Écrits sur l'art

Ce recueil d'études consacré à l'oeuvre de Cézanne ainsi qu'à quelques peintres fortement marqués par son influence veut rappeler que, tout en menant à leur accomplissement les principales innovations picturales du XIXe siècle, Cézanne fut à l'origine de celles qui devaient transformer la pratique des arts au XXe siècle.L'appréciation esthétique de l'oeuvre passe par l'étude approfondie d'un certain nombre de toiles pour la plupart qui n'avaient jamais été analysées. Des constantes et des ruptures sont ainsi révélées : des objets de la nature morte au travail de la répétition et à la permanence des thématiques (la pomme, la montagne), l'obsession de la série. Notre regard contemporain sur l'oeuvre de Cézanne est par ailleurs confronté au travail de Paul Klee, Pierre Buraglio, Richard Diebenkorn ou à une photographie de la Sainte-Victoire.

Je veux savoir.Savoir pour mieux sentir, sentir pour mieux savoir.Je veux être simple.Ceux qui savent sont simples.Paul CézanneCette nouvelle édition de Cézanne, un grand vivant, est précédée d'un texte inédit de Charles Juliet, Cézanne, un chercheur d'absolu.

véritable trésor de la culture occidentale, berceau de l'humanisme, du théâtre et de la poésie, la mythologie grecque illustre aussi le chemin de tout être se dirigeant vers la lumière, car chaque dieu est un moment de l'histoire du monde (cosmogonie) et de l'humanité, comme chaque épisode mythique symbolise une étape dans la formation d'un individu.c'est pourquoi origène écrivait en l'an 250 : souviens-toi qu'en toi se trouvent tous les dieux de l'olympe. robert-jacques thibaud montre que connaître les dieux, c'est se connaître soi-même. après avoir compris et reçu cet enseignement, chacun peut cultiver son jardin et participer à l'harmonisation du monde

L'histoire de l'art du Moyen Âge comprend l'étude des phénomènes artistiques depuis l'Antiquité tardive (III -V siècle) jusqu'à la fin du XV siècle, à l'aube de la Renaissance. Que pensent les hommes du Moyen Âge de la création artistique qui les entoure ? Quelles sont les règles qui régissent cette création ? Quelle place occupe l'artiste roman qui dédie son travail à Dieu et aux saints ?Cet ouvrage s'attache à resituer l'art médiéval dans son contexte historique et son cadre géographique, afin que la chronologie puisse prendre toute sa valeur face à l'environnement des oeuvres.

27 mars 1961 : Roger Vailland passe l'aprèsmidi avec Pierre Soulages dans son atelier. Il le regarde peindre, commencer et finir une toile, et note chaque étape de la création.Le lecteur voit Soulages préparer sa toile, ses couleurs, entend ses remarques, découvre sa pensée, suit son mouvementLe texte est suivi d'un article de Vailland paru en 1962 dans Le Nouveau Clarté, mensuel des étudiants communistes, répondant à la question posée par ce même journal quelques mois auparavant : « Pour ou contre Pierre Soulages, peintre abstrait ? Participe-t-il à notre époque ou se réfugie-t-il dans les hautes sphères spéculatives ? Peinture d'initiés ou aventure poétique ? Le Nouveau Clarté engage son procès..» Vailland répond : « Impossible de faire un procès à Soulages. Un procès implique référence à un code et, en matière d'art, à des règlesLa peinture vient seulement de renoncer à décrire et à raconter. » « La peinture qui ne représente rien, qui présente ou se présente tout simplement, est un art tout nouveau : il n'a pas encore de règles. Soulages est parmi ceux qui s'efforcent, en tâtonnant, de découvrir les règles de ce que sera la peinture. » Le volume est préfacé par Alfred Pacquement, directeur du Centre Pompidou. Trois textes, trois prismes par lesquels appréhender la modernité et la force de SoulagesUne exposition présentant les oeuvres les plus récentes de l'artiste et intitulée Soulages, XXIe siècle aura lieu au musée des Beaux-Arts de Lyon du 12 octobre 2012 au 28 janvier 2013.

Paroles d'artiste est une collection de format poche pour découvrir ou redécouvrir les grands maître de l'art ancien, moderne et contemporain.Cette série d'ouvrages monographiques permet d'envisager l'univers d'un artiste à travers une sélection de trente reproductions représentatives de l'ensemble de son oeuvre. Chaque reproduction est associée à une citation extraite d'un entretien, d'une correspondance ou d'un écrit de l'artiste lui-mêmeAfin de rendre accessible cette collection aux très nombreux visiteurs étrangers de nos musées et collections publiques françaises, Paroles d'artiste est bilingue anglais-françaisEn 64 pages, quelque 30 reproductions et pour seulement 6,50 euros, le lecteur se retrouve immergé dans l'esprit et l'oeuvre de l'artisteMusée monographiqueNogent-sur-Seine, musée Camille Claudel (juin 2014) L'oeuvre de l'artiste est représenté dans de très nombreux musées français et étrangers, et plus particulièrementMartigny, Fondation Pierre Gianadda Paris, musée d'Orsay Paris, musée Rodin Poitiers, musée Sainte-Croix

Cet ouvrage permet d'appréhender l'oeuvre de P. Cézanne à travers une sélection de 30 reproductions représentatives, associées à une citation de l'artiste.

Frida Kahlo est une artiste peintre mexicaine. Elle est née en 1907 et mort en 1954.« J'en ai strictement rien à foutre de ce que tout le monde peut bien penser. Je suis née pute, je suis née peintre, je suis née chieuse, mais j'ai été heureuse tout au long de ma vie. »

« Je crois que je n'ai jamais voulu faire à tout prix quelque chose qui soit de la sculpture - j'ai toujours travaillé à partir de l'objet, de la logique de la matière. [...] Quand j'ai utilisé l'arbre, [...] je me suis servi du bois et de la végétation comme matière capable de se transformer, de se modeler. Je reconnais par ailleurs la richesse symbolique de l'arbre, mais le principe fondamental de mon travail est une adhésion à la réalité. » Giuseppe Penone

Depuis maintenant une bonne trentaine d'années, chercheurs, collectionneurs, lecteurs et spécialistes ont permis de révéler la richesse, la profondeur et la complexité de l'oeuvre de Colette ainsi que sa personnalité, inscrits dans la modernité. C'est cette modernité qu'explore le Cahier de L'Herne. Non seulement en revisitant quelques-uns des grands thèmes de l'oeuvre, mais aussi en s'interrogeant sur la radicalité dont Colette fait preuve dans ses choix. À propos des bêtes, de la nature, ou encore de sa position ambivalente à l'égard du féminisme, dont certains travaux et textes prouvent que Colette professe un féminisme non pas théorique et militant, mais un féminisme du quotidien, on serait tenté de dire : un féminisme constitutif. Le développement des « gender studies » (études de genre), venues des États-Unis, a contribué à faire relire Colette dans cette optique. Car il s'agit, là aussi, d'une interrogation essentielle qui irrigue toute son oeuvre et bien souvent sa vie, lui permettant de questionner les représentations classiques du féminin/masculin en les détournant, voire en les inversant.

Ce livre est habité par la rencontre de et avec Soulages. Ses rencontres ont marqué à jamais sa vision de l'art : d'abord avec l'archéologie et l'art pariétal, ensuite avec Conques et l'art roman, enfin avec l'abstraction pendant la Seconde Guerre mondiale. Ses grandes rencontres des années 1950-1960, avec Picabia, Hartung, Atlan, Senghor, puis autour de Conques avec Georges Duby et Jacques Le Goff, sont aussi des moments phares de son oeuvre, comme l'est sa rencontre avec le Japon.Michaël de Saint-Cheron et Matthieu Séguéla tracent ici un triangle d'or entre l'art de Soulages, l'Afrique noire et le pays du Soleil levant. Ce livre analyse l'outrenoir à travers une double approche novatrice confrontée à l'histoire du xxe siècle et au dialogue des cultures et des arts.

« Soulages aime se trouver absolument seul et dans une pièce en ordre, comme s'il faisait une peinture pour la première fois. Aussi, lorsque l'on pénètre dans un atelier de Soulages, est-on toujours frappé par le grand vide d'un espace où rien ne traîne. Toutes ses peintures sont cachées, sauf (et encore cela est exceptionnel), celle à laquelle il s'attaque. Jamais il n'étale ses peintures terminées, comme la plupart des artistes, mais les range hors de la vue. Homme de toutes les curiosités, homme de l'outil, Soulages s'est attaché à créer des objets porteurs d'émotions esthétiques, que ce soient de ces objets peints que l'on appelle des tableaux, ou de ces objets gravés que l'on appelle des estampes, ou des planches de ces gravures devenues bas-reliefs de bronze, ou de ces objets tissés que l'on appelle des tapisseries, ou de ces objets qui captent et émettent la lumière que l'on appelle des vitraux. Tous ces objets (il préfère dire : ces ''choses'') sont la composante d'une oeuvre unique, dont l'ampleur paraît de plus en plus évidente. » Michel Ragon

Ce petit livre est la reprise de l'entretien inclus dans le beau-livre Entre terre et ciel de Fabienne Verdier (à paraître en octobre). Elle y répond aux questions de Charles Juliet sur son art, sa philosophie de vie, son approche poétique de chaque instant, sa vision du geste créateur comme fulgurance issue des profondeurs de l'artiste. Des paroles essentielles qui vont droit au but sans théorisation superflue. Le but étant toujours le partage d'une intensité de vie.

« La vraie création ne prend pas souci d'être ou de n'être pas de l'art », affirmait le peintre Jean Dubuffet, qui a inventé la notion d'art brut en 1945 et constitué la première collection d'oeuvres désignées sous ce nom. Découvert dans les hôpitaux psychiatriques, puis dans les milieux spirites et le jardin secret d'originaux visionnaires, l'art brut est une forme d'expression plastique spontanée dont les auteurs - architectes, sculpteurs, peintres, dessinateurs ou fabricants de machines, d'assemblages et de broderies - sont dépourvus de formation artistique et oeuvrent poussés par un instinct créateur obsessionnel. Mais l'art brut ne se limite pas à l'entreprise historique de Dubuffet : il a des antécédents et des dérivés, dont Laurent Danchin retrace l'histoire avec passion, depuis les collections asilaires du début du XXe siècle jusqu'à l'art « outsider » international d'aujourd'hui.

Mot choisi au hasard d'un dictionnaire au Cabaret Voltaire à Zurich en 1916, « Dada » désigne une diaspora de jeunes artistes insurgés et utopistes. De 1915 à 1925, entre Zurich, Berlin, New York, Barcelone et Paris, les Dadas - poètes, peintres, photographes, théoriciens - ont renversé les canons esthétiques, changé l'art et redéfini le rapport de l'individu à la communauté des hommes. Arp, Baader, Ball, Cravan, Duchamp, Hausmann, Janco, Man Ray, Picabia, Schwitters, Sophie Taeuber, Tzara ressentirent à tel point l'urgence à se défaire des mécanismes d'aliénation qu'ils refusèrent de les combattre dans des formes usées et compromises. Ils réinventèrent donc les langages mêlés de l'art et de la vie dans l'expectative d'une nouvelle intégrité de l'être contre la déraison du temps. Marc Dachy, en découvreur passionné, retrace l'histoire de ce mouvement encore mal connu, qui revendiquait des « oeuvres fortes, droites, précises et à jamais incomprises ».

La mélancolie hante toute l'histoire culturelle de l'Occident. Hippocrate en fait l'une des humeurs du corps humain, Aristote s'interroge sur le rapport entre mélancolie et génie, la psychanalyse aujourd'hui en propose d'autres interprétations. Entre l'Antiquité et l'aube du XXIe siècle, de la « bile noire » qu'à l'origine elle désigne, la mélancolie s'est perpétuée sous d'autres noms : acedia, spleen, neurasthénie, dépression. D'illustres personnages ont souffert de cette « maladie sacrée ». La persistance du thème est illustrée par l'abondante iconographie liée à la mélancolie, au coeur de laquelle se trouve la célèbre gravure de Dürer, Melencolia I. Quel est le sens de cette persistance ? Que désigne-t-elle ? En quoi la mélancolie est-elle si intimement liée à la création et, en deçà, à l'imagination ? En offrant un très large panorama de cette iconographie, depuis les stèles antiques jusqu'aux oeuvre de Dürer, Valentin, Goya, Delacroix, Friedrich, Munch, Redon, Hopper, Kiefer..., ce livre éclaire d'une lumière singulière l'histoire de la mélancolie et des attributs qui lui sont attachés.

Saint Bernard n'a pas fondé l'ordre cistercien, mais il a fait son succès. Pendant les deux derniers tiers du XIIe siècle, à travers l'Europe entière, va s'édifier le grand bâtiment, le vaste chantier issu de Cîteaux. Et saint Bernard en est bien le patron, le maître d'ouvrage dont la parole a gouverné, comme le reste, l'art. Parce que cet art est inséparable d'une morale, qu'il incarnait.Mais si la parole de saint Bernard eut cette force de persuasion, si la congrégation qu'il animait put édifier ce qui voulait être la représentation visible d'une éthique et si cet édifice exerça tant d'influence sur la culture européenne, c'est que le siècle attendait cette parole, cette exigence de rigueur, de renoncement et de dépassement.Car si la manière cistercienne de construire fut suscitée par l'enseignement de saint Bernard, elle le fut aussi par tout l'élan du XIIe siècle.

Le douzième siècle, cette Renaissance médiévale, est le grand âge de l'art roman. L'homme de ce temps possède une exacte connaissance de sa situation : il est pèlerin de la Jérusalem céleste et, de ce fait, voué à une marche ascendante. Relié à un monde invisible dans lequel il se meut, il sait d'où il vient et où il va. Sa certitude relève de sa foi. Que cette foi se développe à l'intérieur de l'Eglise ou qu'elle soit hétérodoxe, elle demeure vivante. Le moine y répond à l'intérieur de son cloître, le professeur dans son enseignement - l'artiste en témoigne sur la pierre ou par la couleur. Le monde est un, du macrocosme au microcosme, et il est signe de l'Invisible. L'art et ses symboles l'enseignent. Du portail de Cluny à la littérature du Graal, Marie Madeleine Davy nous donne accès à l'extraordinaire richesse symbolique du douzième siècle.

Présentation de la France romane à travers les sites et monuments depuis Cluny jusqu'à Vézelay. Toutes les notions essentielles pour comprendre l'architecture sacrée et civile mais aussi les décors sculptés et peints à l'iconographie codifiée. Un éclairage sur le contexte qui dépasse la seule question religieuse et sur la société d'ordres.

«De quelle résistance, de quelle guerre parlerais-je sinon de celles que j'ai vécues ?» écrit Colette en 1945. À cette date, Brasillach, Guitry et Céline s'étonnent bruyamment que la grande écrivaine française soit épargnée par l'opprobre qui les frappe et les sanctions pénales qui les menacent. N'ont-ils pas tous écrit dans des journaux de la Collaboration ? «Confinée et occupée à la fois», pourrait répondre la romancière qui, à l'instar de la majorité des Français, chercha à survivre sans se commettre avec l'occupant ou ses complices, gérant dans l'angoisse deux écueils majeurs : son immense notoriété qui l'exposait et la menace de la déportation pour son dernier amour, qui était juif. Alors que Colette est plus que jamais au coeur de notre littérature, cette période de la guerre restait dans sa vie empreinte d'un halo de mystère et de beaucoup de rumeurs. Bénédicte Vergez-Chaignon, passionnée par son oeuvre, s'est emparée du sujet. Et son enquête nourrie d'archives en grande partie inédites nous entraîne dans le quotidien de la célébrité, dans les pas d'une Colette bien plus sensible à l'actualité qu'elle n'a jamais voulu l'avouer, bien plus fine politique qu'elle ne consentait à le reconnaître...