et nous propose aujourd'hui un regard et une réflexion sur les pratiques de la couleur de notre temps.Fait de notes prises sur le vif, d'expériences personnelles, de propos débridés, de digressions savantes ou d'historiettes pleines d'humour, ce journal chromatique des cinq dernières années nous conduit sur les terrains les plus divers : le vocabulaire et les faits de langue, la vie quotidienne et le spectacle de la rue, le vêtement et les phénomènes de mode, l'art et la littérature, les musées, le cinéma, la publicité, les chambres d'hôtel et les terrains de sport. Tour à tour descriptif et narratif, ludique ou poétique, ce journal est à la fois celui de l'auteur et celui de nos contemporains. Il souligne combien la couleur, omniprésente dans nos sociétés où sa fonction première semble être de classer, d'associer, d'opposer, de hiérarchiser, reste néanmoins une source de plaisirs et un lieu pour rêver.

Henri Michaux est né à Namur (Belgique) le 24 mai 1899. Naturalisé en 1955, il est mort à Paris le 19 octobre 1984.« Je peins comme j'écris. Pour trouver, pour me retrouver, pour trouver mon propre bien que je possédais sans le savoir. Pour en avoir la surprise et en même temps le plaisir de le reconnaître. Pour faire ou voir apparaître un certaine vague, une certaine aura où d'autres veulent ou voient du pleinPour rendre l'impression de «présence» partout, pour montrer (et d'abord à moi) les emmêlements, les mouvements désordonnés, l'animation extrême des «je ne sais quoi» qui remuent dans mes lointains et cherchent à prendre pied sur le rivage. »

Gustave Fayet (1865-1925) fut le plus illustre biterrois de l'âge d'or de la viticulture méridionale. Il en fut l'acteur, le témoin, le symbole. Il transgressa le conservatisme du milieu bourgeois rentier dont il était issu pour innover sans cesse, s'adapter en permanence, rêver, oser, gagner.Pragmatique et avisé dans ses choix, visionnaire dans ses intuitions, il sut tirer parti de son immense vignoble et grâce à la fortune qu'il en tira, il finança l'acquisition de sa fabuleuse collection et soutint l'avantgarde de son temps : Gauguin, Redon, Van Gogh, Bonnard. Il fut aussi un artiste prolifique et un décorateur à la sensibilité Nabi qui fit renaître l'abbaye de Fontfroide, son havre de création et de paixIl incarna l'archétype du méridional, épris de lumière, ivre de couleurs, fasciné par la mer. Jamais il ne négligea sa terre languedocienne à laquelle il devait tant. De cet attachement il fit une force qui lui permit de courir le monde avec curiosité dans un tourbillon joyeux. Inlassablement il revenait dans ses pénates, à Béziers, à Fontfroide, où il cherchait par tous les moyens à vivre dans un tableau vivant le rêve de sa vie, son Rêve du SudL'ouvrage brosse le portrait de l'homme à travers son action et son oeuvre artistique : l'héritier, le viticulteur, l'entrepreneur, le décorateurLa présentation de ses demeures et châteaux fait découvrir son cadre de vie, réparti en divers lieux entre le canal du Midi et le vignoble.

La beauté naît du flirt intime entre le monde et l'imagination. Aussi fugace soit-elle, la rencontre avec la beauté est une expérience bouleversante. Partant d'un souvenir personnel ? l'apparition d'une femme ?, Frédéric Schiffter invite le lecteur à une méditation philosophique sur la beauté des paysages et des oeuvres qui ont marqué sa vie. Une flânerie érudite à travers les films, les livres, les oeuvres d'art, qui nourrit avec délicatesse notre éducation esthétique.

Au coeur du mystère du mal qui traverse notre monde, comment envisager la beauté ? Et, allant plus loin, comment la dévisager en vérité, sans fuite ni artifice ?À travers une méditation aux confins de l'Occident et de la grande tradition chinoise, François Cheng invite à cette authentique contemplation. Car par-delà la création artistique, la sainteté révèle la beauté de l'âme et se découvre l'autre mystère, celui du Beau qui justifie notre existence terrestre. Alors, nous ne pouvons entrer que pas à pas dans ce qui nous dépasse et nous transfigure. L'oeil ouvert et le coeur battant.

Résistante et agent bénévole des Musées nationaux, l'auteure (1898-1980) raconte le combat clandestin mené par le personnel des institutions culturelles pour préserver les collections françaises des pillages nazis pendant la Seconde Guerre mondiale.

Les artistes contemporains les plus médiatiques sont capables de tout sauf de peindre, de sculpter ou de graver. A en croire la terminologie officielle, ils installent, conceptualisent et subvertissent

Voici le portrait amoureux d'une ville où l'auteur est né, et qui incarne t ses yeux toute la puissance harmonieuse et mesurée de la civilité. Au lendemain de la guerre où Florence a souffert, le grand juriste, écrivain et homme politique que fut Piero Calamandrei décrit les visages secrets, l'itinéraire de l'histoire et des lieux par quoi Florence oppose aux vicissitudes du monde la permanence de sa profonde humanité.

Dans ces notes sur le dessin et la peinture, rééditées en un livre unique, un peintre décrit en poète sa démarche, son expérience, ses sensations, en prise directe avec le visible.Mise en vente le 28 mai 2015Né à Budapest en 1933, Alexandre Hollan vit à Paris depuis 1956. Dès cette époque, il prend l'habitude de s'isoler une partie de l'année dans le Sud de la France, en contact intime avec la nature, les arbres. Depuis 1984, il passe une partie de l'été au milieu des vignes et des chênes verts, dans son mazet de l'Hérault. Le reste de l'année, il poursuit dans son atelier parisien ses recherches sur la couleur et il peint dans son atelier d'Ivry de grandes peintures d'arbres. Ces dernières années, son travail a fait l'objet d'importantes expositions en musée (Bologne, Budapest, Montpellier, Chambord, Grenoble...) et en galerie. Nombreux sont les poètes avec lesquels il a collaboré pour des livres d'artiste. Yves Bonnefoy lui a consacré plusieurs textes, entre autres : La journée d'Alexandre Hollan (Le temps qu'il fait, 1995) et L'arbre au-delà des images (éd. William Blake et Co, 2003)Pour en savoir plus, consultez le blog PoetPsy rubriques auteur (prochainement) et artiste

Bram Van Velde et Philippe Djian, quelle rencontre inattendue !Le peintre secret, contemplatif et son indicible peinture ont toujours fasciné l'homme et l'écrivain Philippe Djian. Il sait la valeur du silence. Alors, avec son inimitable écriture, le miracle de sa fausse légèreté, il a inventé pour Bram une fiction où la tendresse et la désespérance affleurent comme un aveu secretNeuf scènes de vie banale qui font de Bram Van Velde, un frère, l'invisible héros d'un conte. Son livre Il dit que c'est difficile a été une vraie révélation littéraire.

Illustré par environ quatre cent cinquante documents, en grande majorité inédits, cet ouvrage présente l'un des plus importants fonds privés de lettres et de photos autour de Marcel Proust, constitué avec enthousiasme depuis plus de quarante ans par le collectionneur brésilien Pedro Corrêa do Lago, aujourd'hui désireux de partager ses trésors avec le plus grand nombre.Cette nouvelle approche de l'univers proustien et ce parcours, à la fois surprenant et passionnant, permettent de retracer les grands moments de la vie de l'écrivain et d'évoquer des lieux où il a vécu. Ils dépeignent également les personnages les plus fascinants de son oeuvre, grâce à de nombreux documents sur les membres de son entourage qui ont pu les inspirer.