Arts / Beaux livres

L'accélération des impacts de la crise climatique impose de limiter la construction neuve. "Ne plus démolir, mais transformer" : cet impératif installe la réhabilitation comme mode de production majeur du logement. Comment traiter dans ce contexte les bâtiments estimés obsolètes et les situations jugées désespérées ? À priori, rien ne plaide pour conserver un hangar obscur médiocrement construit, établir une maison de vacances dans un bunker, installer une bibliothèque publique dans une carrière désaffectée ou implanter un refuge dans un manoir effondré... La posture adoptée par les projets internationaux présentés ici consiste à "faire avec", en identifiant et en exploitant les opportunités que présente la construction d'origine. Les choix tranchés et les actions ciblées sur l'essentiel -¿générosité de l'espace et plaisir d'habiter¿- conduisent à oeuvrer hors conventions. Avec des budgets limités, sans extension, ni surélévation, ces réalisations apportent bien davantage que les prestations standards. Et délivrent autant de leçons d'optimisme architectural.

« Dans notre tradition, c'est inconcevable qu'une fille ne soit pas infibulée, c'est impensable, je ne sais pas pourquoi mais on ne peut pas le concevoir. On n'a jamais entendu parler d'une femme qui n'est pas fermée, c'est impensable. » La femme qui parle s'appelle Awa, elle a 30 ans, elle vit en Ethiopie, elle est nomade, elle est Afar, et son sexe est infibulé : coupé (ablation du clitoris), et fermé (suture des grandes lèvres de manière à ne laisser qu'un minuscule orifice pour l'écoulement de l'urine et du sang menstruel).Comment comprendre cette coutume ? Marion Lavabre s'est rendue à la rencontre de ces femmes « fermées », pour leur donner la parole. Sa démarche a été acceptée par les Afars au point qu'elle a gagné le surnom de « celle qui fait parler les vagins. » Elle nous entraîne dans un passionnant et délicat voyage ethno-photographique en terre d'infibulation.

Ce livre explore le Cap-Vert, archipel d'environ 500 000 habitants situé à l'Ouest de la côte sénégalaise. Peuple de musiciens, de paysans et de pécheurs, marqués par leur passé d'esclaves, la colonisation portugaise, le climat et les famines, les Capverdiens se sont forgés une identité atypique. Profondément insulaires, ils restent très attachés à leur terre tout en étant d'infatigables voyageurs.Fruit d'une enquête menée durant plus d'un an auprès des habitants, ces Histoires capverdiennes dévoilent l'histoire et l'actualité contemporaines de cette société : À travers aventures personnelles et chroniques familiales, des hommes et des femmes nous racontent les secrets de leurs terres et livrent leurs réflexions sur le passé, le présent et l'avenir de l'archipel.

Découvrez la véritable histoire des premiers habitants de la plus grande forêt tropicale ! À quoi ressemblaient les sociétés d'Amazonie avant l'arrivée des Européens ? Ce que nous croyons en savoir tient plus souvent du mythe que de la réalité...Peuplement, domestication, innovations, échanges à longue distance, rituels funéraires, parures, cannibalisme... sont autant de pans d'une histoire humaine encore méconnue. Ils sont ici abordés en prenant comme fil conducteur les célèbres douze travaux d'Hercule, car, dans la démesure de la grande forêt de pluie, les peuples du passé ont bel et bien accompli une oeuvre de géant digne du demi-dieu ! Les écuries d'Augias nous renvoient ainsi aux terrassements colossaux qu'ont mis en évidence les archéologues, la biche de Cyrénée aux innombrables innovations technologiques que l'on pensait autrefois être l'apanage des Andes, ou les pommes d'or des Hespérides à l'extraordinaire fertilité de la fameuse « terra preta » qui intrigue tant les agronomes. Quant aux oiseaux de Stymphale, ils sont un symbole, hélas terrifiant, du chaos que provoqua la conquête européenne..Ce véritable voyage scientifique, nourri des connaissances les plus récentes en archéologie, mais aussi en ethnologie, géographie, écologie ou botanique, invite à en finir avec les idées reçues sur des cultures indigènes puissamment originales et livre un magnifique plaidoyer pour la plus grande forêt tropicale du monde, aujourd'hui en danger.

Les grands mythes sont des histoires de super-héros autant que des précis de métaphysique, des romans psychologiques aussi bien que des thrillers décapants. Ils nous permettent d'appréhender un sentiment, une émotion, une folie. Ils représentent la part secrète - mais essentielle - de nos sociétés. Ils dépeignent les conflits intérieurs qui rongent des hommes et des dieux humains, trop humains. Tout est là : l'amour, la mort, la sexualité, la guerre, la jalousie, la trahison, la volonté de pouvoir, le bonheur, le deuil, la malédiction, le suicide, le sacrifice, la faute, la transgression, le don de soi. Les grands mythes éclairent un monde où les repères sont confus. Les Grecs, en rapportant ces grands mythes, ont inventé le suspense en même temps que la poésie, la tragédie et la philosophie. Socrate ne s'y trompe pas qui convoque Zeus et sa bande à tout bout de champ pour mieux aider le commun des mortels à penser. Il y a là de l'ironie, de la comédie, de l'espoir et du désespoir. La vie, en somme. Tout est tragique, tout est poétique, tout est philosophique : tel est le mantra des Grecs, la magistrale leçon qu'ils nous offrent.» (François Busnel) François Busnel nous embarque dans une exploration captivante de la mythologie grecque et de ses récits originels, illustrée par les chefs-d'oeuvre de Botticelli, Picasso, Munch, Klimt et bien d'autres. François Busnel conte avec passion et précision, en se fondant sur les textes les plus anciens, les destins de Zeus, Thésée, Aphrodite, Orphée... Une balade au coeur des mythes grecs et de ses héros, dont la force poétique et la portée universelle ont nourri l'imaginaire des artistes au fil des siècles. Le livre invite au voyage à travers les musées du monde entier, à la découverte de ces oeuvres d'art inspirées, illustrée par les chefs-d'oeuvre de Botticelli, Picasso, Munch, Klimt et bien d'autres.

En Provence, on nomme calade la technique traditionnelle où la pierre brute locale est posée debout, sur chant. Certains villages conservent encore leurs aires de battage et leurs ruelles caladées, tandis que dans les villes, les hôtels particuliers et les cours privées déploient leur richesse en de précieux tapis de pierres. En Italie, les ciottolati, mélange de galets noirs et blancs, recouvrent le parvis des églises tout comme en Grèce où ils prennent le nom de chochlakia.Depuis quelques années, de nombreuses créations publiques ou privées remettent à l'honneur ce savoir-faire que ce livre aborde sous deux angles complémentaires : une découverte typologique et historique des plus belles calades méditerranéennes ainsi que les règles de base pour réaliser soi-même un sol de pierre. Des dessins techniques et des photos illustrent avec précision chacun des gestes du caladeur.

- Plus de 70 majestés romanes, ou d'esprit roman, associées à leur lieu d'origine, leur histoire, leur légende ou leur fête.- Plus de 400 photographies mettent en lumière ces oeuvres protégées.Les Vierges romanes sont objets d'art pour les uns, objets de vénération pour les autres. Hiératiques, énigmatiques, elles me fascinent de longue date.En poussant la porte des églises, des musées, j'ai voulu approcher la gravité des visages, l'étrangeté des regards, la démesure des mains, l'harmonie des drapés...Hélène Leroy, avec la complicité d'Yves Morvan, présente ces statues et aborde une série de questions : de quelle tradition héritent-elles ? Étaient-elles noires ?Comment travaillait le sculpteur roman ? À une époque où le sens primait sur la forme, que donnaient-elles à voir ?Un chemin de beauté et d'essentiel. Francis Debaisieux

Sculpteur de l'entre-deux-guerres par excellence, Henry Parayre développe un art sobre, privilégiant l'expression intérieure dans les nus féminins comme dans les portraits. La retenue, le calme et la stabilité caractérisent le plus souvent ses oeuvres. Il se rattache au courant néo-classique en rupture totale avec l'art académique représenté par Alexandre Falguière et Antonin Mercié, toulousains comme lui, dont l'ombre a longtemps plané sur les sculpteurs de la Ville Rose. Il expose régulièrement, tant à Toulouse au Salon des Artistes Méridionaux dont il fut l'un des fondateurs, qu'à Paris au Salon des Indépendants, au Salon d'Automne ainsi qu'à la galerie Billiet.Cet ouvrage contient, avec la biographie de l'artiste, le catalogue raisonné de l'ensemble de son oeuvre sculpté, soit environ 170 statues, bas-reliefs ou bustes, classés chronologiquement de 1902 à 1950. Les dessins et l'oeuvre décorative, en particulier la céramique à laquelle Henry Parayre s'est intéressé comme nombre d'artistes de son temps, sont également traitésSous la direction de Laurent Fau, avec les contributions de Geneviève André-Acquier, Luce Barlangue et Jean-Claude Fau.

Puissante et mystérieuse expression de l'art néolithique, les statues-menhirs sont parmi les plus anciennes représentations humaines de grande taille. Dressées il y a plus de 5 000 ans, elles continuent à susciter de nombreuses questions : représentent-elles des divinités, des héros, des personnages du commun ou des chefs de clan ? Qui les a érigées et dans quels buts ? On en a trouvé par groupes entiers sur le pourtour nord du bassin méditerranéen, dont sans doute l'un des plus importants ensembles dans le Rouergue. Quatorze auteurs réunis par Annie Philippon, conservateur du musée Fenaille, apportent des réponses scientifiques à ces questions et avancent des hypothèses pour expliquer les caractéristiques les plus déconcertantes des statues-menhirs : tatouages, changements de sexes, présence d'un objet inconnu... Il est probable que les significations de ces statues de pierre soient aussi multiples que les lieux et les cultures qui les ont vu naître. L'esthétique des statues-menhirs est intacte : formes d'une beauté singulière, leurs rythmes jouent avec la lumière. Ces mégalithes, stylisés, nous touchent par leurs traits, leurs membres, leurs visages: Pour Pierre Soulages, les statues-menhirs, c'est la densité, la frontalité, l'impression d'une puissance permanente. On sait qu'elles sont préhistoriques, mais leur présence, leur force, surgies du passé, les font aussi y échapper et nous en oublions leur origine. Elles sont là, devant nous, énigmatiques et fascinantes .

Dans un texte clair et parfaitement accessible, agrémenté de nombreuses photographies commentées et expliquées, ivan bargna conduit le lecteur à la découverte de l'art africain, qu'il permet de mieux saisir dans toute sa diversité.Il faudrait d'ailleurs parler d'art en afrique, tant il est vrai qu'il n'y a pas un, mais des arts africains : des témoignages préhistoriques aux royaumes africains, de l'architecture au foisonnement de l'art contemporain, c'est une mosaïque d'expressions artistiques qui s'offre à nous, et qu'il convient de ne pas enfermer dans une identité stéréotypée qui serait le seul fruit de notre regard occidentalCar si les arts d'afrique ont bien exercé une influence décisive sur l'art occidental du xxe siècle, ils n'en sont pas moins des arts à part entière, que ce livre nous permet de mieux comprendre.

C'est à partir des Veda , les textes sacrés produits au cours de nombreux siècles, que se mit en place une civilisation construite autour du Mot, riche de ritualité mais dépourvue d'images et basée sur des symboles appartenant à l'ordre naturel, comme la lumière. Vint ensuite le bouddhisme (à la fin du VIe siècle av. J.-C.), qui apporta de nouveaux symboles tels que la roue et le lotus. C'est à cette époque que prit forme l'art indien, bouddhiste à l'origine, dans l'architecture et la sculpture, en se diffusant dans l'Inde toute entière et au Sri Lanka. L'art gupta, ou art classique indien, atteignit son apogée entre le IVe et le VIIe siècle, devenant à la fois bouddhiste et hindouiste. Dès lors, il se fit l'expression des deux religions, allant jusqu'à cohabiter avec l'islam. L'empreinte artistique indienne donna notamment naissance à l'art tibétain, mais c'est essentiellement dans le Sud-Est asiatique qu'elle se diffusa. C'est ce parcours extraordinaire à travers un art multiforme situé au confluent de plusieurs civilisations et qui dépasse toutes les frontières, que Michel Delahoutre retrace en une synthèse magnifiquement illustrée et d'une remarquable clarté.

L'art paoléchrétien, c'est-à-dire l'art des premiers chrétiens, qui s'étendit du IIe au VIe siècle, adopta les formes artistiques et architecturales qui avaient alors cours dans l'Empire romain, mais en y introduisant une thématique propre et une sensibilité nouvelle, soucieuse de figurer l'invisible dans les représentations et dans l'espace. Il ne doit surtout pas être considéré comme le fruit de la décadence de l'art classique. Sans être en rupture avec ce dernier sur le plan formel, c'est un art innovateur, doté d'une esthétique nouvelle, formulée avec une complexité qui fait toute sa singularité, et qui fonde les bases stylistiques de l'expression artistique du haut Moyen Âge. Au-delà, il formule déjà pleinement la plus grande partie des thèmes qui seront développés dans tout l'art médiéval. C'est dire l'importance cardinale de cette période dont Eduard Carbonell Esteller retrace l'évolution dans un texte magnifiquement illustré et d'une remarquable clarté.

A quoi rêve la médina de Marrakech, dont le monde entier rêve ? Qui est-elle, cette cité aux surnoms innombrables : la Ville Rouge , la Ville des sept saints , la Ville Joyeuse , sans oublier son nom propre, Marrakch, qui a fini par désigner le Maroc tout entier ? Au-delà des clichés flatteurs, des palais secrets, des résidences de milliardaires et du luxe de ses jardins où murmurent les fontaines, que sait-on d'elle ? Qui l'habite ? Qui la fait vivre ? Qui sont les Marrakchis ? Ville en perpétuel mouvement, où les ruines côtoient les chantiers de reconstruction, Marrakech n'est pas présentée ici comme une cité aux magnifiques palais bien connus des touristes. Au-delà des riyads, des chambres d'hôte et des sites renommés, Marrakech, culture populaire de la médina, nous offre la peinture d'une cité inexplorée, parfois par les Marrakchis eux-mêmes. Depuis la vie retirée des derbs, ces petites ruelles où, à l'abri des regards, se mène la vie des familles, jusqu'à ce marché de la parole populaire qu'est, depuis toujours, la place Jamâ I-Fna, les auteurs mettent en lumière des trésors ignorés de cette société, mais aussi, l'enracinement historique de la vie de la médina, là où bat le coeur d'une culture fragile dont on ne dit rien.De nombreuses créations poétiques et musicales appartenant à la culture populaire marocaine sont ici transcrites et traduites pour la première fois, et font écho aux témoignages de voyageurs du passé tels Ibn Battûta, Léon l'Africain, Georg Host, Jean Potocki entre autres.